Средневековая музыка. В эпоху средневековья в Европе складывается музыкальная культура, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор. Поскольку церковь господствует во всех областях духовной жизни, основу профессионального музыкального искусства составляет деятельность музыкантов в храмах и монастырях. Светское профессиональное искусство представлено поначалу лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.). Со временем развиваются любительские и полупрофессиональные формы музицирования рыцарства: во Франции - искусство трубадуров и труверов (Адам де ла Аль, XIII век), в Германии - миннезингеров (Вольфрам фон Эшенбах, Вальтер фон дер Фогельвейде, XII-XIII века), а также городских ремесленников. В феодальных замках и в городах культивируются всевозможные роды, жанры и формы песен (эпические, «рассветные», рондо, ле, виреле, баллады, канцоны, лауды и др.).
Во всём царят строгая традиционность и каноничность. Закреплению, сохранению и распространению традиций и эталонов (но также и их постепенному обновлению) способствовал переход от невм, лишь приблизительно указывавших характер мелодического движения, к линейной нотации (Гвидо д"Ареццо, XI век), позволившей точно фиксировать высоту тонов, а затем и их длительность.
Постепенно, хотя и медленно, обогащаются содержание музыки, её жанры, формы, средства выразительности. В Западной Европе с VI-VII веков. складывается строго регламентированная система одноголосной (монодической) церковной музыки (григорианское пение), объединяющая речитацию (псалмодия) и пение (гимны). На рубеже 1-го и 2-го тысячелетий зарождается многоголосие. Формируются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум, мотет, кондукт, затем месса. Во Франции в XII веке образуется первая композиторская (творческая) школа при Соборе Парижской богоматери (Леонин, Перотин). На рубеже Возрождения (стиль ars nova во Франции и Италии, XIV века) в профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием, музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практической функций (обслуживание церковных обрядов), в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных (Гильом де Машо).
Музыка эпохи Возрождения. Ренессанс - эпоха в истории европейской культуры, характеризующаяся крупнейшими экономическими и социально-политическими преобразованиями, расцветом светской гуманистической мысли, великими научными и географическими открытиями, возрождением античного культурного наследия. В Италии - 14-16 вв., в других странах Западной и Центральной Европы - сер. 15-16 вв. Существуют различные точки зрения на исторические границы музыкального Возрождения. Наиболее устоявшимся является представление о 1 -й пол. 15 в. как о собственно начале эпохи Возрождения в музыке и 2-й пол. 16 в. как его завершающей стадии (творчество Палестрины, О. Лассо, композиторов венецианской школы, поздних итальянских мадригалистов, первых оперных композиторов). В связи с переходом от средневековой теоцентрической культуры к антропоцентрической произошли сущностные изменения в музыкальном искусстве. Как и в других видах искусства, необычайно усилилась тенденция к отражению многообразия мира, которая сочеталась со стремлением к совершенному согласованию, гармонии, соразмерности всех элементов целого. Начало нотопечатания, новые условия бытования музыки (появление демократической публики, расцвет любительского музицирования) вели к переосмыслению её социального статуса. Возросла роль светских жанров (фроттола, вилланелла, вильянсико, шансон, Lied, мадригал, мадригальная комедия, в конце16 века - опера, балет), самостоятельной стала инструментальная музыка (хоральные обработки, ричеркары, канцоны, импровизационные пьесы - прелюдии, токкаты, фантазии), возродился интерес к танцевальному искусству (появление многочисленных танцевальных жанров, нотных танцевальных собраний, специальных руководств и первых профессиональных танцмейстеров). Изменилось также интонационное наполнение традиционных церковных жанров - мессы и мотета.
Музыка барокко. Барокко (итал. barocco, букв. - причудливый, вычурный, странный; существуют разные версии происхождения этого термина: 1) от португ. perola barocca - жемчужина неправильной формы; 2) от лат. bаroco - обозначение одного из видов силлогизма в схоластической логике; 3) от имени итал. художника Ф. Бароччи, F. Barocci, (15287-1612) - художественный стиль в европейском искусстве и литературе конца 16-1-й пол. 18 вв. На исходе 16 в. оптимистич. гуманизм эпохи Возрождения сменяется трагическим мироощущением, связанным с отражением в сознании людей обострившихся противоречий экономической, политической и общественной жизни, приведших в 17 в. к началу буржуазной революций. С возникновением стиля Барокко музыка впервые полно продемонстрировала свои возможности углублённого и многостороннего воплощения мира душевных переживаний человека. На ведущее положение выдвинулись музыкально-театральные жанры (прежде всего опера), что определялось характерным для Барокко стремлением к драматической экспрессии и синтезу различных видов искусства, проявлявшемуся и в сфере культовой музыки (духовная оратория, кантата, пассивны). Одновременно обнаружилась тенденция к обособлению музыки от слова - к интенсивному развитию многочисленных инструментальных жанров, в значительной мере связанных с эстетикой Барокко. Наиболее ярко стиль Барокко, проявился в Италии. В нач. 18 в. в Германии, в исторической судьбе которой с особой силой сказались трагические противоречия эпохи, выдвинулись два великих композитора - И. С. Бах и Г. Ф. Гендель, творчество которых тесно было связано со стилем Барокко. Однако, подытоживая и углубляя достижения прошлого и предвещая будущее европейской музыки, оно не вмещается в рамки какого-либо одного стиля.
Рококо (франц. rococo, от rocaille - орнаментальный мотив, букв. - осколки камней, раковины для отделки построек) - стиль в европейском искусстве 1-й пол. 18 в., получивший развитие прежде всего во Франции. Ярче всего Рококо сказалось в изобразительном искусстве (Ф. Буше, А. Ватто) и декоративном оформлении дворцовых интерьеров (манерная вычурность и прихотливость линий в предметах обстановки, изощрённость, обилие орнаментальных рисунков в настенных росписях и т. д.). Рококо в музыке проявилось в творчестве французских клавесинистов (Л. К. Дакен, Франсуа. Куперен, Жан-Филлип Рамо и др.). Для них характерны камерность и миниатюрность форм, господство хрупких, грациозно-кокетливых и игривых образов, обилие изысканной мелизматики и т. д.
Классицизм (от лат. classicus - образцовый) - стиль в литературе и искусстве 17 - нач. 19 вв. Сложился под влиянием идей философского рационализма, а также эстетики Возрождения с его ориентацией на античное искусство как на непревзойдённый художественный образец. Ведущий тезис эстетики Классицизма заключается в убеждении, что суть бытия глубоко разумна и гармонична, в утверждении единого, всеобщего порядка, управляющего миром. С этим связаны и требования классицистов к искусству как к одному из созданий могучего человеческого интеллекта, в основе которого лежат принципы логичности, обоснованности, внутренней гармонии, строгой регламентации жанров, типизации и обобщённости выразительных средств. Основоположником Классицизма в музыкальном театре стал Ж. Б. Люлли, создатель оперного жанра лирической трагедии. Для опер Люлли характерны античная и мифологическая сюжестика, высокая героика, приподнятость стиля, в построении опер - логическая ясность, соответствие строгим правилам, нормативность, ориентация на драматически гибкий речитатив и оркестровое развитие. Однако лишь К. В. Глюку, осуществившему реформу оперы, удалось создать произведения, отличающиеся благородной простотой и возвышенностью.
Вершинная, качественна новая стадия в развитии музыки Классицизма - искусство венской классической школы (творчество И. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. Бетховена). Венский Классицизм впитал в себя наиболее прогрессивные идеи своего времени, во многом перекликаясь с веймарским классицизмом И. В. Гёте и Ф. Шиллера в литературе. С творчеством венских классиков связан блестящий расцвет ведущих инструментальных жанров - симфонии, сонаты, струнного квартета, формирование сонатно-симфонического цикла и симфонического оркестра. Они создали симфонизм - метод действенного раскрытия жизненных противоречий, созвучный диалектическим идеям немецкой классической философии. На рубеже 18-19 вв. Классицизм обрёл новые формы в сочинении композиторов Великой французской Революции. Кульминационное выражение эти идеалы нашли в творениях Бетховена, поздние произведения которого, однако, уже были отмечены чертами романтизма. Сочетаясь с элементами других художественных направлений, черты Классицизма преломились и в русской музыкальной культуре (М. С. Березовский, Д. С. Бортнянский, В. А. Пашкевич, Е. И. Фомин, И. Е. Хандошкин).
Романтизм (франц. romantisme) - идейно-эстетическое и художественное, направление, сложившееся в европейском искусстве на рубеже 18-19 вв. Возникновение Романтизма, формировавшегося в борьбе с просветительско-классицистской идеологией, было обусловлено глубоким разочарованием художников в политических результатах Великой французской революции. Характерное для романтического метода острое столкновение образных антитез (реальное - идеальное, шутовское - возвышенное, комическое - трагическое и т. д.) опосредованно выражало резкое неприятие буржуазной действительности, протест против возобладавшего в ней практицизма и рационализма. Противопоставление мира прекрасных, недостижимых идеалов и пронизанной духом мещанства повседневности породило в творчестве романтиков, с одной стороны, драматическая конфликтность, господство трагических мотивов одиночества, скитальчества и т. п., с другой - идеализацию и поэтизацию далёкого прошлого, народного быта, природы. По сравнению с классицизмом в Романтизме. акцентировалось не объединяющее, типическое, обобщённое начало, а ярко индивидуальное, оригинальное. Это объясняет интерес к исключительному, возвышающемуся над своим окружением и отвергнутому обществом герою. В эпоху Романтизма музыка заняла ведущее место в системе искусств, т. к. в наибольшей степени соответствовала устремлениям романтиков в отображении эмоциональной жизни человека. Начальный этап музыка Романтизма представлен творчеством Ф. Шуберта, Н. Паганини, Дж. Россини, и др., последующий этап (1830-50-е гг.) - творчеством Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Мендельсона, Г. Берлиоза, В. Беллини, Ф. Листа, Р. Вагнера, Дж. Верди. Поздний этап Романтизма простирается до кон. 19 в. (И. Брамс, позднее творчество Ф. Листа и Р. Вагнера, ранние соч. Г. Малера, Р. Штрауса и др.). В некоторых национальных композиторских школах расцвет Романтизма пришёлся на последнюю треть 19 в. и нач. 20 в. (Э. Григ, Я. Сибелиус, И. Альбенис и др.). Руссская музыка, опиравшаяся в основном на эстетику реализма, в ряде явлений тесно соприкасалась с Романтизмом, - творчество П. И. Чайковского, С. В. Рахманинова.
Важнейшим моментом эстетики музыки Романтизма была идея синтеза искусств, которая нашла наиболее яркое выражение в оперном творчестве Вагнера и в программной музыке (Лист, Шуман, Берлиоз), отличавшейся большим разнообразием источников программы (литература, живопись, скульптура и др.). Разнообразно трактуется романтиками сфера фантастики - от изящной скерцозности, народной сказочности ("Сон в летнюю ночь" Мендельсона, "Вольный стрелок" Вебера) до гротеска ("Фантастическая симфония" Берлиоза, "Фауст-симфония" Листа), причудливых, порождённых изощрённой фантазией художника видений ("Фантастические пьесы" Шумана). Интерес к народному творчеству, в особенности к его национально-самобытным формам, в значительной мере стимулировал возникновение в русле Романтизма новых композиторских школ - польской, чешской, венгерской, позднее норвежской, испанской, финской и др. Бытовые, народно-жанровые эпизоды, локальный и национальный колорит пронизывают всё музыкальное искусство эпохи Романтизма. По-новому, с невиданной до того конкретностью, живописностью и одухотворённостью, воссоздают романтики образы природы. С этой образной сферой тесно связано развитие жанрового и лирико-эпического симфонизма (одно из первых сочинений - "большая" симфония C-dur Шуберта). Новые темы и образы потребовали от романтиков разработки новых средств музыкального языка и принципов формообразования, индивидуализации мелодики и внедрения речевых интонаций, расширения тембровой и гармонической палитры музыки (натуральные лады, красочные сопоставления мажора и минора и т. д.). Внимание к образной характерности, портретности, психологической детализации обусловило расцвет у романтиков жанра вокальной и фортепианной миниатюры (песня и романс, музыкальный момент, экспромт, песня без слов, ноктюрн и др.). Бесконечная изменчивость и контрастность жизненных впечатлений воплощается в вокальных и фортепианных циклах Шуберта, Шумана, Листа, Брамса и др. Психологическая и лирико-драматическая трактовка присуща в эпоху Романтизма и крупным жанрам - симфонии, сонате, квартету, опере. Тяга к свободному самовыражению, постепенной трансформации образов, сквозному драматургическому развитию породила свободные и смешанные формы, свойственные романтическим сочинениям в таких жанрах, как баллада, фантазия, рапсодия, симфоническая поэма и др. Музыка Романтизма, являясь ведущим направлением в искусстве 19 в., на позднем своём этапе породил новые направления и течения в музыкальном искусстве - веризм, импрессионизм, экспрессионизм. Музыкальное искусство 20 в. во многом развивается под знаком отрицания идей Романтизма, однако его традиции живут в рамках неоромантизма.
Реализм (от позднелат. realis - вещественный, действительный) - творческий метод в искусстве, подразумевающий правдивое и многостороннее отражение действительности специфическими средствами, присущими определенному виду искусства. Наиболее полное раскрытие специфических черт Реализма в прошлом усматривается в искусстве 19 в. Некоторые теоретики не считают возможным говорить о Реализме в музыке, т. к. для музыкального искусства неспецифично отражение жизни в формах самой жизни. Однако с того момента, когда термин "Реализм" вошёл в эстетику и критику (1860-е гг.), он применялся и по отношению к музыке (впервые - В. В. Стасовым). Наиболее широкая и фундаментальная концепция Реализма в музыке дана Б. В. Асафьевым, который пришёл к выводу об историческом законе "вбирания" в интонацию смысла тех конкретных социальных ситуаций, в которых создаётся, бытует и воспринимается музыка. Этот смысл, закрепляясь за определенными звукосоотношениями, становится их эмоционально-психологическим содержанием. Т. о., формируется "интонационный фонд эпохи", который отражает свойственные данному времени и культуре умонастроения и психологические установки. В европейской профессиональной музыке реалистические черты проявились в различных художественных направлениях. Начиная с 17 в. тенденция реалистической типизации в наследии К. Монтеверди, Г. Шютца нашла претворение в речевых интонациях их произведений. В 1-й пол. 18 в. гигантская мощь обобщения в музыке И. С. Баха воплощала реалистическую тенденцию, связанную с опорой интонационное мышления на народный и хоральный мелос, тесно сопряжённый с этическими и идейно-эмоциональными. установками человека той эпохи. В 18 в. в русле просветительской идеологии создаётся теория Реализма (Ж. Ж. Руссо, Д. Дидро, А. Э. М. Гретри). Практической параллелью этим теоретическим взглядам стала комическая опера. Сильная реалистическая тенденция присутствует в творчестве композиторов венской классической школы, давших образцы высоких обобщений психологического строя человека, гуманистических ценностей и идеалов. У крупнейших композиторов-романтиков элементы собственно романтической эстетики тесно переплетались с реалистическими. Обратившись к внутреннему миру человека, романтики достигли правдивой типизация эмоциональной жизни в её динамизме, конфликтности, целостности. Так формировался основной принцип музыки Реализма: постижение действительности через эмоционально-психологическое состояние человека, а внутренней психологической жизни - через драматизм внешней истории, с которой неразрывно связана человеческая личность. Мятежная страстность музыки П. И. Чайковского, сила и острота выражения в ней напряженных драм конфликтов осознаются и как обобщение внутреннего строя человеческой эмоциональности, и как типизация социальных конфликтов, и, наконец, как выражение противоречивых соотношений между личностью и внешним миром. Основоположник реалистической школы в русской музыке - М. И. Глинка, чьи традиции получили развитие в творчестве крупнейших русских композиторов 19 - нач. 20 вв. "Родоначальником реализма в музыке", по определению В. В. Стасова, был и А. С. Даргомыжский. Стасов отмечал также выдающийся вклад в музыкальный реализм М. П. Мусоргского. В классической русской музыке Реализм получил яркое, неповторимое выражение в эпических операх А. П. Бородина и Н. А. Римского-Корсакова, в лирико-драматических сочинениях П. И. Чайковского, в музыке М. А. Балакирева, С. И. Танеева, А. К. Глазунова, С. В. Рахманинова, А. Н. Скрябина др. русские композиторы обогатили реалистическое направление новым кругом образов, связанных как с повседневной жизнью народа, так и с история, движениями масс, как с гармоничным самоощущениемличности, так и с её внутренней конфликтностью, с коллизиями столкновении личности и социальных условий, препятствующих её развитию и самоутверждению. Критический элемент в музыке Реализма русской школы представал подчас в виде реалистического гротеска ("Золотой петушок" Римского-Корсакова, "Раёк" Мусоргского, позднее - "Нос" Шостаковича). В творчестве западно-европейских композиторов 2-й пол. 19 в. также прослеживаются реалистические тенденции (Р. Вагнер, Ж. Бизе, Дж. Верди, И. Брамс, А. Брукнер и др.). В кон. 19 - нач. 20 вв. музыкальный Реализм испытал влияние натурализма, эстетики модернизма. Сохраняя свои основные, определяющие признаки, Реализм в музыке 20 в. обретает новые, более сложные формы. Круг типичных интонаций расширяется, вбирая, с одной стороны, глубинные интонационные пласты народных культур (3. Кодай, Б. Барток, К. Шимановский, И. Ф. Стравинский, С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Г. В. Свиридов, А. И. Хачатурян, К. Караев, Р. К. Щедрин и др.), с другой стороны - влияния звуковой среды современности, включая моторику, связанную с миром техники, массовыми шествиями, образами городской жизни и т. п. Сложно отношение к Реализму музыки таких композиторов, как А. Шёнберг, А. Берг, А. Веберн, глубоко отразивших противоречивое сознание современного человека в условиях острой конфликтности исторической действительности. Расширившийся круг типизированных интонаций и жанрово-драматургических моделей предопределил многообразие реалистической музыки 20 в.
Импрессионазм в музыке (франц. impressionnisme, от impression - впечатление) - художественное направление, сложившееся в Западной Европе в последней четв. 19 - нач. 20 вв., прежде всего в творчестве Клода Дебюсси. Имеет общие корни с Импрессионизмом во франц. живописи. Музыкальный Импрессионизм сближают с Импрессионизмом в живописи красочность, стремление к воплощению мимолётных впечатлений, к одухотворённой пейзажности ("Прелюдия к "Послеполуденному отдыху фавна"", "Ноктюрны", "Море" для оркестра, "Остров радости" для фортепиано Дебюсси, "Игра воды", "Отражения" Равеля и др.), к созданию колоритных жанровых зарисовок и музыкальных портретов ("Прерванная серенада", "Менестрели", "Девушка с волосами цвета льна" Дебюсси). Применение термина "Импрессионизм" к музыке, однако, в большой мере условно, и прямые аналогии между живописным и музыкальным Импрессионизмом вряд ли возможны. Окружающий мир раскрывается в музыкальном Импрессионизме сквозь призму тончайших психологических, рефлексов, едва уловимых ощущений, рождённых его созерцанием. Эти черты сближают Импрессионизм с другим художественным течением - литературным символизмом, с творчеством П. Верлена, С. Малларме, П. Луиса, М. Метерлинка, сочинения которых нашли претворение в музыке К. Дебюсси и его последователей. При всей новизне музыкального языка в Импрессионизм нередко воссоздаются некоторые приёмы, характерные для искусства предшествующего времени, в частности музыки французских клавесинистов 18 в. В сфере красочной живописности, фантастики и экзотики (интерес к Испании, странам Востока) импрессионисты продолжили традиции романтизма, отказавшись при этом от острых драматических коллизий, социальных тем. Сильное влияние на музыку Дебюсси и М. Равеля оказало творчество М. П. Мусоргского (не мировоззренческий его аспект, а ряд особенностей музыкального языка), Импрессионисты создали произведения искусства, утончённые и ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные и строгие по стилю, При этом значительно изменилась трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались программные миниатюры, сюитные циклы, в которых господствовало красочно-живописное начало. Обогатилось гармоническое и тембровое музыкальное мышление. Импрессионистская гармония характеризуется повышением колористичности, в т. ч. под воздействием французского музыкального фольклора и новых для европейца 19 в. систем музыкального мышления (влияние русской музыки, григорианского хорала и ренессансной полифонии, музыки стран Востока, негритянского менестрельного театра США). Это проявилось, в частности, в использовании натуральных и ангемитонных ладов, элементов модальной гармонии, в аккордовых параллелизмах. Инструментовке импрессионистов присущи дифференцированность оркестрового звучания, детализация фактуры, использование чистых тембров. Помимо Франции, где последователями Дебюсси были М. Равель, П. Дюка, Ф. Шмитт и др., на рубеже 19-20 вв. элементы Импрессионизма получили развитие и в других композиторских школах, своеобразно сплетаясь с их национальными особенностями (М. де Фалья в Испании, О. Респиги, отчасти А. Казелла и Ф. Малипьеро в Италии, Ф. Дилиус и С. Скотт в Великобритании, К. Шимановский в Польше, раннее творчество И. Ф. Стравинского, Н. Н. Черепнин и др. в России).
Экспрессионизм (от лат. expressio, род. падеж expressionis - выражение) - направление в европейском искусстве и литературе 1-й четв. 20 в. В Экспрессионизме отразилось трагическое мироощущение европейской интеллигенции в преддверии 1-й мировой войны 1914 – 18 гг., в военнные и послевоенные годы. Экспрессионализм стал одной из форм бунта против абсурдности современного мира, позитивного выхода из которой художник не видел. Отсюда резко критическое отношение экспрессионистов к идеалам классического и романтического искусства, которые перед лицом реального социального зла воспринимались как благодушные иллюзии. В центре внимания искусства Экспрессионализм оказываются болезненные, иррациональные состояния души, порождённые страхом и отчаянием. Беспощадный показ негативных сторон действительности, гуманистическая идея сострадания к "униженным и оскорблённым" внесли в искусство Экспрессионализма остро обличительную струю ("Воццек" Берга). Экспрессионализм наиболее ярко представлен в искусстве и литературе Австрии и Германии (художники О. Кокошка, М. Бекман, Ж. Грос и др.; писатели И. Бехер, Л. Франк, драматурги Э. Толлер, Г. Кайзер и др.). В музыке чертами Экспрессионализма были отмечены некоторые позднеромантические произведения (последние симфонии Г. Малера, оперы "Саломея" и "Электра" Р. Штрауса); полное и законченное выражение музыка Экспрессионализма нашла в творчестве Арнольда Шёнберга ("Лунный Пьеро", оперы "Ожидание", "Счастливая рука", пьесы ор. 11, 16, 19), Альбан Берга (все сочинения) и их последователей. Экспрессионистским музыкальным сочинениям обычно свойственны отказ от мажора и минора, разорванность мелодики, предельная диссонантность гармонии, в вокальной партии - полупение-полуговор (Sprechstimme). Крайняя напряжённость эмоционального строя обнаруживается в предельно заострённых контрастах настроений - от сгущённо-мрачных, бредовых до инфантильно-просветлённых.
Неоклассицизм (от греч. - новый и классицизм) - направление в музыке 20-30-х гг. 20 в., для которого характерно обращение к принципам музыкального мышления и жанрам, типичным для барокко (реже - раннего классицизма и позднего Возрождения). В той или иной степени Неоклассицизм отразился в музыке композиторов 20 в., но наиболее законченное выражение получил в творчестве И. Ф. Стравинского, П. Хиндемита. Его представители обращались прежде всего к возрождению национальных музыкальных традиций: в Германии - к инструментальному наследию И. С. Баха: в Италии - к традициям инструментальных концертов А. Вивальди, старинной итальянской оперы и др.; во Франции - к старинным французским сонатам, опере Ж. Б. Люлли, аллегорическому придворному балету, традиции театрализованных представлений эпохи Великой французской революции (в последнем случае были найдены точки соприкосновения с ораториями Г. Ф. Генделя) и т. д. Свойственное Неоклассицизму свободное использование старинных стилей и жанров стало одной из существенных черт музыки 2-й пол. 20 в., в частности советской музыки 60-80-х гг.
Неорамантизм (от греч. - новый и романтизм) - понятие, обычно обозначающее поздний романтизм, главным образом творчество Ф. Листа и Р. Вагнера. К неоромантикам иногда условно причисляют И. Брамса, А. Брукнера, X. Вольфа, Г. Малера, Р. Штрауса. Термин "Неоромантизм" применяют также к творчеству композиторов, продолжавших некоторые традиции романтической музыки в нач. 20 века. Во 2-й пол. 20 в. многие композиторы сознательно обращаются к стилистике романтизма. Начало 70-80-х гг. связано с протестом против крайностей "второго авангарда", с требованием открытой выразительности и возвратом к "новой простоте".
Неофольклоризм (от греч.- новый и фольклор) - термин, иногда применяемый к европейской музыке 1-й трети 20 в., в которой обновление средств письма органически связано с опорой на фольклор. Наиболее яркие и последовательные представители неофольклоризма - Б. Барток и И.Ф. Стравинский. Для музыки неофольлклоризма характерны концентрация тех или иных особенностей фольклора, например, метрической нерегулярности, идущей от старинной русской песенности ("Байка" Стравинского), "сгущение" ладоинтонационных особенностей фольклора тех народов, музыкальное мышление которых отличается от традиционного общеевропейского ("15 венгерских танцев", "2 румынских танца", арабский фольклор в 3-й части фортепианной сюиты ор. 14 Бартока). Типичны активность, энергичность ритмики ("Allegro bаrbаrо" Бартока, 1911; "Весна священная" Стравинского, 1913). В музыкальных сочинениях этого направления, кроме воспроизведения внешней красочности народной жизни ("Провансальская сюита" Мийо), получают обобщённое воплощение национальный характер ("7 испанских песен" де Фальи), язык, мышление ("Свадебка" Стравинского, "Енуфа" Яначека) и этика ("Венгерский псалом" Кодая). Обогащение языка в связи с обращением к древним пластам фольклора - явление, типичное для русской музыки. В советсткой музыке 60-80-x гг. яркие образцы твореского преломления фольклорных источников создали Г. В. Свиридов, В. А. Гаврилин, композиторы союзных республик. Их сочинения не принято обозначать термином "Н еофольклоризм", в музыкальной критике получило распространение название "новая фольклорная волна".
Классицизм (от лат. classicus - образцовый) - художеств. теория и стиль в иск-ве 17-18 вв. В основе К. лежало убеждение в разумности бытия, в наличии единого, всеобщего порядка, управляющего ходом вещей в природе и жизни, гармоничности человеческой натуры. Свой эстетич. идеал представители К. черпали в образцах антич. иск-ва и в осн. положениях "Поэтики" Аристотеля. Само название "К." происходит от обращения к классич. древности как высшей норме эстетич. совершенства. Эстетика К., исходящая из рационалистич. предпосылок, нормативна. Она содержит сумму обязательных строгих правил, к-рым должно отвечать художеств. произведение. Важнейшие из них - требования равновесия красоты и истины, логической ясности замысла, стройности и законченности композиции, чёткого разграничения жанров.
В развитии К. отмечаются два больших историч. этапа: 1) К. 17 в., выраставший из иск-ва Возрождения вместе с барокко и развивавшийся отчасти в борьбе, отчасти во взаимодействии с последним; 2) просветительский К. 18 в., связанный с предреволюц. идейным движением во Франции и его влиянием на иск-во др. европ. стран. При общности осн. эстетич. принципов этим двум этапам свойствен и ряд существенных различий. В зап.-европ. искусствознании термин "К." обычно применяется только к художеств. направлениям 18 в., тогда как иск-во 17 - нач. 18 вв. рассматривается под знаком барокко. В противоположность этой точке зрения, исходящей из формального понимания стилей как механически сменяющихся стадий развития, разработанная в СССР марксистско-ленинская теория стилей учитывает всю совокупность противоречивых тенденций, сталкивающихся и взаимодействующих в каждую историч. эпоху.
К. 17 в., являясь во многом антитезой барокко, вырастал из тех же историч. корней, по-иному отразив противоречия переходной эпохи, характеризовавшейся крупными социальными сдвигами, бурным ростом науч. знаний и одновременным усилением религ.-феодальной реакции. Наиболее последовательное и законченное выражение К. 17 в. получил во Франции периода расцвета абсолютной монархии. В музыке виднейшим его представителем был Ж. Б. Люлли, создатель жанра "лирической трагедии", к-рая по своей тематике и осн. cтилистич. принципам была близка классицистской трагедии П. Корнеля и Ж. Расина. В противоположность итал. баручной опере с её "шекспировской" свободой действия, неожиданными контрастами, смелым сопоставлением возвышенного и шутовского, "лирическая трагедия" Люлли обладала единством и выдержанностью характера, строгой логичностью построения. Её сферой была высокая героика, сильные, благородные страсти людей, возвышающихся над обычным уровнем. Драматич. выразительность музыки Люлли основывалась на применении типич. оборотов, служивших для передачи разл. душевных движений и эмоций - в соответствии с учением об аффектах (см. Аффектов теория), лежавшим в основе эстетики К. Вместе с тем творчеству Люлли были присущи и черты барокко, проявлявшиеся в зрелищной пышности его опер, обилии танцев, шествий и хоров, непрестанно возрастающей роли чувственного начала. Подобное соединение элементов барокко и К. выступает и в Италии - в операх композиторов неаполитанской школы после драматургич. реформы, осуществлённой А. Дзено по образцу франц. классицистской трагедии. Героическая опера-сериа приобрела жанровое и конструктивное единство, были регламентированы типы и драматургич. функции разл. муз. форм. Но зачастую это единство оказывалось формальным, на первый план выдвигались занимательность интриги и виртуозное вок. мастерство певцов-солистов. Как итал. опера-сериа, так и творчество французских последователей Люлли свидетельствовали об известном упадке К.
Новая полоса расцвета К. в эпоху Просвещения была связана не только с изменением его идейной направленности, но и с частичным обновлением самих его форм, преодолением нек-рых догматич. сторон классицистской эстетики. В своих высших образцах просветительский К. 18 в. поднимается до открытого провозглашения революц. идеалов. Франция по-прежнему остаётся осн. центром развития идей К., но они находят широкий резонанс в эстетич. мысли и художеств. творчестве Германии, Австрии, Италии, России и др. стран. В муз. эстетике К. важную роль играет учение о подражании, разрабатывавшееся во Франции Ш. Баттё, Ж. Ж. Руссо, Д"Аламбером, в Германии - И. Маттезоном, И. Шайбе, И. Кванцем и др. У наиболее передовых представителей муз.-эстетич. мысли 18 в. эта теория связывалась с пониманием интонац. природы музыки, что вело к реалистич. взгляду на неё. Руссо подчёркивал, что предметом подражания в музыке должны быть не звуки неодушевлённой природы, а интонации человеческой речи, служащие наиболее верным и непосредственным выражением чувства. В центре муз.-эстетич. споров 18 в. находилась опера. Франц. энциклопедисты считали её жанром, в к-ром должно быть восстановлено первоначальное единство иск-в, существовавшее в ан-тич. т-ре и нарушенное в последующую эпоху. Эта мысль легла в основу оперной реформы К. В. Глюка, к-рая была начата им в Вене в 60-е гг. и получила завершение в обстановке предреволюц. Парижа 70-х гг. Зрелые, реформаторские оперы Глюка, горячо поддержанные энциклопедистами, в совершенстве воплотили классич. идеал возвышенного героич. иск-ва, отличающегося благородством страстей, величеств. простотой и строгостью стиля.
Как и в 17 в., в эпоху Просвещения К. не представлял собой замкнутого, изолированного явления и соприкасался с разл. стилевыми течениями, эстетич. природа к-рых иногда находилась в противоречии с его осн. принципами. Так, кристаллизация новых форм классич. инстр. музыки начинается уже во 2-й четв. 18 в., в рамках галантного стиля (или стиля рококо), связанного преемственно как с К. 17 в., так и с барокко. Элементы нового у композиторов, причисляемых к галантному стилю (Ф. Куперен во Франции, Г. Ф. Телеман и Р. Кайзер в Германии, Дж. Саммартини, отчасти Д. Скарлатти в Италии), переплетаются с чертами баручной стилистики. При этом монументализм и динамич. устремлённость барокко сменяются мягкой, утончённой чувствительностью, интимностью образов, изысканностью рисунка.
Широкое распространение сенти- менталистских тенденций в сер. 18 в. привело к расцвету песенных жанров во Франции, Германии, России, возникновению разл. нац. типов оперы, противопоставляющих возвышенному строю классицистской трагедии простые образы и чувства "маленьких людей" из народа, сюжеты из обыденной повседневной жизни, непритязательный мелодизм музыки, близкой к бытовым источникам. В области инстр. музыки сентиментализм получил отражение в соч. чеш. композиторов, примыкавших к мангеймской школе (Я. Стамиц и др.), К. Ф. Э. Баха, творчество к-рого было родственно лит. движению "Бури и натиска". Свойственное этому движению стремление к неогранич. свободе и непосредственности индивидуального переживания проявляется в приподнятой лирич. патетике музыки К. Ф. Э. Баха, импровизационной прихотливости, резких, неожиданных выразит. контрастах. Вместе с тем деятельность "берлинского", или "гамбургского", Баха, представителей мангеймской школы и др. параллельных течений во многом непосредственно подготовила высшую стадию развития муз. К., связанную с именами Й. Гайдна, В. Моцарта, Л. Бетховена (см. Венская классическая школа). Эти великие мастера обобщили достижения разл. муз. стилей и нац. школ, создав новый тип К., значительно обогащенного, освобождённого от условностей, свойственных предыдущим этапам классицистского стиля в музыке. Присущие К. качества гармонич. ясности мышления, равновесия чувственного и интеллектуального начал сочетаются у них с широтой и богатством реалистич. постижения мира, глубокой народностью и демократизмом. В своём творчестве они преодолевают догматизм и метафизичность классицистской эстетики, в известной степени проявлявшиеся ещё у Глюка. Важнейшим историч. завоеванием этого этапа было утверждение симфонизма как метода отражения действительности в динамике, развитии и сложном сплетении противоречий. Симфонизм венских классиков вбирает в себя нек-рые элементы оперной драматургии, воплощая большие, развёрнутые идейные концепции и драматич. конфликты. С другой стороны, принципы симфонич. мышления проникают не только в разл. инстр. жанры (соната, квартет и т. д.), но и в оперу, и в произв. кантатно-ораториального типа.
Во Франции в кон. 18 в. К. получает дальнейшее развитие в соч. последователей Глюка, продолжавших его традиции в оперном творчестве (А. Саккини, А.Сальери). Непосредственно откликаются на события Великой франц. революции Ф. Госсек, Э. Мегюль, Л. Керубини - авторы опер и монументальных вок.-инстр. произведений, рассчитанных на массовое исполнение, проникнутых высоким гражданским и патриотич. пафосом. Тенденции К. обнаруживаются у рус. композиторов 18 в. М. С. Березовского, Д. С. Бортнянского, В. А. Пашкевича, И. Е. Хандошкина, Е. И. Фомина. Но в рус. музыке К. не сложился в целостное широкое направление. Он проявляется у этих композиторов в сочетании с сентиментализмом, жанрово-характерной реалистич. образностью и элементами раннего романтизма (напр., у О. А. Козловского).
Литература: Ливанова Т., Музыкальная классика XVIII века, М.-Л., 1939; её же, На пути от Возрождения к Просвещению XVIII века, в сб.: От эпохи Возрождения к XX веку, М., 1963; её же, Проблема стиля в музыке XVII века, в сб.: Ренессанс. Барокко. Классицизм, М., 1966, с. 264-89; Виппер Б. Р., Искусство XVII века и проблема стиля барокко, там же, с. 245-63; Конен В., Театр и симфония, М., 1968; Келдыш Ю., Проблема стилей в русской музыке XVII- XVIII веков, "СМ", 1973, No 3; Fischer W., Zur Entwicklungsgeschichte des Wiener klassischen Stils, "StZMw", Jahrg. III, 1915; Becking G., Klassik und Romantik, в сб.: Bericht ьber den I. Musikwissenschaftlichen KongreЯ... in Leipzig... 1925, Lpz., 1926; Bьcken E., Die Musik des Rokokos und der Klassik, Wildpark-Potsdam, 1927 (в редактировавшейся им серии "Handbuch der Musikwissenschaft"; рус. пер.: Музыка эпохи рококо и классицизма, М., 1934); Mies Р.. Zu Musikauffassung und Stil der Klassik, "ZfMw", Jahrg. XIII, H. 8, 1930/1931, s. 432-43; Gerber R., Klassischei Stil in der Musik, "Die Sammlung", Jahrg. IV, 1949.
Ю. В. Келдыш
Классицизм (от лат. classicus - образцовый), художественный стиль, существовавший в 17 - нач. 19 вв. в европ. литературе и искусстве. Его возникновение связано с появлением абсолютистского государства, временного социального равновесия между феодальными и буржуазными элементами. Возникавшая в это время апология разума и выраставшая из неё нормативная эстетика опирались на правила хорошего вкуса, которые считались извечными, независимыми от человека и противоставлялись своеволию художника, его вдохновению и эмоциональности. Нормы хорошего вкуса К. выводил из природы, в которой он видел образец гармонии. Поэтому К. призывал подражать природе, требовал правдоподобия. Оно понималось как соответствие идеальному, отвечающему разуму представлению о действительности. В поле зрения К. были лишь сознательные проявления человека. Всё не отвечающее разуму, всё безобразное должно было предстать в искусстве К. очищенным и облагороженным. С этим связывалось представление об античном искусстве, как образцовом. Рационализм вёл к обобщённому представлению о характерах и преобладанию абстрактных коллизий (противостояние долга и чувства и др.). Во многом опиравшийся на идеи Возрождения, К., в отличие от него, проявлял интерес не столько к человеку во всём его многообразии, сколько к ситуации, в которой человек находится. Отсюда зачастую интерес не к характеру, а к тем его чертам, которые обнажают эту ситуацию. Рационалистичность К. порождала требования логичности и простоты, а также систематизацию художеств. средств (деление на высокие и низкие жанры, стилистич. пуризм и др.).
Для балета эти требования оказались плодотворны. Коллизии, разрабатывавшиеся К., - противостояние разума и чувства, государства личности и т. д., - полнее всего выявлялись в драматургии. Воздействие драматургии К. углубляло содержательность балета, наполнило танц. картины смысловой значимостью. В комедиях-балетах ("Докучные", 1661, "Брак поневоле", 1664, и др.) Мольер стремился добиться сюжетного осмысления балетных вставок. Балетные фрагменты в "Мещанине во дворянстве" ("турецкая церемония", 1670) и в "Мнимом больном" ("посвящение в доктора", 1673) были не просто интермедиями, а органич. частью спектакля. Подобные явления имели место не только в фарсово-бытовых, но и в пасторально-мифологич. представлениях. Несмотря на то, что балету по-прежнему были свойственны мн. черты стиля барокко и он всё ещё являлся частью синтетич. спектакля, его содержательность возрастала. Это было связано с новой ролью драматурга, руководившего балетмейстером и композитором.
Крайне медленно преодолевая барочную пестроту и громоздкость, балет К., отставая от литературы и других искусств, тоже стремился к регламентации. Более отчётливыми становились жанровые членения, а главное - усложнялась и систематизировалась танц. техника. Балетм. П. Бошан, исходя из принципа выворотности, установил пять позиций ног (см. Позиции) - основы систематизации классического танца. Этот классический танец ориентировался на антич. образцы, запёчатлённые в памятниках изобразит. искусства. Все движения, даже заимствованные из нар. танца, выдавались за античные и стилизовались под античность. Балет профессионализировался и вышел за пределы дворцового круга. Любителей танца из числа придворных в 17 в. сменили проф. артисты, сначала мужчины, а в конце века и женщины. Шёл бурный рост исполнительского мастерства. В 1661 в Париже была создана Королевская академия танца во главе с Бошаном, а в 1671 - Королевская академия музыки, возглавлявшаяся Ж. Б. Люлли (впоследствии - парижская Опера). Люлли сыграл важную роль в становлении балета К. Выступив как танцовщик и балетмейстер под руководством Мольера (позднее и в качестве композитора), он создал муз. жанр лирич. трагедии, в которой пластике и танцу принадлежала ведущая смысловая роль. Традицию Люлли продолжал Ж. Б. Рамо в операх-балетах "Галантная Индия" (1735), "Кастор и Поллукс" (1737). По своему положению в этих ещё синтетических представлениях балетные фрагменты всё более отвечали принципам К. (иногда сохраняя барочные черты). В нач. 18 в. не только эмоциональное, но и рациональное осмысление пластич. сцен привело к их обособлению; в 1708 появился первый самостоятельный балет на тему из "Горациев" Корнеля с музыкой Ж. Ж. Муре. С этого времени балет утвердился как особый вид искусства. В нём преобладал дивертисментный танец, танец-состояние и его эмоциональная однозначность способствовала рационалистич. построению спектакля. Распространился смысловой жест, но преим. условный.
С упадком К. развитие техники начинает подавлять драматургич. начало. Ведущей фигурой балетного театра становится танцовщик-виртуоз (Л. Дюпре, М. Камарго и др.), нередко отодвигавший на второй план балетмейстера и тем более композитора и драматурга. При этом широко использовались новые движения, с чем связано и начало реформы костюма.
Балет. Энциклопедия, СЭ, 1981
Введение
Характеристика классицизма как направления в искусстве
Особенности классицизма в музыке
Заключение
Список литературы
Введение
классицизм искусство музыка
Актуальность работы заключается в рассмотрении взаимосвязи господствующего направления в искусстве и тенденций в музыке эпохи классицизма.
Цель работы заключается в изучении классицизма и его проявления в музыке.
Достижение цели предполагает решение ряда задач:
) дать характеристику классицизма как направления в искусстве;
) изучить особенности классицизма в музыке.
Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера классицизма стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы.
1. Характеристика классицизма как направления в искусстве
Классицизм ―― В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, «должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания» . Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное - в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства (Аристотель, Гораций). Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается. Появился классицизм во Франции. В формировании и развитии этого стиля можно выделить два этапа. Первый этап относится к XVII веку. Для классиков этого периода непревзойденными образцами художественного творчества были произведения античного искусства, где идеалом являлся порядок, разумность, гармония. В своих произведениях они добивались красоты и истины, ясности, стройности, законченности построения. Второй этап ― XVIII век. В историю европейской культуры он вошел как эпоха Просвещения или Век Разума. Человек придавал большое значение знаниям и верил в способность объяснить мир. Главным героем является личность, готовая на героические поступки, подчиняя свои интересы ― общим, душевные порывы - голосу разума. Его отличает нравственная стойкость, мужество, правдивость, верность долгу. Рациональная эстетика классицизма нашла отражение во всех видах искусства.
В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов (Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Давид). В поэтическом искусстве произошло деление на «высокие» (трагедия, ода, эпопея) и «низкие» (комедия, басня, сатира) жанры. Выдающиеся представители французской литературы П. Корнель, Ф. Расин, Ж.Б. Мольер оказали большое влияние на формирование классицизма в других странах. Важным моментом этого периода было создание различных академий: наук, живописи, скульптуры, архитектуры, надписей, музыки и танца. Художественный стиль классицизм (от лат. classicus ― «образцовый») возник в XVII столетий во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля «стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов» . Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке. В опере XVIII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка, создавшего новую трактовку этого вида музыкальнодраматического искусства. Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна,
Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII ― начала XIX столетия ― венскую классическую шкалу.Классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. Б музыке невозможно опираться на античные традиции ― они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.
2. Особенности классицизма в музыке
Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень «стройную и логическую систему правил построения произведения» . В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната. ― простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера «Орфей и Эвридика» была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе. Строгость, соразмерность формы, благородная простота без вычур, чувство художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую оперную композицию.
Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII века в Вене. Австрия в то время была могущественной империей. Многонациональность страны сказалась и на художественной культуре. Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали в Вене и образовали направление в музыкальной культуре ― венскую классическую школу.
Гайдна называют «основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и отцом симфонии» . Он установил законы классической симфонии: придал ей стройный, законченный вид, определил порядок их расположения, который сохранился в основных чертах до наших дней. Классическая симфония имеет четырехзначный цикл. Первая часть идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно. Вторая часть ― медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека. Третья часть ― менуэт ― один из любимых танцев эпохи Гайдна. Четвертая часть ― финал. Это итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано, прочувствовано в предыдущих частях. Музыка финала обычно устремлена вверх, она жизнеутверждающая, торжественная, победная. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание.
В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трехчастной сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая и благородная простота. Его музыка очень светлая, легкая, в основном мажорная, полна бодрости, чудесной земной радости и неисчерпаемого юмора. Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование симфонического и камерного стиля Моцарта. Опираясь на его достижения в области сонатно-симфонической музыки Моцарт внес много нового, интересного, оригинального. Вся история искусства не знает личности более поразительной, чем он. Моцарт обладал феноменальной памятью и слухом, имел блестящие данные импровизатора, прекрасно играл на скрипке и органе, а его первенство как клавесиниста не мог оспаривать никто. Он был самым популярным, самым признанным, самым любимым музыкантом Вены. Огромную художественную ценность составляют его оперы. Уже два столетия пользуются успехом «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан», поражающие обаятельно изящной мелодией, простотой, роскошной гармонией. А «Волшебная флейта» вошла в историю музыки как «лебединая песня» Моцарта, как произведение с наибольшей полнотой и яркостью раскрывающее его мировоззрение, его заветные мысли, как эпилог целой жизни, как некое грандиозное художественное завещание. «Искусство Моцарта совершенное по мастерству и абсолютно естественное. Он подарил мудрость, радость, свет и добро» . Бетховен прославился как величайший симфонист. Его искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой личности. Ему принадлежат девять симфоний, ряд симфонических увертюр («Эгмонт», «Кориолан»), а тридцать две фортепианные сонаты составили эпоху в фортепианной музыке. Мир образов Бетховена разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В музыке Бетховена жизнь во всем ее разнообразии ― бурные страсти и отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая исповедь, картины природы и сцены быта. Завершая эпоху классицизма, Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку.
Классицизм ― стиль исторически определенной эпохи. Но его идеал гармонии и соразмерности остается и поныне образцом для последующих поколений.
Заключение
Классицизм ― художественное направление в искусстве и литературе XVII ― начала XIX вв. Он во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы.
В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень стройную и логическую систему правил построения произведения. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната. Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа ― простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев.
1. Алиев, Ю.Б. Настольная книга школьного учителя-музыканта / Ю.Б. Алиев. ― М.: ВЛАДОС, 2000. ― 336 с. Жабинский, К.А. Энциклопедический музыкальный словарь / К.А. Жабинский. ― М.: Феникс, 2009. ― 474 с. Ильина, Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство / Т.В. Ильина. - М.: Высшая школа, 2000. - 368 с. Минакова, А.С. Минаков, С.А. История мировой музыки: Жанры. Стили. Направления / А.С. Минакова, С.А. Минаков. ― М.: Эксмо, 2010. ― 544 с. Петкова, С.М. Справочник по мировой культуре и искусству / С.М. Петкова. - Ростов-на-Дону: Феникс, 2007 - 507 с. Рескин, Дж. Лекции об искусстве / Дж. Рескин. - М.: Б.С.Г.-Пресс, 2006. - 319 с. Холопова, В.Н. Теория музыки: Мелодика, ритмика, фактура, тематизм / В.Н. Холопова. ― М.: Лань, 2002. ― 368 с.
Назад
Вперёд
Внимание! Предварительный просмотр слайдов используется исключительно в ознакомительных целях и может не давать представления о всех возможностях презентации. Если вас заинтересовала данная работа, пожалуйста, загрузите полную версию.
В настоящее время все детские музыкальные школы и школы искусств России переходят на новые стандарты обучения. Образовательные программы стали разделяться на предпрофессиональные и общеразвивающие. И если дети, которые учатся по предпрофессиональным программам, получают углубленные знания по всем предметам, то знания детей, осваивающих общеразвивающие программы, очень поверхностные. Особенно по теоретическим предметам, т.к. согласно учебным планам вместо полноценных уроков “сольфеджио”, “музыкальной литературы”, “теории музыки”, “анализа музыкальных формы” учащиеся проходят предмет “Музыка и окружающий мир” (1 ч. в неделю).
Играя произведения по специальности, учащиеся должны иметь хотя бы элементарные знания о музыкальных эпохах, стилях, т.к. эти знания очень важны для расширения кругозора, воспитания познавательной активности учащихся, для поддержания интереса к обучению. Уроки в музыкальной школе должны быть интересными, красочными, информативными, а главное – запоминающимся.
Отсюда проистекает главная цель урока-лекции:способствовать формированию у учащихся представления об эстетических ценностях посредством знакомства с музыкальными эпохами.
Для достижения поставленной цели необходимо решить следующие задачи урока:
- познакомить учащихся со стилями “барокко”, “классицизмом” и “романтизмом”;
- дать представление о звучании мировых шедевров, созданных в эти эпохи;
- закрепить и обобщить знания.
Ход урока
Слайд 1. Музыка сопровождает человека с первых дней и на протяжении всей его жизни. Мы слушаем ее с момента пробуждения, в течение дня и засыпаем под звуки музыки. Мы слышим ее всегда: в дороге, на отдыхе, на работе… Музыка способна поднять настроение, вдохновить, но может и привести в состояние тоски, скорби или тихой грусти. Музыка, как один из видов искусства, направлена, прежде всего, на душу человека.
Что же такое музыка? Музыка - это искусство звуков. Ученые доказали, что древние люди выжили в ледниковый период и стали преобладающим видом на планете, потому, что обладали способностью творить: передавать и созидать звуки, краски, создавать зрительные и звуковые образы.
Музыка развивалась параллельно с другими видами искусства, поэтому в ней много общего с живописью, архитектурой, скульптурой, литературой и театром.
Искусство, и прежде всего музыка разных эпох, отражало своё время и выражалось определённым художественным стилем.
Музыка не всегда была такой, какой мы знаем ее сейчас. Сегодня мы предлагаем Вам совершить музыкальное путешествие во времени и познакомиться с некоторыми стилями классической музыки.
Слайд 2. Первая остановка -эпоха барокко.
Эпоха барокко (от ит. barocco – “странный”, “причудливый”), возникшая на рубеже XVI – XVII вв. – одна из наиболее значимых в истории развития человечества. Именно в это время зарождаются новые стили и направления в искусстве: литературе, музыке, живописи, архитектуре. Эпоха барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью.
Слайд 3. Например, в то время женщина должна быть неестественно бледной, в вычурном парике, в тугом корсете и в огромной юбке.
Слайд 4. Мужчина в парике без усов и бороды, напудрен и надушен духами.
Этому стилю присущи выразительность, драматизм, зрелищность, торжественность, парадность, стремление к соединению разных видов искусств. Данные черты в полной мере проявились в опере, где соединились музыка, поэзия, драматургия и театральная живопись.
Слайд 5. Первые дошедшие до нас произведения нового жанра - две оперы под одним названием “Эвридика”, композиторов Якопо Пери и Джулио Каччини , созданные на сюжет мифа об Орфее.
Опера стала быстро развиваться, возникали различные оперные школы. Например, в Неапольской оперной школе сложился вокальный стиль бельканто (ит. bel canto – “прекрасное пение”), который славился необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством.
В эпоху барокко изменилось представление о церковной музыке. Появились произведения, написанные на тексты или сюжеты, но не предназначенные для обязательного исполнения в церкви. К ним относятся кантата, оратория.
Слайд 6. Мастером монументальной оратории того времени является Георг Фридрих Гендель (1685-1759), немецкий композитор и органист. Он создал новый тип оратории, грандиозный по масштабам, демократический по музыкальному языку. Оратории Генделя оказали значительное влияние на творчество европейских композиторов.
В эпоху Барокко полифония, господствовавшая в музыке эпохи Возрождения, начала уступать место гомофонии (от греч. “хомос” - “один” и “фоне” - “звук”. В отличие от полифонии, где все голоса равноправны, в гомофонии выделяется один голос, а остальные играют роль аккомпанемента. Это дало толчок к развитию инструментальной музыки, появлению новых жанров и в первую очередь инструментального концерта.
Слайд 7. В жанре “Кончерто – гроссо” - большого концерта работал один из выдающихся мастеров скрипичной музыки Антонио Вивальди (1678-1741), который написал 465 концерта. Концерты А. Вивальди состоят из 3 частей – быстрые крайние части и медленная средняя часть. Многие концерты А. Вивальди имеют программу, например, цикл концертов “Времена года”.
Приложение 1. А. Вивальди “Времена года”: “Зима” 1ч.
Слайд 8. Представителем Немецкой школы барокко является Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) - крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры. Его творчество представляет собой одну из вершин философской мысли в музыке. Свободно скрещивая черты не только разных жанров, но и национальных школ, Бах создал бессмертные шедевры, стоящие над временем.
Приложение 2. И.С. Бах Токката и фуга d-moll
Будучи последним (наряду с Г.Ф. Генделем) великим композитором эпохи барокко обобщил достижения музыкального искусства переходного периода от барокко к классицизму.
Слайд 9. Следующая остановка – эпоха классицизма .
Художественный стиль классицизм от лат. Classicus – “образцовый”, “совершенный” возник в XVII столетии во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к идеалу, ясным и строгим формам, гармоничным образам. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью. Как и сам человек, искусство классицизма было жизнеутверждающим и светлым. Именно в это время в западноевропейской музыке складываются "образцовые" для всей последующей истории структуры сонаты и симфонии.
Слайд 10. Сонатная форма – это принцип изложения музыкального материала, который предполагает взаимодействие тем и художественных образов. Темы - главная и побочная – либо противопоставляются друг другу, либо дополняют друг друга. Развитие тем проходит три этапа – экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции, разработке происходит дальнейшее развитие тем. Реприза - итог сложного пути, к которому темы пришли обогащенные развитием в экспозиции и разработке. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе – коде, однако она необязательна.
Слайд 11. Симфония – наиболее сложная форма инструментальной музыки. Исполняется симфоническим оркестром. Композиторы венской классической школы (Гайдн, Моцарт, Бетховен) разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы.
Первая часть обычно исполнялась в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием, писалась в сонатной форме. Вторая часть медленная, созерцательная - это лирический центр композиции. Третья часть подвижная, носит танцевальный либо шутливый характер (Менуэт или Скерцо). Четвертая часть Финал, обычно быстрая часть, здесь подводятся итоги развития образов и тем всей симфонии.
Слайд 12. В опере XVII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка (1714-1787), создавшего новую трактовку этого вида музыкально-драматического искусства. Врожденный инстинкт драматурга и ощущение неудовлетворенности оперой-сериа, с ее культом певцов-виртуозов влекут композитора в сторону музыкальной драмы, к античному образцу.
Первыми операми, созданными по новым правилам, стали “Орфей и Эвридика” (1762), “Парис и Елена” (1770). Либретто к этим операм написал поэт и драматург Раньери да Кальцабиджи, это был первый пример сотрудничества автора музыки и либреттиста в процессе создания оперы, прежде композиторы писали музыку на уже готовые и отдельно изданные либретто. Для своих опер Глюк выбирал, как правило, античные сюжеты, в которых воспевался подвиг во имя любви и исполнение долга. Основное внимание композитор уделял слову. Он стремился к тому, чтобы музыка точно выражала дух и настроение поэтического текста. Важную роль в операх Глюка играли речитативы, они всегда звучали под аккомпанемент оркестра (в отличие от “секко” - речитативов оперы - “сериа”), которые сопровождались клавесином. Главная мелодическая линия проводится в ариях. Возросла роль оркестра. Уже в увертюре были обозначены основные идеи. В произведениях Глюка привлекали ясность драматургического развития, цельность образов, классическая строгость и выразительность музыки, естественность и красота мелодий, благородство чувств героев.
Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Й. Гайдна, В.А. Моцарта и Л. Бетховена, работавших, преимущественно, в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре – венскую классическую школу.
Слайд 13. С творчеством Йозефа Гайдна (1732-1809) связан расцвет таких жанров, как симфония (их у него 104), струнный квартет, клавирная соната. Большое внимание композитор уделял концертам для различных инструментов, камерным ансамблям, духовной музыке. Композиторам венской классической школы, и, прежде всего, Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава оркестра. Звучание музыкальных инструментов приводилось в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки, основанных на знании возможностей инструментов.
Слайд 14. Творчество Вольфганга Амадея Моцарта (1756-1791) занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью.
Особое внимание Моцарт уделял опере, но не стремился по примеру Глюка к созданию новой оперной формы – новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую – появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены (“Свадьба Фигаро”, “Дон Жуан”, “Волшебная флейта”).
Приложение 3. В.А. Моцарт Ария Царицы Ночи из оперы “Волшебная флейта”, написанная в стиле bel canto.
Большое внимание Моцарт уделял симфонии, особенно популярны три последние – №39, №40 и №41 “Юпитер”. В произведениях этого жанра окончательно закрепились 4-х частный цикл и правила сонатной формы.
Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта. Фортепианное творчество включает 19 сонат, а также сочинения в жанре фантазии. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием.
Слайд 15. Последним представителем Венской классической школы был Людвиг ван Бетховен (1770-1827). Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой – содержит в себе черты нового, романтического искусства (смелое экспериментаторство в симфониях и сонатах, интерес к вокальной и инструментальной миниатюре и программность). За свою жизнь композитор написал девять симфоний, тридцать две сонаты для фортепиано, а также для скрипки и виолончели, шестнадцать струнных квартетов, оперу “Фиделио”, пять концертов для фортепиано. Вершиной симфонического творчества по праву считают Девятую симфонию. Симфония грандиозна по масштабам, особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст орды к радости И.Ф. Шиллера.
Слайд 16. Следующая остановка – эпоха романтизма.
На рубеже XVIII-XIX столетий в европейском искусстве сложилось новое направление – романтизм (фр. romantisme), в формировании которого огромную роль сыграла Французская революция 1789 года. Она принесла людям разочарование и безнадёжность, т.к. за что боролись революционеры, не сбылось. Реальность была мрачна, поэтому романтики искали утешение в мире мечты. Основными темами становятся одиночество, далёкое прошлое, мечта, сказка. Романтиков интересует человеческая душа, её страсти и переживания.
Общество мещан, торговцев, простых обывателей диктовало музыкальному искусству свои вкусы, что привело к созданию “лёгких” жанров. Получили широкое развитие песня и романс.
Ведущим жанром становится миниатюра, часто имеющая конкретное название. В небольшом инструментальном сочинении-миниатюре можно было запечатлеть и мимолётные чувства, и глубокое душевное потрясение, и мгновенное настроение, и зарисовку с натуры.
Важным средством создания музыкального образа стала словесная программа, раскрывающая содержание произведения. Иногда музыка писалась как иллюстрация к произведению литературы или живописи. Порой композитор сам сочинял сюжет для инструментальной музыки и излагал его в специальном пояснении к партитуре.
Композиторы-романтики часто обращались к фольклору, используя интонации, ритмы, мотивы народных танцев и песен.
Композиторы-романтики были убеждены, что через музыкальное просвещение можно изменить мир и человека, поэтому немало сил отдавали публицистике и просветительской деятельности. Они стремились лично воздействовать на большую аудиторию и становились исполнителями или дирижёрами. Именно романтики создали в Европе систему общедоступных концертов.
Слайд 17. Первым представителем романтизма стал австрийский композитор Франц Шуберт (1797-1828).За свою короткую жизнь композитор создал более 1000 сочинений. Инструментальная музыка Шуберта связана с традициями венской классической школы. Композитор написал девять симфоний. Симфония №8, имеющая подзаголовок “Неоконченная” (1822г.) - одно из самых ярких произведений не только в творчестве Шуберта, но и в мировой симфонической музыке. Но при жизни он получил признание лишь как автор песен, а его симфонии, сонаты, фортепианные миниатюры были надолго забыты.
Приложение 4. Ф. Шуберт “Пчёлка”.
Шуберт написал более 600 песен. Каждая из них – это рассказ о человеке, способном на сильные, искренние чувства. Основная часть песен посвящена любви, однако есть среди них пейзажные и жанровые зарисовки (например, “Форель”), романтические легенды (баллада “Лесной царь” на стихи немецкого поэта И.В. Гёте). В песнях огромное значение приобретает партия фортепиано, которое будто бы полностью подчинено голосу, именно инструмент передает те чувства и эмоции, которые не выразить словами. Вокальные циклы “Прекрасная мельничиха” и “Зимний путь” - являются вершиной творчества Ф. Шуберта.
Слайд 18. Еще один представитель романтизма композитор Роберт Шуман (1810-1856). В своём творчестве композитор уделял большое внимание фортепианной музыке. Один за другим были написаны знаменитые фортепианные циклы “Вариации” (1830г.), “Бабочки” (1831г.), “Карнавал” (1835г.), “Фантастические пьесы” (1837г.), а так же “Детские сцены”, “Крейслериана”, “Новелетты”. Композитор писал психологическую музыку, которая далека была от фольклорных мотивов. Произведения Шумана – это нечто “личное”. Гармоничный язык его произведений более сложный, нежели у его современников. Ритм творений Шумана достаточно прихотлив и капризен.
Композитор обращался и к вокальной музыке. Центральное место в вокальном наследии Шумана занимают два цикла “Любовь и жизнь женщины” и “Любовь поэта”.
Приложение 5. Р. Шуман “Я не сержусь” из цикла “Любовь поэта”.
Слайд 19. Фредерик Шопен (1810-1849) - композитор – романтик, основоположник польской национальной композиторской школы. Ф. Шопен – уникальный композитор, так как писал практически только фортепианную музыку. Характерной чертой “шопеновского” стиля является соединение камерной лирики, поэтической импровизационности с блестящей виртуозной техникой. Для композиторского стиля Шопена характерен синтез романтических и классических традиций. Обращение к народным истокам: использование народных ладов, ритмов и гармонизации. Фортепиано часто “подражает” народному оркестру. Многие фортепианные сочинения композитора носят элегический характер мелодики. Многие произведения Шопен создал в ритме польских народных и городских танцев (мазурка, полонез, вальс).
Приложение 6. Ф. Шопен Ноктюрн Es-dur.
Слайд 20. Опера в эпоху романтизма развивалась двумя путями – путем развития и обновления традиций (Джузеппе Верди (1813-1901) в Италии, Жорж Бизе (1838-1875) во Франции) и путем реформы (Рихард Вагнер (1813-1883) в Германии).
Оперы Верди и Бизе обобщили лучшие достижения итальянской и французской оперы, существенно обновив их содержание. Главное – новые герои. Это не мифологические персонажи и исторические деятели, а простые люди, нередко – “униженные и оскорбленные”. Шут в “Риголетто”, куртизанка в “Травиате” Верди, работница табачной фабрики и солдат в “Кармен” Бизе. Но именно их жизненные истории становятся основой сюжета, именно их чувствам и страстям сопереживает слушатель. При этом характеры героев раскрываются в условиях драматических, даже трагедийных.
Оперы Верди и Бизе являются образцами психологической лирики в музыке, и объединяют черты романтического и реалистического искусства.
Слайд 21. Р. Вагнер – крупнейшая фигура в истории музыки XIX в. Его личность и творчество вызвало бурные дискуссии, которые продолжаются едва ли не до сих пор. Вся его жизнь была сосредоточена на одном деле – создании того, что сам он называл “Произведение искусства будущего”.
Принципы оперной реформы Р. Вагнера (сформулированы им самим в многочисленных теоретических трудах, например, “Опера и драма”):
1) Процесс сочинения начинается с формулирования художественной идеи.
2) Композитор и драматург – одно лицо. Ему принадлежит идея, он сам пишет и текст, и музыку своей оперы. Это полностью его сочинение.
3) В основе сюжета – мифы и легенды. Именно в них можно найти вечные, прошедшие многовековую проверку временем, а значит, всегда актуальные идеи.
4) Композитор вырабатывает музыкальный язык, который стал бы “чувственным выражением мысли”.
Слушатель не просто наслаждается красивыми созвучиями, но прочитывает музыку, как текст. Для этого используется система лейтмотивов. Лейтмотив (т. е. повторяющаяся тема) может символизировать чувство (любовь, страдание), понятие (искушение, судьба, смерть,), предмет (волшебный меч, кольцо власти), явление природы (буря). Выстраивая эти лейтмотивы в разнообразные последовательности, повторяя и изменяя их, композитор направляет мысль слушателя.
Интересно, что каждая из реформаторских опер Вагнера, при всей обобщенности мифологического содержания и значимости философских идей, вызвана к жизни глубоко личными переживаниями, т.е. основана на автобиографических мотивах. И это выдает в нем типичного художника-романтика.
Вот и подошло к концу наше музыкальное путешествие. Мы кратко ознакомились с некоторыми важнейшими для развития искусства эпохами. Небольшая викторина поможет нам подвести итоги нашего путешествия.
Слайды 22, 23. Вопросы и ответы:
С какими эпохами мы сегодня познакомились? (Барокко, классицизм, романтизм)
Как называется оперной вокальный стиль, который славился необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством? (bel canto – “прекрасное пение”)
Чем отличается полифоническая музыка от гомофонной музыки? (В полифонии все голоса равноправны, а в гомофонии выделяется один голос, а остальные играют роль аккомпанемента.)
- Кто автор цикла инструментальных концертов “Времена года”? (А. Вивальди)
- Великий немецкий композитор эпохи Барокко - крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры? (И.С.Бах)
- Назовите строение сонатной формы. (Экспозиция, разработка, реприза)
- Назовите композиторов венской классической школы. (Й.Гайдн, В.А.Моцарт и Л.Бетховен)
- К каким жанрам чаще всего обращались композиторы романтики? (миниатюра, песня, романс)
- Какой немецкий композитор в теоретическом труде “Опера и драма” изложил свои принципы оперной реформы? (Р.Вагнер)
Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм.
ЭПОХА КЛАССИЦИЗМА - Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания - настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности. В основу искусства классицизма положен культ разума - рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка - classicus, что означает - «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное. Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения - это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры - те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.
КЛАССИЦИЗМ В МУЗЫКЕ - ВЕНСКИЕ КЛАССИКИ
Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений. Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Самыми яркими композиторами классицизма были великие австрийцы - Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самое большое его достижение именно симфонии, которых он написал более ста.
Моцарт - гениальнейший композитор всех времен и народов. Прожив короткую жизнь, он оставил невероятное музыкальное наследие (например, 41 симфонию). Самым большим его достижением считаются оперы, в них он показал себя и как великий музыкант и как талантливый драматург, некоторые из его самых прекрасных опер - "Дон Жуан", "Женитьба Фигаро", "Волшебная флейта".
В конце восемнадцатого столетия восходит еще одна звезда классической музыки - Людвиг Ван Бетховен, композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конечном счете перерос это и буквально расколол классический стиль, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.
Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен - три великих имени, вошедших в историю, как венские классики. Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки - от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, - вот главная черта творчества венских классиков. Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум. Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность формы. Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке - к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем - он с легкостью творил в любом жанре. Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы - от оперы буфф до музыкальной драмы. В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.
Гайдн. Симфония №45.
ЖАНРЫ МУЗЫКАЛЬНОГО КЛАССИЦИЗМА
Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки - таких, как соната, симфония, концерт. В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей - трио, струнный квартет. Система разработанных венской школой форм актуальна до сих пор. Жанр сонаты существовал ещё в начале XVII века, но окончательно сформировалась сонатная форма в творчестве Гайдна, Моцарта, Бетховена.
Моцарт. Фортепианный концерт №13.
Бетховен. Соната №5 для скрипки и фортепиано оп.24
Классическая эпоха была временем, когда композиторы вводили ощущение элегантности в музыку. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро и трогательные чувства.
Текст из разных источников.