Ekologia życia. Czy zastanawialiście się kiedyś, jak tacy mistrzowie jak Leonardo da Vinci, Jan van Eyck czy Albrecht Durer tworzyli grafiki przypominające ołówkowe?
Czy zastanawialiście się kiedyś, jak tacy mistrzowie jak Leonardo da Vinci, Jan van Eyck czy Albrecht Durer tworzyli grafiki przypominające ołówkowe? Z jakiegoś powodu nigdy nie zastanawiałam się, co to właściwie jest, dopóki nie natknęłam się na książkę Susan Dorothei White
Do innych technik tworzenia grafik zalicza technikę srebrnej igły. Byłem pewien, że wszystkie rysunki przypominające ołówek zostały wykonane ołówkiem. Ale tego tam nie było. Wiele z nich zostało stworzonych przez rzemieślników przy użyciu srebrnej igły. Właśnie wraz z pojawieniem się wygody proste ołówki Tak zwana technika srebrnego ołówka została pomyślnie zapomniana.
Leonardo da Vinci, Popiersie wojownika z profilu
Znaczenie tego polegało na tym, że powierzchnię prześcieradła lub płótna pokrywano specjalnym roztworem, dzięki czemu ta powierzchnia stała się nieco luźna. Zwykle była to warstwa mieszaniny kości zwierzęcych, kleju żelatynowego, gipsu, kredy i żółtka jaja. Gips i żółtko jaja zawierają siarkę. Dlatego też, gdy wzór został zarysowany zaokrągloną srebrną końcówką (cienką jak igła), stopniowo ciemniejał lub stawał się brązowy. Po prostu siarka reagowała ze srebrem. Trzeba było pracować bardzo precyzyjnie. Na takiej warstwie bazowej z luźnej masy nie można używać gumki.
Dziś mamy wszelkie szanse na ożywienie technologii. Dla współcześni artyści Sprzedają specjalne zestawy z chemikaliami do warstwy podstawowej. W zestawie znajdują się także srebrne ołówki, ale prostsze. Na przykład renesansowe srebrne ołówki były kawałkami brązu lub miedzi. Na drobno zaostrzonej końcówce wtopiono srebro. Sama rękojeść została pięknie wykończona i ozdobiona, a nawet dołączono kółko na sznurek, aby tak drogi instrument można było przywiązać do paska i nie zgubić. Tak więc w głębinach Internetu odkopałem słabe pozory świetności minionych wieków.
A to nowoczesne srebrne ołówki. To, co wywołało u mnie największy uśmiech, to znak ze srebrnej łyżki.
Mieszankę na warstwę bazową można również wykonać z materiałów dostępnych w sklepach ze sztuką: zmieszaj gumę arabską ze zwykłą gwasz cynkowy.
Teraz patrzę na dzieła dawnych mistrzów z z wielkim szacunkiem. To prawda, jeśli zapytasz, dlaczego nie podobał mi się prosty ołówek, nie będę w stanie nic odpowiedzieć. Ponieważ pozbawiona jest możliwości szybkiego wypróbowania techniki srebrnej igły. Ale doświadczeni ludzie mówią, że srebrny ołówek na papierze (lub innej powierzchni poddanej obróbce) daje bardzo dobre efekty piękne efekty, plus podwójna przyjemność z procesu. opublikowany
Cały świat zna Leonarda da Vinci jako utalentowany malarz i znany naukowiec. Ale przez całe dorosłe życie Włoch był pasjonatem anatomii, a prace anatomiczne, które napisał przez całe życie, nigdy nie zostały ukończone i opublikowane. Nowoczesne technologie pozwolił brytyjskim naukowcom zdigitalizować notatki naukowca, a teraz cały świat może zobaczyć pełne realizmu i szczegółowe w najdrobniejszych szczegółach rysunki anatomiczne Leonarda da Vinci.
Jak to się wszystko zaczeło...
Będąc jeszcze uczniem słynnego włoskiego mistrza malarstwa Andrei Verrocchio, młody Leonardo zainteresował się twórczością Antonio del Pollaiolo, pierwszego malarza w historii, który badał budowę ludzkich mięśni. Obrazy Antonio, które szczegółowo przestudiował początkujący artysta, stały się pierwszym krokiem do zrozumienia anatomii.
Pierwsza praca z anatomii
Pierwszy naukowy rękopis anatomii wyszedł spod ręki Leonarda w 1484 roku i już wtedy przestał on uważać anatomię za dyscyplinę pomocniczą wobec rzeźby i malarstwa. Jednak pierwsze szkice anatomiczne Leonarda da Vinci pojawiły się 6 lat wcześniej, w 1478 roku.
Kodeks Windsora
Ogromne, rękopiśmienne dzieło Da Vinci, składające się z 234 arkuszy, zawiera 600 rysunków ołówkiem, które bezpośrednio nawiązują do budowa anatomiczna osoba. Zacząłem zbierać te szkice w koniec XVI stulecia przez Pompeo Leoniego, a obecnie to ogromne dzieło znajduje się w Bibliotece Windsor.
Pozwolenie na otwarcie
Naukowiec najaktywniej zaczął studiować anatomię w latach 1510–1511, a po uzyskaniu pozwolenia na wykonanie sekcji zwłok rozpoczął pracę w szpitalach północnych Włoch we współpracy z zawodowym lekarzem i anatomem Torre.
Z tego okresu życia wielkiego naukowca zachowało się ponad 300 rysunków, zawartych w 13 tomach rękopiśmiennego dzieła.
Rysunek czaszki
Tradycyjnie Leonardo rozpoczynał naukę anatomii od głowy, a 2 kwietnia 1489 roku pojawił się szczegółowy rysunek ludzkiej czaszki. Innowacją w nauce było to, że artysta jako pierwszy przedstawił zatokę czołową, wprowadzając w ten sposób znaczący wkład w historię rozwoju anatomii.
Leonardo przywiązywał dużą wagę do badania serca. Był pierwszym z ówczesnych lekarzy i anatomów, który jasno określił jego funkcję i przeznaczenie. Ocenił go jako gęsty, muskularny narząd zasilany tętnicami i żyłami.
Kategorycznie sprzeciwiał się także podziałowi serca na dwie komory. Na czym opierał swoje badania wiedza praktyczna, a naukowiec argumentował, że ten najważniejszy narząd jest podzielony zastawkami na cztery nierówne sekcje.
Jako artysta Leonardo interesował się strukturą Ludzkie ciało, a zwłaszcza kręgosłupa i stawów. Jego rysunek kręgosłupa jest tak dokładny i wyjątkowy jak na tamte czasy, ponieważ naukowcom udało się dokładnie zbadać kręgosłup dopiero wraz z pojawieniem się promieni rentgenowskich i rezonansu magnetycznego.
Pierwszy anatom tamtych czasów, Leonardo, dokładnie określił liczbę ludzkich kręgów i wyraźnie narysował cały kręgosłup.
Anatomia i mechanika
Zafascynowany mechaniką Da Vinci dużą wagę przywiązywał do badania budowy mięśni i tej tematyce poświęcona jest większość jego rysunków.
Geniusz naukowca i artysty objawił się w stworzeniu szklanego modelu ludzkiego ciała, na którym wyraźnie widać było ruch krwi. Ale słynny rysunek Człowieka witruwiańskiego dokładnie oddaje proporcje Ludzkie ciało. Chociaż to Człowiek witruwiański wciąż skrywa wiele tajemnic i zagadek.
Płód w łonie matki
Być może najsłynniejszy dziś rysunek Leonarda, przedstawiający płód w rzekomym łonie kobiety.
Pomijając pewne nieścisłości, artysta tak umiejętnie przedstawił powstające życie, że rysunek ten do dziś umieszczany jest jako ilustracja na łamach podręczników anatomii.
Rysunki z notatkami
Wiele ilustracji uzupełniało teksty naukowe, a niektóre wręcz przeciwnie szczegółowo opisywały wszystkie działania wielkiego naukowca. Jak widać z tych notatek i rysunków, to właśnie anatomia była pasją artysty i naukowca, któremu poświęcił większość swojego jasnego życia.
Twórca anatomii dynamicznej
W tych odległych czasach trudno było znaleźć osobę, która studiowałaby tak dokładnie i najdrobniejsze szczegóły znał budowę ludzkiego ciała. Wszystkie swoje rysunki opatrywał szczegółowymi komentarzami i nie zdając sobie z tego sprawy, stał się twórcą anatomii dynamicznej.
Oprócz budowy mięśni i szkieletu badał lokalizację narządów zmysłów, chociaż mylił się w niektórych kwestiach ich przeznaczenia i lokalizacji. Leonardo da Vinci doskonale ucieleśniał swoją wiedzę anatomiczną w swoich obrazach, które stały się prawdziwymi arcydziełami malarstwa.
Najcenniejsze dla nowoczesna nauka i w ogóle rozumienie rozwoju wiedza naukowaŚredniowiecze, przedstawiają ilustracje narządów i części ciała ludzkiego w przekroju. To potwierdza to po raz kolejny. Że artysta i naukowiec zawsze starał się dotrzeć do samej istoty, oświetlić przedmiot swoich badań ze wszystkich stron.
Nowoczesna nauka anatomiczna
Z punktu widzenia dzisiejszej wiedzy można śmiało stwierdzić, że rysunki anatomiczne Leonarda da Vinci stanowiły przełom w medycynie średniowiecza.
Wielu naukowców kwestionuje obecnie dokładność jego obrazów i dochodzi do wniosku jednomyślna opinia, że jego wiedza z anatomii znacznie wyprzedzała jego epokę, a Leonardo mógł zobaczyć to, co dopiero teraz odkrywają naukowcy za pomocą trójwymiarowej grafiki i nowych technologii.
Dziedzictwo
Po śmierci Leonarda da Vinci wszystkie rękopisy naukowca odziedziczył jego uczeń i kolega Francesco Melzi. Melzi zaczął systematyzować swoją twórczość, ale jego wiedza wystarczyła jedynie do robienia notatek na temat sztuki.
Reszta dziedzictwa rozprzestrzeniła się do kolekcji prywatnych i tylko w XVIII wiek Rozpoczęto systematyzację prac z zakresu anatomii i medycyny. Szczególnym zainteresowaniem cieszyły się Quaderni d'Anatomia (Zeszyty anatomiczne) i tak zwany Kodeks Windsorski, opublikowany dopiero w 1901 roku.
Nowoczesność
Dziś obszerne prace dotyczące anatomii, podobnie jak inne rękopisy wielkiego człowieka, zostały zdigitalizowane dobra jakość i są dostępne do wglądu. Oprócz arcydzieł malarstwa mistrza dużym zainteresowaniem cieszą się także rysunki anatomiczne, zarówno pod względem estetycznym, jak i punkt naukowy wizja.
Wreszcie
Można długo spierać się o to, jakie nieścisłości popełnił da Vinci w swoich manuskryptach anatomicznych, ale nie można nie dziwić się pragnieniu naukowca dotarcia do sedna rzeczy, poznania natury i istoty ludzkiego ciała.
Jeśli jeszcze nie zapoznałeś się z artykułem o serwisie zamieszczonym na naszym portalu, koniecznie to zrób! Okazuje się, że wiele rzeczy codziennego użytku, z których korzystamy, to wynalazki wielkiego mistrza.
Wiele osiągnięć naukowych utalentowanego malarza, wynalazcy i naukowca, w tym wspaniałe, pełne szczegółów rysunki anatomiczne, po raz kolejny udowadniają, że człowiek ten znacznie wyprzedził epokę, w której żył i tworzył.
Do 1514 - 1515 nawiązuje do powstania arcydzieła wielkiego mistrza – „La Gioconda”.
Do niedawna uważano, że portret ten powstał znacznie wcześniej, we Florencji, około 1503 roku. Uwierzyli historii Vasariego, który pisał: „Leonardo podjął się wykonania dla Francesco del Giocondy portret Monny Lisy, jego żony, a po pracował nad nim przez cztery lata i zostawił go niedokończonym. Dzieło to znajduje się obecnie w posiadaniu króla francuskiego w Fontainebleau. Nawiasem mówiąc, Leonardo zastosował następującą technikę: ponieważ Madonna Lisa była bardzo piękna, malując portret, trzymał ludzi grających na lirze lub śpiewających, a zawsze byli błazny, którzy podnosili ją na duchu i usuwali melancholię, którą zwykle przekazuje. malarstwo do portretów.”
Cała ta historia jest błędna od początku do końca. Według Venturiego „Monna Lisa, późniejsza Gioconda, była wytworem fantazji autora opowiadań, biografa Aretiny, Giorgio Vasariego”. Venturi w 1925 roku zasugerował, że „La Gioconda” to portret księżnej Costanzy d'Avalos, wdowy po Federigo del Balzo, gloryfikowany w małym wierszu Eneo Irpino, w którym wspomina się także o jej portrecie namalowanym przez Leonarda. Costanza była kochanką Giuliano de' Medici, który po ślubie z Filibertią Sabaudzką oddał portret Leonardowi.
Na samym Ostatnio Pedretti wysunął nową hipotezę: portret w Luwrze przedstawia wdowę Giovanniego Antonio Brandano imieniem Pacifica, która była także kochanką Giuliano de' Medici i urodziła mu syna Ippolito w 1511 roku.
Tak czy inaczej, wersja Vasariego budzi wątpliwości po prostu dlatego, że w żaden sposób nie wyjaśnia, dlaczego portret żony Francesco del Giocondo pozostał w rękach Leonarda i został przez niego przewieziony do Francji.
2. Dama z gronostajem ok. 1488-1490
Olej na panelu.
54,8 x 40,3 cm
Muzeum Czartora w Krakowie
„Dama z gronostajem” to nieśmiertelna siedemnastoletnia Cecilia Gallerani, ulubienica Lodovico Sforzy. Córka z XV wieku. Przebiegła czarodziejka. Ulubiony Pałac w Mediolanie. Pojawia się przed nami czuła i mądra, nieśmiała i niepoważna. Proste i złożone. Tajemniczo atrakcyjna, o niemal statycznej twarzy, wciąż posiada magnetyzm niezwykłego, ukrytego ruchu. Ale co nadaje wyglądowi młodej damy tę magiczną żywotność? Uśmiech. Ledwie dotknęła kącików swoich czystych warg. Czaił się w lekko spuchniętych dziewczęcych dołeczkach wokół ust i jak błyskawica błysnął w odpowiedzi w ciemnych, rozszerzonych źrenicach, przykrytych zaokrąglonymi, cebulowatymi powiekami. Przyjrzyj się bliżej subtelnym, duchowym rysom „Damy z gronostajem”, jej dostojnej postawie, surowemu, ale eleganckiemu strojowi, a renesans i jego wspaniałe dzieła natychmiast pojawią się przed tobą genialni mistrzowie sztuka Cecylia Gallerani. Ona, jak mała planeta, odbijała blask okrutnego, brzydkiego i pięknego, wyjątkowego XV wieku.
3. Fresk Ostatnia Wieczerza 1494 -1498
Olej i tempera na gipsie.
460 x 880 cm
Santa Maria del Grazia, Mediolan, Włochy
Od lewej do prawej na całej szerokości obrazu rozciąga się stół z jedzeniem. Przy stole naprzeciw nas siedzi dwanaście postaci, w grupach po trzy osoby, z Chrystusem pośrodku. Apostołowie rozmawiają z ożywieniem. O czym mówią i o czym jest obraz? Z zeznań Ammoretiego należy wywnioskować, że obraz „Ostatnia wieczerza” został ukończony w 1497 roku. Niestety Leonardo da Vinci pomalował go farbami, z których część okazała się bardzo delikatna. Według Vasariego pięćdziesiąt lat po ukończeniu obraz znajdował się w opłakanym stanie. Gdyby jednak udało się wówczas spełnić życzenie króla Franciszka I, wyrażone szesnaście lat po ukończeniu obrazu i po wyburzeniu muru przenieść obraz do Francji, to być może obraz by się zachował. Ale tego nie można było zrobić. W 1500 roku woda, która zalała posiłek, całkowicie zniszczyła mur. Dodatkowo w 1652 roku w murze pod obliczem Zbawiciela wyłamano drzwi, niszcząc nogi tej figury. Obraz był kilkakrotnie bezskutecznie odnawiany.W 1796 roku, po przekroczeniu Alp przez Francuzów, Napoleon wydał surowe rozkazy, aby oszczędzić posiłku, ale podążający za nim generałowie, nie zważając na jego rozkaz, zamienili to miejsce w stajnię, a następnie do magazynu siana.
4. Portret Ginevry de Benci ok. 1475 - 1478
Tempera i olej na desce
38,1 x 37 cm
Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie
Obraz ten, znajdujący się obecnie w National Gallery of Art w Waszyngtonie, przedstawia młodą damę na tle górzystego krajobrazu, na którym igrają refleksy rzeki. Istnieć różne punkty poglądy na temat identyfikacji osoby portretowanej; Zdania ekspertów na temat datowania tego dzieła są również podzielone. Niektórzy przypisują to pierwszemu Okres florencki twórczość Leonarda, inni wręcz przeciwnie, Mediolanu. Większość badaczy przychyla się do hipotezy, że portret przedstawia Ginevrę Benci (na jej imię nawiązują widoczne w tle kompozycji gałęzie jałowca ginepro). Powstał w okresie, gdy Leonardo uwolnił się od terminowania w sztuce Verrocchio, czyli około 1475 roku.
5. Portret muzyka 1485-1490
Olej na panelu.
43x31cm
Biblioteka Ambrosiano w Mediolanie, Włochy
Zawierają portrety przypisywane Leonardo wspólne cechy: ich tło jest przyciemnione, półfigurowy obraz modela, zwykle w trzech czwartych obrotu, pomaga zaprezentować go widzowi w całej jego indywidualnej postaci. Imiona portretowanych osób nie są znane, mimo wszelkich wysiłków historyków sztuki mających na celu ich ujawnienie oraz dokumentów potwierdzających działalność mistrza. Wiele portretów Leonarda kojarzy się z atmosferą dworu Sforzów, gdzie decydującą rolę odegrała gloryfikacja jednostki, odzwierciedlająca chwałę dworu. Czystość form, dostojeństwo póz w połączeniu z wnikliwym wglądem w charakter modelki przybliżają portrety artysty do najbardziej zaawansowanych osiągnięć sztuki tamtych czasów. ten gatunek sztuka – z dziełami Antonello da Messina. Wychodzą daleko poza formalizm pamięciowy mistrzów XV wieku, wypracowując typ portretu, który oddaje stan ducha bohatera i pozwala znacząco pogłębić charakterystykę obrazu. W tzw. portrecie muzyka z Ambrosiana w Mediolanie – jego model bywa utożsamiany z regentem katedry mediolańskiej Franchino Gaffurio, choć w rzeczywistości przedstawia po prostu młodego mężczyznę z liściem papier muzyczny. W przedstawieniu brył plastikowych możemy dostrzec także pewną geometrię, ujawniającą wpływy toskańskie. Czapka na głowie i masa kręconych włosów tworzą dwie półkule po bokach twarzy; ostrość konturów i światłocień wskazują już na znajomość przez mistrza tradycji lombardzkich i portretów Antonello da Messina. Mocno odrestaurowany, przepisany, a może nawet pozostawiony niedokończony, chociaż na dość zaawansowanym etapie prac, jest to jedyny egzemplarz autorstwa Leonarda męski portret- jeśli rzeczywiście jest dziełem samego artysty - przedstawia osobę o inteligentnym i stanowczym spojrzeniu. Nie dając się ponieść retorycznej gloryfikacji jednostki, Leonardo w wewnętrznym świetle twarzy i spojrzenia portretowanej osoby przekazuje swoją wrodzoną siłę moralną.
6. Madonna z kwiatkiem ( Madonnę Benoit) 1478 - 1480
Olej przeniesiony z deski na płótno
48x31,5cm
Ermitaż, Sankt Petersburg, Rosja
Młody artysta Leonardo da Vinci, który właśnie ukończył studia, namalował ten obraz we Florencji pod koniec lat siedemdziesiątych XV wieku. Został przyjęty z entuzjazmem, wykonano wiele kopii, a na początku XVI wieku... zaginął.
Trzysta lat później trupa podróżujących aktorów koncertowała w Astrachaniu. Jedna ze służących Melpomeny zaproponowała miejscowemu miłośnikowi muz i najbogatszemu kupcowi miasta Aleksandrowi Sapożnikowowi zakup pociemniałego ze starości obrazu napisanego na tablicy. Transakcja została sfinalizowana.
Wiele lat później jego wnuczka Maria wyszła za mąż. Luksusowym dodatkiem była kreacja nieznanego Włocha, na którą początkowo mało kto zwrócił uwagę. Nie wiadomo, co by się z nim stało, gdyby odnoszący sukcesy architekt i przyszły rektor Akademii Sztuk Leonty Benois (syn jeszcze bardziej znanego architekta) nie został mężem Marii Aleksandrownej i gdyby młodszy brat nie był sławny artysta, krytyk sztuki i organizator stowarzyszenia World of Art Alexander. „W odpowiedzi na uporczywe prośby brata Leonty’ego i jego żony” – wspomina – „musiałem zostać w Berlinie. Faktem jest, że poinstruowali mnie, abym pokazał słynnym Bodemu swój obraz.” (W nawiasie zaznaczamy, że Bode jest jednym z głównych autorytetów w dziedzinie historii Sztuka europejska, Dyrektor Stanu Muzea berlińskie). Jego nie było, ale w muzeum było kilku światowej sławy specjalistów. Ich werdykt był surowy: obraz nie był dziełem Leonarda, lecz namalował go jeden z jego kolegów w pracowni Verrocchio. Później sam Bode potwierdził ten wniosek.”
„Madonna” przez cały rok leżała w domu Sapożnikowów w paryskim mieszkaniu Aleksandra Nikołajewicza, po czym została przez niego zabrana z powrotem do Petersburga i zwrócona właścicielom. Jednak po ośmiu latach (było to już w 1914 r.), gdy był w krzątaninie i kłopotach związanych z przygotowaniem wystawy rosyjskiej w Paryżu, otrzymał wizytówkę z nazwiskiem jednego z berlińskich specjalistów: „Profesor Moller Walde .”
„Nie miałam czasu zgodzić się na jego przyjęcie” – powiedziała Aleksander Benois, - gdy jego własna osoba rzuciła się na mnie z okrzykiem: „Teraz jestem głęboko przekonany, że twoją Madonną jest Leonardo!” Natychmiast, nie siadając, nie pozwalając mi opamiętać się, czerwony z podniecenia, zaczął wyciągać z ogromnej, ciasno wypchanej teczki stos fotografii tych niewątpliwych rysunków Leonarda, które były w jego oczach (a w rzeczywistości ) potwierdzenie jego zaufania w autorstwo wielkiego mistrza.
Benois odrzucił propozycję sprzedaży arcydzieła do berlińskich muzeów, przekazując je do kolekcji Cesarski Ermitaż. Tam do dziś zachował się obraz, znany na całym świecie pod pseudonimem „Benois Madonna”.
7. Madonna w grocie 1483-1486
Olej na desce (przeniesiony na płótno)
199 x 122 cm
Luwr, Paryż, Francja
Obraz przeznaczony był do dekoracji ołtarza (ramę obrazu stanowił rzeźbiony drewniany ołtarz) w kaplicy Niepokalanej kościoła San Francesco Grande w Mediolanie. 25 kwietnia 1483 roku członkowie Bractwa Najświętszego Poczęcia zamówili obrazy ( kompozycja centralna– Madonna z Dzieciątkiem, bok – Aniołowie grający muzykę) Leonardo, któremu powierzono wykonanie najważniejszej części ołtarza, a także bracia Ambrogio i Evangelista de Predis. Obecnie historycy sztuki uważają, że oba płótna o tej samej tematyce, z których jedno znajduje się w Luwrze, a drugie w London National Gallery, są wersjami obrazu, wykonanymi w tym samym celu. Podpisana Madonna na Skałach z Paryża (Luwr) pierwotnie zdobiła ołtarz kościoła San Francesco Grande; być może został on podarowany przez samego Leonarda królowi Francji Ludwikowi XII jako wyraz wdzięczności za mediację w konflikcie klientów z artystami o zapłatę za obrazy. Zastąpiła ją w ołtarzu kompozycja znajdująca się obecnie w Londynie. Po raz pierwszy Leonardo był w stanie rozwiązać problem fuzji postacie ludzkie z krajobrazem, który stopniowo zajmował czołowe miejsce w swoim programie artystycznym.
8. Jan Chrzciciel 1512
Olej na desce
69 x 57 cm
Luwr, Paryż
Można by pomyśleć, że pierwszym zamysłem artysty było przedstawienie anioła ewangelii, gdyby tylko było to spójne z dziwną postacią, która wywołuje u widza raczej poczucie niezręczności niż ekstatycznego zdumienia. Dostrzegamy w nim tego samego ducha ironii, który jest charakterystyczny dla Mony Lisy, nie ma jednak krajobrazu, na który można by tę ironię rzutować, odzwierciedlając bardziej złożone powiązania człowieka z naturą. Z tego powodu Jan Chrzciciel robi na widzu dziwne, wręcz dwuznaczne wrażenie. Tymczasem obraz z pewnością należy do kręgu twórczości Leonarda, a w swojej konstrukcji jest jednym z najbardziej nowatorskich, gdyż w postaci św. Jana mistrz syntetyzował swoje poszukiwania środków wyrazu uczuć i w ogóle naturę człowieka . Naładowany symboliką i iluzją obraz ten zdaje się istnieć na granicy tajemnicy i rzeczywistości.
9. Leda z łabędziem 1508 - 1515
Olej na panelu.
130x77,5
Galeria Ufizi, Florencja, Włochy
Mona Lisa powstała w czasach, gdy Leonardo Vinci był tak zaabsorbowany studiowaniem budowy kobiecego ciała, anatomii i problemów związanych z porodem, że niemal niemożliwe było oddzielenie jego zainteresowań artystycznych od naukowych. W ciągu tych lat naszkicował ludzki embrion w macicy i stworzył ostatnią z kilku wersji obrazu „Leda” na ten temat starożytny mit o narodzinach Kastora i Polluksa ze związku śmiertelnej dziewczyny Ledy i Zeusa, który przybrał postać łabędzia. Leonardo studiował anatomię porównawczą i interesowały go analogie pomiędzy wszystkimi formami organicznymi.
10. Autoportret 1514 - 1516
Czerwona sangwina (kreda).
33,3 x 21,3 cm
Galeria Narodowa w Turynie, Włochy
DO ostatnie lata life obejmuje autoportret z Turynu Leonarda.
A opis Lomazzo najwyraźniej odnosi się także do tego autoportretu: „Jego głowa była pokryta długimi włosami, brwi miał tak gęste, a broda tak długa, że wydawał się prawdziwym uosobieniem szlachetnej nauki, co druid Hermes i starożytny Prometeusz był już wcześniej.”
Starożytni biografowie Leonarda da Vinci malują jego najbardziej atrakcyjne cechy:
Według Vasariego:
„Swoim blaskiem swego wyglądu, który odsłaniał najwyższe piękno, przywrócił jasność każdej zasmuconej duszy”.
Zdaniem Anonimowego:
„Był przystojny, proporcjonalnie zbudowany, pełen wdzięku, o atrakcyjnej twarzy. Nosił czerwony płaszcz sięgający do kolan, choć wtedy było to w modzie długie ubrania. Piękna broda, kręcona i dobrze zaczesana, opadała do połowy klatki piersiowej.”
BES Brockhaus i Efron:
„Vinci był przystojny, pięknie zbudowany, miał ogromną sylwetkę siła fizyczna posiadał wiedzę w zakresie sztuki rycerskiej, jazdy konnej, tańca, szermierki itp.
Na podstawie materiałów z abc-people.com
Każdy, kto widział rysunki Leonarda da Vinci „na żywo”, zrozumie moją miłość do nich! To zachwyt i upojenie kunsztem wielkiego malarza! A same rysunki to zupełnie żywe twarze, głowy, obrazy... Oddychają, zachwycają się Twoim spojrzeniem, są prawdziwe! Co jest niesamowite!
Przyjrzyj się i zwróć uwagę na materiał, którego Leonardo użył do stworzenia tej magii:
„Szkic głowy dziewczynki”, 1470-78. Pióro, atrament, papier. Galeria Uffizi we Florencji, Włochy.
„Portret Isabelli de Este (d Este)”. 1499 Węgiel drzewny, kreda czarna i pastel, papier. Luwr, Paryż.
Leonardo nową technikę tego obrazu nazywa colorire a secco (malowanie na sucho) i utożsamia ją z pastelem.
„Głowa dziewczyny” 1483 Srebrny ołówek na brązowawym przygotowanym papierze. Turyn (Biblioteca Reale), Włochy.
„Szkic głowy Ledy” (jeden z wielu szkiców do obrazu „Leda i łabędź” 1510-15. Galeria Borghese, Rzym, Włochy).
„Szkic głowy kobiety” (do obrazu „Madonna Litta”). 1490 Srebrny ołówek na zielonkawym przygotowanym papierze. Luwr, Paryż.
„Szkic głowy św. Anny” (do obrazu „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Chrystus”). 1490 Srebrny ołówek na zielonkawym przygotowanym papierze.
„Głowa kobiety” (rysunek ten kojarzy się z obrazem „Madonna z wrzecionem”). 1501 Srebrny ołówek, czerwona kreda na różowym przygotowanym papierze. Galeria (dell Accademia), Wenecja, Włochy.
"Żebrak". 1490 Srebrny ołówek na przygotowanym papierze. Luwr, Paryż.
„Profil starszego mężczyzny”. 1495 Pióro i tusz na przygotowanym papierze. Windsor, Zamek Windsor.
„Głowa mężczyzny i lwa”. 1503-1505. Czerwona i biała kreda na różowym papierze malowanym. Windsor, Zamek Windsor.
Leonardo był zdania, że twarz człowieka odzwierciedla jego charakter i dołożył wszelkich starań, aby to zilustrować.
"Stary i młody". 1495-1500. Czerwona kreda. Galeria Uffizi, Florencja, Włochy.
„Starożytny wojownik” 1472 Ołówek metalowy (Metalpoint) na przygotowanym papierze. Brytyjskie Muzeum, Londyn, Anglia.
„Głowa mężczyzny” 1503-1505. Czerwona kreda na papierze. Galleria del Accademia, Wenecja, Włochy.
„Portret Cygana (groteskowy)”. 1500-1505. Czarna kreda. Oksford.
To największy znany rysunek Leonarda. Uważa się, że przedstawia baron cygański. Ślady wtrysku wskazują, że rysunek został przygotowany do przeniesienia na płótno.
„Siedzący starzec” Pióro, atrament, papier. Windsor, Zamek Windsor.
„Święty Jakub Starszy” (szkic do „Ostatniej wieczerzy”). 1495 Czerwona kreda, pióro i atrament. Windsor, Zamek Windsor.
Św. Jakub w oryginale ma brodę i nie tylko długie włosy, na rysunku Leonardo jak zawsze starał się wyrazić swoją opinię: twarz odzwierciedla charakter. Obok portretu znajduje się szkic architektoniczny. To typowe dla artysty: zapisywać pomysły na dowolnej kartce papieru.
„Madonna z Dzieciątkiem, Św. Anna i Jan Chrzciciel”. Pastel. Galeria Narodowa, Londyn.
"Autoportret". 1514 - 1516. Czerwona sangwina (kreda). Galeria Narodowa w Turynie, Włochy.
I moje ulubione!
„Dziewczyna z rozczochranymi włosami (La Scapigliata)”. 1508
„Głowa kobiety” Muzeum Metropolitalne, USA.
Leonardo da Vinci, włoski malarz, rzeźbiarz, architekt, naukowiec i inżynier. Założyciel kultura artystyczna Wysokiego renesansu Leonardo da Vinci rozwinął się jako mistrz, studiując u Andrei del Verrocchio we Florencji. Do powstania przyczyniły się metody pracy w warsztacie Verrocchio, gdzie praktykę artystyczną połączono z eksperymentami technicznymi, a także przyjaźń z astronomem P. Toscanellim zainteresowania naukowe młody da Vinci. W wczesne prace(głowa anioła w „Chrzcie” Verrocchia, po 1470, „Zwiastowanie”, około 1474, oba w Uffizi; tzw. „Madonna Benois”, około 1478, Państwowe Muzeum Ermitażu, Petersburg) artysta, rozwijający tradycje artystyczne Wczesny renesans, podkreślał płynną wolumen form delikatnym światłocieniem, czasem ożywiał twarze subtelnym uśmiechem, wykorzystując to do osiągnięcia przekazu subtelnego Stany umysłu. Zapisywanie wyników niezliczonych obserwacji w formie szkiców, szkiców i pełnowymiarowych badań wykonywanych w różne techniki(ołówki włoskie i srebrne, sangwina, długopis itp.), poszukiwał Leonardo da Vinci, sięgając czasem po karykaturalną wręcz groteskę, ostrość w przekazywaniu mimiki i Cechy fizyczne a ruch ciała młodych mężczyzn i kobiet został doskonale zharmonizowany z duchową atmosferą kompozycji.
W roku 1481 lub 1482 Leonardo da Vinci wstąpił na służbę władcy Mediolanu Lodovico Moro i pełnił funkcję inżyniera wojskowego, inżyniera hydraulika oraz organizatora świąt dworskich. Przez ponad 10 lat pracował nad pomnikiem konnym Francesco Sforzy, ojca Lodovico Moro (naturalnej wielkości gliniany model pomnika uległ zniszczeniu podczas zdobycia Mediolanu przez Francuzów w 1500 roku). W okresie mediolańskim Leonardo da Vinci stworzył „Madonnę na Skałach” (1483-1494, Luwr, Paryż; druga wersja - około 1497-1511, National Gallery, Londyn), gdzie bohaterowie są przedstawieni w otoczeniu dziwacznego skalistego krajobrazu , a rolę odgrywa najlepszy światłocień duchowe pochodzenie podkreślając ciepło relacje międzyludzkie. W refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie ukończył malowidło ścienne „Ostatnia wieczerza” (1495-1497; ze względu na specyfikę techniki zastosowanej podczas pracy Leonarda da Vinci nad freskiem - olej z temperą - był zachowany w mocno zniszczonej formie, odrestaurowany w XX w.), wyznaczający jeden ze szczytów Malarstwo europejskie; jego wysoka zawartość etyczna i duchowa wyraża się w matematycznej regularności kompozycji, logicznie kontynuującej rzeczywistą przestrzeń architektoniczną, w przejrzystym, ściśle opracowanym systemie gestów i mimiki bohaterów, w harmonijnej równowadze form.
Studiując architekturę, rozwinął się Leonardo da Vinci różne opcje„idealnego” miasta oraz projekty świątyni z centralną kopułą, które wywarły wpływ duży wpływ na temat współczesnej architektury Włoch. Po upadku Mediolanu życie Leonarda da Vinci upływało w ciągłych podróżach (1500-1502, 1503-1506, 1507 - Florencja; 1500 - Mantua i Wenecja; 1506, 1507-1513 - Mediolan; 1513-1516 - Rzym; 1517- 1519 – Francja). W rodzinnej Florencji pracował przy malowaniu sali Wielka Rada w Palazzo Vecchio „Bitwa pod Anghiari” (1503-1506, niedokończona, znana z kopii z tektury), stojąca u początków Europy gatunek bitewny nowy czas. W portrecie „Mony Lisy” lub „La Giocondy” (ok. 1503-1505, Luwr, Paryż) ucieleśniał wzniosły ideał wiecznej kobiecości i ludzkiego uroku; ważny element Kompozycja stała się kosmicznie rozległym krajobrazem, rozpływającym się w zimnej, błękitnej mgle. DO później działa Leonardo da Vinci zawarł projekty pomnika marszałka Trivulzio (1508-1512), obraz ołtarzowy„Św. Anna i Maria z Dzieciątkiem” (ok. 1507-1510, Luwr, Paryż), zakończenie poszukiwań mistrza w dziedzinie światła perspektywa powietrzna i harmonijną piramidalną strukturę kompozycji oraz „Jan Chrzciciel” (ok. 1513-1517, Luwr), gdzie nieco słodka dwuznaczność obrazu wskazuje na narastające momenty kryzysowe w twórczości artysty.
W serii rysunków przedstawiających katastrofę powszechną (tzw. cykl „Potopu”) włoski ołówek i pióro, ok. 1514-1516 r., Biblioteka Królewska, Windsor) myśli o znikomości człowieka wobec potęgi żywiołów łączą się z racjonalistycznymi wyobrażeniami o cykliczności procesów naturalnych. Najważniejszym źródłem do badania poglądów Leonarda da Vinci jest jego zeszyty oraz rękopisy (ok. 7 tys. kartek), których fragmenty znalazły się w „Traktacie o malarstwie”, opracowanym po śmierci mistrza przez jego ucznia F. Melziego i ogromny wpływ o europejskiej myśli teoretycznej i praktyka artystyczna. W debacie między sztukami Leonardo da Vinci dał pierwsze miejsce malarstwu, rozumiejąc je jako uniwersalny język, zdolny ucieleśnić wszystkie różnorodne przejawy inteligencji w przyrodzie. Pojawienie się Leonarda da Vinci byłoby przez nas odbierane jednostronnie, nie biorąc pod uwagę faktu, że on działalność artystyczna okazała się nierozerwalnie związana z działalnością naukową. W istocie Leonardo da Vinci stanowi jedyny w swoim rodzaju przykład wielkiego artysty, dla którego sztuka nie była głównym zajęciem życia.
Jeśli w młodości skupiał się przede wszystkim na malarstwie, to z biegiem czasu stosunek ten zmienił się na korzyść nauki. Trudno znaleźć obszary wiedzy i technologii, które nie zostałyby wzbogacone przez jego najważniejsze odkrycia i śmiałe pomysły. Nic nie daje tak wyrazistego wrażenia na temat niezwykłej wszechstronności geniuszu Leonarda da Vinci, jak wiele tysięcy stron jego rękopisów. Zawarte w nich notatki, w połączeniu z niezliczoną ilością rysunków, które nadają myślom Leonarda da Vinci plastyczną materialność, obejmują całe istnienie, wszystkie dziedziny wiedzy, będąc niejako najjaśniejszym dowodem odkrycia świata, jakie przyniósł ze sobą renesans . W tych wynikach jego niestrudzonej pracy duchowej wyraźnie odczuwalna jest różnorodność samego życia, w znajomości której zasady artystyczne i racjonalne pojawiają się u Leonarda da Vinci w nierozerwalnej jedności.
Jako naukowiec i inżynier wzbogacił niemal wszystkie dziedziny nauki swoich czasów. Jasny przedstawiciel nowy, oparty na eksperymencie nauk przyrodniczych, Leonardo da Vinci szczególną uwagę poświęcił mechanice, widząc w niej klucz główny do tajemnic wszechświata; jego błyskotliwe konstruktywne domysły znacznie wyprzedzały jego współczesną erę (projekty walcownie, samochody, łódź podwodna, samolot). Zebrane przez niego obserwacje dotyczące wpływu mediów przezroczystych i półprzezroczystych na kolorystykę przedmiotów doprowadziły do ustalenia naukowo uzasadnionych zasad perspektywy powietrznej w sztuce wysokiego renesansu. Badając budowę oka, Leonardo da Vinci trafnie domyślił się natury widzenia obuocznego. W rysunkach anatomicznych położył podwaliny współczesnej ilustracji naukowej, studiował także botanikę i biologię. A w przeciwieństwie do tego kompletna Wysokie napięcie działalność twórcza - los życiowy Leonardo, jego niekończące się wędrówki związane z niemożnością znalezienia sprzyjających warunków do pracy we Włoszech tamtych czasów.
Dlatego kiedy król francuski Franciszek I zaproponował mu posadę malarza nadwornego; Leonardo da Vinci przyjął zaproszenie i przybył do Francji w 1517 roku. We Francji, która w tym okresie szczególnie aktywnie zajmowała się kulturą Włoski renesans, Leonardo da Vinci otaczał na dworze powszechną czcią, która jednak była raczej charakter zewnętrzny. Artysta tracił siły i dwa lata później, 2 maja 1519 roku, zmarł na zamku Cloux (niedaleko Amboise, Touraine) we Francji. Niestrudzony naukowiec eksperymentalny i genialny artysta, Leonardo da Vinci stał się powszechnie uznanym symbolem renesansu. Historia początków włoskiego renesansu.