10 самых известных картин в мире. «Красным клином бей белых». Тивадар Костка Чонтвари. «Старый Рыбак»

К юбилею Октябрьской революции мы вспомнили десять самых важных произведений искусства того периода - от «Красным клином бей белых» Лисицкого до «Обороны Петрограда» Дейнеки.

Эль Лисицкий,

«Красным клином бей белых»

В знаменитом плакате «Красным клином бей белых» Эль Лисицкий использует супрематический язык Малевича в политических целях. Чистые геометрические формы служат описанием ожесточенного вооруженного конфликта. Таким образом, непосредственное событие, действие Лисицкий сводит к тексту и лозунгу. Все элементы плаката жестко переплетены друг с другом и взаимозависимы. Фигуры теряют свою абсолютную свободу и становятся геометрическим текстом: этот плакат и без букв читался бы слева направо. Лисицкий, как и Малевич, конструировал новый мир и создавал формы, в которые должна была уложиться новая жизнь. Это произведение благодаря новой форме и геометрии переводит злобу дня в некие общие вневременные категории.

Климент Редько

«Восстание»

Работа Климента Редько «Восстание» - это так называемая советская неоикона. Идея этого формата заключается в том, что изображение, нанесенное на плоскость, - это в первую очередь некая всеобщая модель, образ желаемого. Как и в традиционной иконе, изображение не реально, а отображает некий идеальный мир. Именно неоикона лежит в основе искусства соцреализма 30-х годов.

В этом произведении Редько отваживается на смелый шаг - в пространстве картины он соединяет геометрические фигуры с портретами большевистских вождей. По правую и левую руку от Ленина стоят его сподвижники - Троцкий, Крупская, Сталин и другие. Как и в иконе, здесь отсутствует привычная перспектива, масштаб той или иной фигуры зависит не от ее удаленности от зрителя, а от ее значимости. Иными словами, Ленин здесь самый главный, потому и самый большой. Огромное значение Редько придавал и свету.

От фигур как будто исходит свечение, что делает картину похожей на неоновую вывеску. Эту технику художник обозначал словом «кино». Он стремился преодолеть материальность краски и проводил аналогии между живописью и радио, электричеством, кинематографом и даже северным сиянием. Таким образом, он фактически ставит перед собой те же задачи, что ставили перед собой много столетий назад иконописцы. Он по-новому обыгрывает знакомые всем схемы, подменяя Рай социалистическим миром, а Христа и святых - Лениным с его приспешниками. Цель творчества Редько - обожествление и сакрализация революции.

Павел Филонов

«Формула петроградского пролетариата»

«Формула петроградского пролетариата» была написана во время гражданской войны. В центре картины - рабочий, чья величественная фигура возвышается над едва различимым городом. Композиция картины построена на напряженных ритмах, создающих ощущение бурлящего и растущего движения. Здесь запечатлены все знаковые символы пролетариата, например гигантские человеческие руки - орудие преобразования мира. В то же время это не просто картина, а обобщающая формула, которая отражает Вселенную. Филонов как будто расщепляет мир до мельчайших атомов и тут же собирает его воедино, одновременно смотрит как в телескоп, так и в микроскоп.

Опыт участия в великих и вместе с тем чудовищных исторических событиях (Первой мировой войне и революции) оказал огромное влияние на творчество художника. Люди в картинах Филонова измельчены в мясорубке истории. Его работы сложны для восприятия, подчас мучительны - живописец бесконечно дробит целое, доводя его порой до степени калейдоскопа. Зрителю постоянно приходится удерживать в голове все фрагменты картины, чтобы в итоге уловить целостный образ. Мир Филонова - мир коллективного тела, мир выдвинутого эпохой понятия «мы», где частное и личное упраздняется. Сам художник считал себя выразителем идей пролетариата, а коллективное тело, которое всегда присутствует в его картинах, называл «мировым расцветом». Однако возможно, что даже против воли автора его «мы» наполнено глубоким ужасом. В творчестве Филонова новый мир предстает безрадостным и страшным местом, где мертвое проникает в живое. В работах живописца отразились не столько современные ему события, сколько предчувствие будущих - ужасов тоталитарного режима, репрессий.

Кузьма Петров-Водкин

«Петроградская Мадонна»

Другое название этой картины - «1918 год в Петрограде». На первом плане изображена молодая мать с младенцем на руках, на заднем плане - город, где только-только отшумела революция - и его жители свыкаются с новой жизнью и властью. Картина напоминает то ли икону, то ли фреску итальянского мастера эпохи Возрождения.

Петров-Водкин трактовал новую эпоху в контексте новой судьбы России, но своим творчеством не стремился до основания уничтожить весь старый мир и на его руинах возвести новый. Сюжеты для картин он черпал в повседневности, однако форму для них берет из прошлых эпох. Если средневековые художники одевали библейских героев в современные им одежды для того, чтобы приблизить к своему времени, то Петров-Водкин поступает ровно наоборот. Жительницу Петрограда он изображает в образе Богоматери с целью придать обыденному, повседневному сюжету несвойственную ему значительность и вместе с тем вневременность и всеобщность.

Казимир Малевич

«Голова крестьянина»

К революционным событиям 1917 года Казимир Малевич пришел уже состоявшимся мастером, прошедшим путь от импрессионизма, неопримитивизма к собственному открытию - супрематизму. Малевич воспринял революцию мировоззренчески; новыми людьми и пропагандистами супрематической веры должны были стать члены арт-группировки УНОВИС («Утвердители нового искусства»), носившие на рукаве повязку в виде черного квадрата. По представлениям живописца, в изменившемся мире искусство должно было создать собственное государство и собственное же мироустройство. Революция давала возможность художникам-авангардистам переписать всю прошлую и будущую историю таким образом, чтобы занять в ней главное место. Надо сказать, что во многом им это удалось, ведь искусство авангарда - одна из главных визитных карточек России. Несмотря на программное отрицание изобразительной формы как изжившей себя, во второй половине 20-х годов художник обращается к фигуративности. Он создает работы крестьянского цикла, но датирует их 1908–1912 годами. (то есть периодом до «Черного квадрата»), поэтому отказ от беспредметности не выглядит здесь как предательство собственных идеалов. Поскольку этот цикл отчасти мистификация, художник предстает как пророк, который предчувствует будущие народные волнения и революцию. Одной из наиболее заметных черт этого периода его творчества стала обезличенность людей. Вместо лиц и голов их тела увенчаны красными, черными и белыми овалами. От этих фигур исходит, с одной стороны, невероятный трагизм, с другой - отвлеченное величие и героизм. «Голова крестьянина» напоминает сакральные изображения, например икону «Спас Ярое Око». Таким образом, Малевич создает новую «постсупрематическую икону».

Борис Кустодиев

«Большевик»

Имя Бориса Кустодиева ассоциируется в первую очередь с яркими, красочными картинами, изображающими жизнь купечества и идиллические праздничные гулянья с характерными русскими сценами. Однако после переворота художник обратился к революционной тематике. На картине «Большевик» изображен исполинский мужик в валенках, тулупе и шапке; за спиной его, заполняя собой все небо, развевается красное знамя революции. Гигантским шагом он проходит по городу, а далеко внизу копошится многочисленный народ. Картина обладает острой плакатной выразительностью и говорит со зрителем очень пафосным, прямым и даже несколько грубоватым символическим языком. Мужик - это, конечно, сама революция, вырвавшаяся на улицы. Ее ничем не остановить, от нее не спрятаться, и она в итоге раздавит и уничтожит все на своем пути.

Кустодиев, несмотря на грандиозные перемены в художественном мире, остался верен своей на тот момент уже архаичной изобразительности. Но, как ни странно, эстетика купеческой России органично подстроилась под запросы нового класса. Узнаваемую русскую бабу с самоваром, символизирующую русский уклад жизни, он заменил на не менее узнаваемого мужика в телогрейке - эдакого Пугачева. Дело в том, что и в первом и втором случае художник использует понятные любому образы-символы.

Владимир Татлин

Памятник III Интернационалу

Идея башни возникла у Татлина еще в 1918 году. Она должна была стать символом новых отношений искусства с государством. Уже через год художнику удалось получить заказ на возведение этой утопической постройки. Впрочем, ей было суждено остаться неосуществленной. Татлин задумывал построить 400-метровую башню, которая состояла бы из трех стеклянных вращающихся с разной скоростью объемов. Снаружи их должны были опоясывать две гигантские спирали из металла. Главная идея монумента состояла в динамике, что соответствовало духу времени. В каждом из объемов художник предполагал разместить помещения для «трех властей» - законодательной, общественной и информационной. Форма ее напоминает знаменитую Вавилонскую башню с картины Питера Брейгеля - только башня Татлина, в отличие от Вавилонской, должна была служить символом воссоединения человечества после мировой революции, чье наступление все так страстно ждали в первые годы советской власти.

Густав Клуцис

«Электрификация всей страны»

Конструктивизм с большим энтузиазмом, чем остальные течения авангарда, взял на себя ответственность за риторику и эстетику власти. Ярким тому примером служит фотомонтаж конструктивиста Густава Клуциса, который соединил в себе два самых узнаваемых языка эпохи - геометрические конструкции и лицо вождя. Здесь, как и во многих произведениях 20-х годов, отражена не реальная картина мира, но организация действительности глазами художника. Цель - не показать то или иное событие, а показать, как это событие зритель должен воспринять.

Фотография играла огромную роль в государственной пропаганде того времени, а фотомонтаж был идеальным средством влияния на массы, продуктом, который в новом мире должен был заменить живопись. В отличие от той же картины его можно воспроизвести бесчисленное количество раз, поместить в журнал или на плакат и тем самым донести до огромной аудитории. Советский монтаж создается ради массового репродуцирования, рукотворность здесь упразднена огромным тиражом. Социалистическое искусство исключает понятие уникальности, оно не более чем фабрика по производству вещей и весьма определенных идей, которые должны быть усвоены массами.

Давид Штеренберг

«Простокваша»

Давид Штеренберг, хоть и был комиссаром, но не был радикалом в искусстве. Свой минималистичный декоративный стиль он реализовал в первую очередь в натюрмортах. Основной прием художника - немного вздернутая вертикально столешница с плоскими предметами на ней. Яркие, декоративные, очень аппликативные и принципиально «поверхностные» натюрморты воспринимались в советской России как истинно революционные, переворачивающие старый быт. Впрочем, предельная плоскостность здесь сочетается с невероятной осязательностью - почти всегда живопись имитирует ту или иную текстуру или материал. Картины с изображенной на них скромной, а порой и скудной снедью показывают скромный, а порой и скудный рацион пролетариев. Основной акцент Штеренберг делает на форме стола, который в известном смысле становится отражением культуры кафе с ее открытостью и выставленностью на показ. Громогласные и патетичные лозунги нового жизнеустроения захватывали художника куда меньше.

Александр Дейнека

«Оборона Петрограда»

Картина поделена на два яруса. В нижнем изображены бодро шагающие на фронт бойцы, вверху - возвращающиеся с поля боя раненые. Дейнека использует прием обратного движения - сначала действие развивается слева направо, а потом справа налево, что создает ощущение цикличности композиции. Полные решимости мужские и женские фигуры выписаны мощно и очень объемно. Они олицетворяют готовность пролетариата идти до конца, сколько бы времени на это ни потребовалось, - поскольку композиция картины замкнута, создается ощущение, что поток людей, идущих на фронт и возвращающихся
с него, не иссякает. В жестком, неумолимом ритме произведения выражен героический дух эпохи и романтизирован пафос гражданской войны.

До изобретения разговорного языка, до умения записывать происходящее, кажется, что даже до начала существования самого мира, искусство рисования уже занимало свое важнейшее место в истории всего человечества. От наскальных рисунков и до дигитального искусства: все наше пребывание на этой планете пронизано нитями из красок, полотен, карандашей и пастелей, это своеобразная временная воронка, с помощью которой можно оказываться в любом месте в любую секунду. Не зря Жан-Люк Годар говорил, что «искусство – это то, что позволяет обернуться, увидеть Содом и Гоморру – и не умереть».

Власть картин над разумом

Кроме уникального свойства визуального искусства возвращать зрителя в прошлое, давать ему возможность наслаждаться или задумываться о сегодняшнем и пытаться представить будущее, оно еще имеет поразительную власть над разумом человека. Эксперты Университетского колледжа в Лондоне смогли экспериментально доказать, что взгляд на картину вызывает в мозгу аналогичные реакции, которые возникают при взгляде на любимого человека. Зритель склонен в таком случае к расслаблению, умиротворению и удовлетворению, поскольку в организме происходит всплеск дофамина. Нейробиолог Семир Зеки даже выделил 4 художника, которые вызывают усиленный кровоток в участках мозга, отвечающих за чувство любви. Это оказались Клод Моне, Сандро Боттичели, Джон Констебла и Леонардо да Винчи.

Учитывая столь богатую историю данного вида искусства и его бесспорную значимость, неудивительно, что возник вопрос о том, какие картины принято считать лучшими. Американская журналистка издания «ARTnews» Келли Девин Томас решила найти ответ на этот вопрос. Она опросила множество художников, директоров музеев, кураторов и искусствоведов, чтобы вывести единственную формулу «лучших из лучших». Никаких конкретных критериев представлено не было. Главное – то, какое значение имеет произведение искусства для людей: будь то чувства, которые оно вызывает, или мастерство его исполнения. Ниже мы представляем вам 10 картин, которые оказались самым распространенным выбором среди профессионалов.

«Я представляю, что эти картины были сделаны более 15 тысяч лет назад людьми, которые лежали на спинах и рисовали на потолках при тусклом освещении, исходящем из маленького входа в пещеру. Эти изображения – некая квинтэссенция того, что эти древнейшие люди видели на самом деле. Наскальные рисунки Альтмиры остаются такими же ритуальными, духовными, значительными и магическими», - Ричард Серра, художник.

2. Франсиско де Гойя, «Сатурн, пожирающий своего сына» (1820-1823)

«Это невероятно мощная картина. Она вечна, универсальна и весома. Она отображает наши человеческие, социальные и политические тревоги. Тревогу самого художника, его мучение, увековеченное в работе. Когда я впервые увидела это, то была настолько поражена, что не могла дышать», - Нешат Ширин, художница.

3. Изенгеймский алтарь Маттиаса Грюневальда (1512-1516)

«Даже в 20 веке влияние этого алтаря было значительным для искусства: например, для таких художников, как Макс Бекман, Пабло Пикассо, Барнетт Ньюман и Джаспер Джонс. Но важнее всего, что, кроме своего значения, интерпретации и причин влияния, благодаря которым это произведение искусства пережило века, для меня оно остается современным, важным для сегодняшнего дня – а именно это и определяет картину как великую», - Гарри Гаррелс, главный куратор картин и скульптур в Музее современного искусства Сан-Франциско.

4. Казимир Малевич, «Черный квадрат» (1915)

«Малевич описал свое произведение как «ноль формы». Александра Шацких назвала его «визуальной манифестацией нового периода в мировой культуре искусства». Борис Гройс написал, что эта работа - «самый радикальный жест по отношению к принятию полного разрушения традиций». Да, здесь нет никаких толп в стиле Мона Лизы, свидетельствующих, что вы находитесь перед шедевром, но «Черный квадрат» - это действительно та картина, которая обладает невыразимой масштабностью», - Кэйт Фоул, главный куратор Garage Center современной культуры в Москве.

5. Эдуард Мане, «Молодая женщина в 1866» (1866)

«Молодая женщина в 1866» показывает Мане как непревзойденного художника, конкурирующего с Веласкесом. Я всегда улыбаюсь, когда её вижу. Она никогда не разочаровывает своей современностью, остроумностью и разумностью. Она содержит какое-то присутствие мужского без, собственно, самого мужчины. Будто бы из-за угла картины должен выглядывать цилиндр. Из неё сочиться сексуальность в самом сдержанном и сложном виде, который только можно себе представить», - Гэри Тинтероу, директор Музея изобразительных искусств в Хьюстоне.

6. Эд Рэйнхардт, «Абстрактный рисунок №3» (1960-1963)

«Что примечательно насчет этой картины – как и во многих поздних работах Рэйнхардта – так это то, что она способна выудить значение собственных качеств (цвета, формы, гаммы) из глубокого сознания зрителя. Это произведение искусства, которое вовлекает в себя мысли других», - Лоуренс Риндер, директор Художественного музея Беркли и Тихоокеанского архива фильмов.

7. Чен Ронг, «Девять драконов» (датировано 1244)

«Девять драконов» Чена Ронга воплощают в себе гуманизм всей классической китайской традиции, её политики, моральной философии: дракон символизирует имперскую власть и порядок в жизни нации, они олицетворяют qi, космическую энергию, которая оживляет естественную Вселенную в даосизме. Вскинутый хвост дракона посреди бесстрастного потока природы выражает в картине изобразительные и концептуальные уровни взаимодействия инь и янь в форме и бесформенности, субстанции и динамизме, плоти и вечности», - Александра Монро, главный куратор Азиатского искусства в Музее Гуггенхайма.

8. Дж. М. У. Тёрнер, «Dort or Dordrecht: The Dort Packet-Boat From Rotterdam Becalmed» (1818)

«Только после того, как вы увидели картину в сотый раз и под разным освещением, вы можете оценить её необычайную отзывчивость к свету, адаптацию, которая происходит таким образом, что начинает казаться, будто бы картина дышит», - Эми Майерс, директор Йельского центра Британского искусства.

9. Диего Веласкес, «Менины» (1656)

«Своеобразный смысл того, что я просто не способен перестать смотреть на эту картину, никогда меня не покидал. Каждый раз, когда я её вижу, мне кажется, что я покидаю собственную реальность и попадаю в изобразительное пространство, созданное Веласкесом», - Дэн Камерон, главный куратор Музея искусств Орандж Кантри.

10. Леонардо да Винчи, «Мона Лиза» (1503-1517)

«Если мы определим величие как нечто, что наибольшим образом повлияло на культурные представления по всему миру, то получим один-единственный ответ:Мона Лиза. Извините, что заставил вас всех вздохнуть, но это правда. Леонардо применил все свои способности и всю свою философию искусства и природы в эту работу. А этого предостаточно», - Мартин Кемп, почетный профессор истории искусств Оксфордского Университета.

Так кто же победитель?

Как же все-таки определить, что достойно быть величайшим произведением искусства? Пожалуй, ответа на этот вопрос нам не найти никогда. Каждый из нас ознакомлен с разными историями, каждого трогают разные наболевшие вопросы и те, кто их отображает на холсте. Нам не найти консенсуса, но, по крайней мере, мы можем приложить все наши усилия, чтобы познакомиться с как можно большим числом по-настоящему великих мастеров и их работ.

В мире существует миллионы картин, которые создаются и показываются в галереях и музеях по всему миру. Однако не все они так знамениты и узнаваемы как те, которые приведены ниже. Перед вами список с фото десяти некоторых самых известных картин в мире.

Герника

Герника - знаменитая картина испанского художника Пабло Пикассо, написанная в мае 1937 года. Представляет собой картину, написанную маслом в чёрно-белых тонах, с невероятной скоростью - всего за месяц. Полотно высотой в 3,5 м и длиной в 7,8 м изображает сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности. Считается, что причиной её создания стала бомбардировка города Страны Басков - Герники. Хранится в Музей королевы Софии в Мадриде, столице Испании.

Автопортрет Винсента ван Гога без бороды - безусловно, самый знаменитый из немногих портретов Винсента ван Гога, который изображает его без бороды. Всего же Винсент Ван Гог написал более 38 своих портретов. Считается что художник, создал эту картину в подарок на день рождения своей матери. На сегодня она является одной из самых дорогих картин всех времён . Была продана за $ 71,5 млн. в 1998 году, и сейчас хранится в частной коллекции.

Ночной дозор

Ночной дозор или «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» - знаменитая картина известного художника Рембрандта ван Рейна, написанная в 1642 году. Является одной из самых известных голландских картин Золотого века. Полотно славится тремя характеристиками: её колоссальный размер (363 см × 437 см), эффективное использование света и тени, и восприятие движения. Сейчас картина хранится в Государственном музее (Rijksmuseum) в Амстердаме.

Девушка с жемчужной серёжкой - известная картина нидерландского художника Яна Вермеера, написанная около 1665 года. Её часто называют голландской или северной Моной Лизой. О картине известно очень мало. По одной из версий на ней изображена дочь художника Мария. Полотно размером в 44,5 × 39 см сейчас хранится в музее Маурицхёйс в Гааге, Нидерланды.

Постоянство памяти - одна из самых узнаваемых и известных картин испанского живописца Сальвадора Дали . Была написана в 1931 году. Это небольшое полотно (24×33 см) впервые было показано на Julien Levy Gallery в 1932 году. Сейчас хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Крик

Крик - знаменитая картина, написанная норвежским художником-экспрессионистом Эдвардом Мунком в 1893 году. Это самая известная из четырёх версий «Крика» написанная маслом, которые художник создал в промежутке между 1893 и 1910 годами, используя различные техники. Хранится в Национальном музее Норвегии.

Звёздная ночь

Звёздная ночь - известная картина, написанная пост-импрессионистом Винсентом ван Гогом в июне 1889 года. Считается одной из лучших его работ, а также одной из самых известных в истории западной культуры. Хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Сотворение Адама - знаменитая фреска итальянского мастера эпохи Возрождения Микеланджело, написанная примерно в 1511 году. Образует часть потолка Сикстинской капеллы и иллюстрирует библейское повествование из Книги Бытия, в которой Бог вдыхает жизнь в Адама, первого человека. Наряду с картиной Леонардо да Винчи «Тайная вечеря» является наиболее религиозной картиной всех времён.

Тайная вечеря - всемирно известная монументальная роспись итальянского художника Леонардо да Винчи, созданная в 1495-1498 годах на задней стене в трапезной доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, Италия. Картина изображает сцену, описанную в Библии как Тайная Вечеря - последний ужин Христа со своими учениками. Размер картины примерно 460×880 см.

Мона Лиза, она же Джоконда - пожалуй, самая известная картина в мире, итальянского художника Леонардо да Винчи, написанная приблизительно между 1503-1505 годами. Как считается, это портрет Лизы Герардини, супруги торговца шёлком из Флоренции. Самая узнаваемая картина в мире принадлежит французскому правительству и хранится в Лувре в Париже.

Поделится в соц. сетях

Даже у многих из нас художественная выставка вызывает порой зевоту и ассоциируется с чем-то скучным и неинтересным: ну картина, ну нарисовано – и что? И кажется, ребенок тем более ничего не поймет. Но если выбрать подходящий сюжет, вместе обсуждать увиденное и делиться впечатлениями – будет весело и детям, и вам. Поэтому, чтобы не было равнодушных взрослых, учиться понимать искусство и уважать труд мастера лучше с ранних лет.

Своими секретами, как привить детям любовь к прекрасному, с «Летидором» поделилась Наталья Игнатова – лектор образовательного проекта Level One и дипломированный историк искусства.

Наталья Игнатова

лектор образовательного проекта Level One и дипломированный историк искусства

Заинтересовать детей художественной выставкой не так сложно, как это кажется на первый взгляд. И под силу всем родителям. Чтобы поход в музей стал доброй семейной традицией, учитывайте возраст юного зрителя и изучайте искусство в игровой форме. Зная своего ребенка, вы сможете рассказать ему историю картины ненавязчиво и доступно, а значит, не перегрузите лишней информацией.

Дошкольники

Малышам от 4 до 6 лет не очень интересно, кто написал то или иное живописное полотно и зачем. Для начала им нужно просто объяснить, что такое музей и вообще картины. Большинство детей в этом возрасте уже знакомы с фотографиями. Они наверняка уже пробовали снимать папу и маму или свои игрушки. Поэтому можно сказать, что картины – это что-то вроде фотографий. Просто раньше ни смартфонов, ни фотоаппаратов не было, и люди могли только рисовать – причем не только реальность, но и сказки.

В дошкольном возрасте прежде всего нужно научить ребенка внимательно смотреть на картины. При этом учитывайте, что в галереях висят полотна с изображением и обнаженной натуры, и сцен насилия. Поэтому заранее продумайте маршрут. В Третьяковской галерее лучше всего сразу пойти в зал с картинами Виктора Васнецова (зал № 26). Идеальная работа для восприятия малышей – это «Богатыри».

В. М. Васнецов «Богатыри» (1898 г.)

Сюжет этой картины, которую очень любил художник, расскажите в виде сказки: «Жили-были три богатыря. Звали их Илья Муромец, Добрыня Никитич и Алеша Попович. И они охраняли свои земли от нашествия врагов. И однажды вышли они в поле и…». Тут можно спросить ребенка, как он думает: видят они врагов или нет? Обратите внимание малыша на то, как выдвинут меч, приготовлена стрела, как смотрят герои картины – в общем, подтолкните его к выводу, что неприятель где-то рядом. Пофантазируйте вместе, а что будет происходить дальше. Предложите ребенку подумать, чем похожи и чем отличаются былинные герои, какие у них характеры.

Кстати, именно эта картина стала последней в коллекции Павла Михайловича Третьякова, которую он купил сам и повесил с Васнецовым на то место, где полотно висит и сейчас.

Помимо сказочных сюжетов, дети с удовольствием будут изучать картины с изображением животных, бытовые сцены и натюрморты.

И. Ф. Хруцкий «Цветы и плоды» (1839 г.)

Подойдите к натюрморту Ивана Хруцкого (зал № 14) и объясните ребенку, что художники часто рисуют все, что видят. Расспросите его, какие фрукты и овощи есть на картине, где спряталось насекомое, какие краски использовал художник, кому какой цвет больше нравится. При этом будет интереснее, если родители тоже поделятся своим впечатлением.

С младшими школьниками уже не обязательно бежать в конкретные залы, опасаясь, что они увидят сцены войны или нежные объятия влюбленных. Можно начать с портретов и объяснить, что это за жанр.

Выбрав изображения разных людей, спросите ребенка, отличаются ли они от нас и чем, а также сыграйте в игру «Угадай, кто это?». Военный, купец или, допустим, царь, с атрибутами власти – державой и скипетром. Расскажите также о том, что портреты различаются по жанру – есть парадные портреты, в полный рост, а есть камерные – по пояс, и предложите определить, где какой.

Кроме того, обратите внимание ребенка на эмоции героев. Для этого рассмотрите, например, лица мужчин на картине Ореста Кипренского «Читатели газет в Неаполе» (зал № 8).

О. А. Кипренский «Читатели газет в Неаполе» (1831 г.)

Один из них читает газету. Можно спросить: что делают другие? Они слушают – это видно по повороту головы одного и задумчивому взгляду другого. Тогда стоит задать вопрос: почему один читает всем? И на него помогут ответить сами родители, немного подготовившись. Все эти люди на картине – иностранцы, и язык, на котором написана газета, знает только один из них. И он переводит. Менее всего интересно чтение собачке, которая смотрит на зрителя и совершенно не понимает, о чем идет речь. Попробуйте показать ребенку, что вы тоже кого-то внимательно слушаете, и предложите ему сравнить, насколько ваше лицо похоже на мимику персонажей картины.

И. И. Левитан «Золотая осень» (1895 г.)

Также в этом возрасте можно полюбоваться пейзажами, такими понятными и яркими. Рассмотрите с ребенком «Золотую осень» Исаака Левитана (зал № 37). Спросите у него: почему это осень, к какому ее периоду относится пейзаж, какие цвета использовал художник, какое настроение вызывает картина.

Попробуйте угадать, какое время года на картине «Мокрый луг» Федора Васильева (зал № 18). Там нарисованы зеленые деревья, растут цветы и солнце пробивается сквозь тучи.

Также познакомьте ребенка с пейзажами Константина Коровина (зал № 43). На его картине «Зимой» вы увидите двор, покрытый снегом, и лошадь, запряженную в сани.

Дойдите и до знакомой каждому с детства картины Алексея Саврасова «Грачи прилетели» (зал № 18). Художник изобразил середину весны, когда становится тепло, поэтому с юга возвращаются птицы, но листья еще не распустились и снег не растаял.

И. И. Шишкин «Утро в сосновом лесу» (1889 г.)

Ну как пройти маленькому сладкоежке мимо такой знакомой картины (зал № 25). Обязательно поделитесь со своим почемучкой секретом: мохнатых зверей на сломанной сосне нарисовал другой художник – Константин Савицкий. В свое время он рассказал родным, что автор продал картину за 4 тысячи рублей, и поэтому стал «участником в 4-й доле». Свою подпись под произведением Савицкий сначала поставил, но потом убрал.

Обратите внимание ребенка на то, что у многих деревьев верхушки как будто срезаны и не помещаются даже на холсте – этим художник хотел передать их мощность и величавость. И мы, как и медведи, оказываемся внутри густой чащи.

Дети от 9 лет и старше

Детям в возрасте 9-11 лет уже можно рассказывать о личности художника и его жизни. Правда, для этого взрослым придется подготовиться или взять аудиогид.

10 Герника

9 Автопортрет Винсента ван Гога без бороды

Автопортрет Винсента ван Гога без бороды - безусловно, самый знаменитый из немногих портретов Винсента ван Гога, который изображает его без бороды. Всего же Винсент Ван Гог написал более 38 своих портретов. Считается что художник, создал эту картину в подарок на день рождения своей матери. На сегодня она является одной из самых дорогих картин всех времён. Была продана за $ 71,5 млн. в 1998 году, и сейчас хранится в частной коллекции.

8 Ночной дозор

7 Девушка с жемчужной серёжкой

6 Постоянство памяти

Постоянство памяти - одна из самых известных картин мира, испанского живописца Сальвадора Дали. Была написана в 1931 году. Является самой узнаваемой его картиной. Это небольшое полотно (24×33 см) впервые было показано на Julien Levy Gallery в 1932 году. Сейчас хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.