Zakonisht, kur shqiptohet shprehja “Mesjeta”, para syve shfaqen kështjella gotike të zymta, gjithçka është e errët, e lënë pas dore, e shurdhër... Ky është një stereotip që për disa arsye është zhvilluar në mendjet e njerëzve. Piktura e kësaj periudhe dëshmon të kundërtën - jo vetëm që nuk është e mërzitshme, por edhe shumë e gjallë.
Arti i Mesjetës: tiparet dhe tendencat
Mesjeta përfaqëson periudhën nga shekulli i pestë deri në shekullin e shtatëmbëdhjetë. Vetë termi e ka origjinën në Itali; besohej se kjo kohë ishte një rënie kulturore; Mesjeta krahasohej vazhdimisht me Antikitetin - dhe krahasimi nuk ishte në favor të të parës.
Ka disa tipare të artit të mesjetës, dhe të gjitha janë të lidhura ngushtë me themelet dhe traditat që mbizotëronin në shoqërinë e asaj kohe. Kështu, kisha dhe dogmat fetare ishin të forta - prandaj feja u bë diçka e zakonshme për kulturën e asaj kohe. Veç kësaj, veçoritë e tij karakteristike ishin asketizmi, refuzimi i traditave të lashta dhe në të njëjtën kohë përkushtimi ndaj lashtësisë, vëmendja ndaj botës së brendshme të njeriut dhe spiritualitetit të tij.
Epoka zakonisht ndahet në disa periudha: mesjeta e hershme(para shekullit të njëmbëdhjetë), u zhvillua (para shekullit të pesëmbëdhjetë) dhe më vonë (para shekullit të shtatëmbëdhjetë). Secila prej këtyre intervaleve, përsëri, ka tendencat e veta. Si nje shembull - mesjeta e hershme u dallua nga një refuzim i plotë i traditave antike, skulptura u zhyt në harresë, lulëzoi arkitekturë prej druri dhe të ashtuquajturat stil kafshësh. Njerëzit, si rregull, nuk përshkruheshin, dhe arti ishte "barbar". Vëmendje e veçantë i është kushtuar ngjyrës.
Mesjeta e zhvilluar, përkundrazi, u përqendrua në Arte të Aplikuara- qilimat, kallëpët ishin në modë, miniaturat e librit.
Në epokën e mesjeta e vonë Filluan të dominojnë stilet romane dhe gotike, në veçanti, ato mbizotëruan në arkitekturë, e cila ishte forma kryesore e artit në këtë periudhë.
Në përgjithësi, në përgjithësi pranohet periodizimi i mëposhtëm i artit të mesjetës: kelt, kristian i hershëm, arti i periudhës së migrimit të popujve, arti bizantin, pararomanik, romanik dhe gotik. Më tej, do të ndalemi më në detaje në zhanret, stilet, teknikat dhe subjektet e pikturës mesjetare. Le të kujtojmë mjeshtrat e famshëm.
Piktura e Mesjetës
NË periudha të ndryshme Gjatë mesjetës dolën në plan të parë lloje të ndryshme arti - skulptura, arkitektura. Nuk mund të thuhet se piktura mbeti anash. Me kalimin e kohës dhe nën ndikimin e ndryshimeve në shoqëri, ajo gjithashtu ndryshoi, si rezultat i së cilës pikturat u bënë më realiste dhe artistëve u shfaqën teknika, tema dhe këndvështrime të reja për krijimtarinë. Kështu, për shembull, përkundër faktit se tendenca për të pikturuar kanavacë me tema fetare mbeti e njohur në pikturën mesjetare të çdo periudhe (megjithatë, pas shekullit të trembëdhjetë filloi të ndodhte shumë më rrallë), me rritjen e arsimit ato u bënë më të i zakonshëm të ashtuquajturat piktura laike - përmbajtje të përditshme, duke reflektuar jetë e thjeshtë njerëzit e zakonshëm(duke përfshirë edhe fisnikërinë, natyrisht). Kështu lindi piktura realiste, jo karakteristike e epokës. mesjeta e hershme. Pikturat filluan të përshkruajnë jo botën shpirtërore, por materiale.
Miniaturat e librave u përhapën - në këtë mënyrë ata u përpoqën të përmirësonin dhe dekoronin librat, duke i bërë ata më tërheqës për blerësit e mundshëm. U shfaqën gjithashtu piktura murale, si dhe mozaikë, të cilët dekoronin muret e jashtme dhe të brendshme të kishave - për këtë duhet të falënderojmë Urdhrin Françeskan, për të cilin u ndërtua. nje numer i madh i struktura të ngjashme. E gjithë kjo ndodhi pas shekullit të trembëdhjetë - përpara se pikturës të mos i kushtohej kaq vëmendje, ajo luajti një rol dytësor dhe nuk konsiderohej diçka e rëndësishme. Fotografitë nuk u pikturuan - ato u "pikturuan", dhe kjo fjalë pasqyron plotësisht qëndrimin ndaj këtij lloji të artit në atë periudhë kohore.
Me lulëzimin e pikturës në mesjetë, u kuptua se piktura e telajove artistike ishte pjesa e atyre që vërtet e dinë dhe e duan këtë zanat. Pikturat nuk “pikturoheshin” më; krijimi i tyre nuk trajtohej më si një kalim kohe zbavitëse e arritshme për të gjithë. Si rregull, çdo pikturë kishte klientin e vet, dhe këto porosi bëheshin ekskluzivisht për një qëllim specifik - kanavacat u blenë për shtëpi fisnike, për kisha, etj. Është karakteristike se shumë artistë të mesjetës nuk i firmosnin veprat e tyre - kjo ishte një zanat i zakonshëm për ta, njësoj si prodhimi i simiteve për një bukëpjekës. Por piktorët e asaj periudhe u përpoqën t'u përmbaheshin rregullave të pathëna: të ndikonin emocionalisht tek ai që do të shikonte telajon; injoroni dimensionet reale - për të dhënë efekt më të madh; përshkruani periudha të ndryshme kohore me të njëjtin hero në figurë.
Ikonografi
Pikturimi i ikonave ishte forma kryesore e artit në mesjeta e hershme. Këto piktura, ose më mirë ikona, konsideroheshin si një lloj predikimi që mëson pa fjalë. Kjo ishte një lidhje me Zotin e arritshme për të gjithë, sepse shumë njerëz në atë kohë ishin analfabetë, që do të thotë se ata nuk mund të lexonin tekstet e lutjeve ose ndonjë libër kishtar në përgjithësi. Ikonat u përcillnin njerëzve të zakonshëm atë që letra nuk mund të transmetonte. Tipar karakteristik Ikonografia përfshinte deformim të bustit - kjo u bë për të bërë një përshtypje më të madhe emocionale tek audienca.
arti bizantin
Duke folur për kulturën e mesjetës, nuk mund të mos thuash të paktën disa fjalë për pikturën në Bizant në mes shekulli. Ky ishte i vetmi vend ku ata i qëndruan besnikë traditave të vjetra të mira të artit helenistik. kultura bizantine arriti të ndërthurë në mënyrë harmonike argëtimin dhe spiritualizmin ("shpirti mbi trupin"), të cilat i erdhën asaj nga Lindja. Nën ndikimin e Bizantit, më pas u formuan kulturat e shumë vendeve të tjera - në veçanti, Rusia.
Ideja kryesore në pikturë në Bizant në Mesjetë ishte ideja e botës si një pasqyrë. Kjo "pasqyrë", sipas ideve të të lashtëve, duhej të pasqyronte botën shpirtërore të njeriut me ndihmën e simboleve të veçanta - këto simbole ishin pikturat. Shumë vëmendje iu kushtua dritës dhe ngjyrës. Në kanavacë, si rregull, lartësia e plotë figura njerëzore përshkruheshin - në qendër, Jezu Krishti ose Nëna e Zotit, shenjtorë të ndryshëm, pas tyre dhe pranë tyre - pjesa tjetër e rrethinës së tyre. Nëse ishte e nevojshme të tregohej heronj negativë(i njëjti Juda), më pas janë shkruar në profil. E veçanta e përshkrimit të personazheve në piktura ishte skicimi i tyre i shoqëruar me rëndësinë. Ata dukej se "shtonin në peshë", por në të njëjtën kohë u bënë të sheshta. Perspektiva nuk mund të gjenden as në pikturat e artistëve bizantinë.
Por bizantinët ndoqën me shumë kujdes një nga rregullat e pikturës mesjetare - të gjitha figurat që ishin të pranishme në kanavacat e tyre, për qartësi më të madhe, përshkruhen jo në madhësi reale dhe në shkelje të përmasave: ose me një kokë shumë të madhe dhe sy të mëdhenj, ose me një qafë të zgjatur dhe bust të zgjatur, pastaj me mungesë të gjymtyrëve e kështu me radhë. Është karakteristikë se artistët nuk kanë pikturuar nga jeta. Ndër temat mbizotëruese në pikturën bizantine, mund të veçohet një figurë e kryqëzuar në një kryq - një simbol i vuajtjes, një figurë e një gruaje me krahë të shtrirë - një simbol i një nëne, një figurë me një aureolë - një simbol i shenjtërisë, një figura e një engjëlli me krahë - një simbol i pastërtisë dhe pafajësisë.
Stilet
Stili kryesor i pikturës në fillim të mesjetës në Evropën Perëndimore konsiderohet të jetë romanik. Pak më vonë u shfaq stili gotik. Megjithatë, para ardhjes së të dyjave, piktura ekzistonte ende. Siç u përmend më lart, ky ishte i ashtuquajturi art barbar, i cili kishte pak të përbashkëta me kulturën e kohëve të lashta. Njerëzit kishin frikë nga natyra dhe e hyjnizuan atë, gjë që u pasqyrua në pikturë - imazhet e natyrës, si dhe njerëzit, në art. mesjeta e hershme shume pak. Kryesisht, stoli ishte i popullarizuar, ku u shfaq stili i përmendur tashmë "kafshë". Kjo vazhdoi deri në shekullin e tetë, kur gradualisht imazhet e Krishtit dhe figurë njerëzore në thelb.
flamandët
Shekulli i pesëmbëdhjetë i solli lavdi Flanders - ishte në këtë zonë që një e re teknikë unike, e cila pati një ndikim të madh në të gjithë artin dhe në një moment u bë e njohur. Po flasim për shpikjen e bojrave të vajit. Falë shtimit të vajit vegjetal në përzierjen e ngjyrave, ngjyrat u bënë më të ngopura dhe vetë bojërat thaheshin shumë më shpejt se tempera që piktorët kishin përdorur më parë. Pasi u përpoqën të aplikonin shtresë pas shtrese, mjeshtrit ishin të bindur për mundësitë dhe perspektivat që u ishin hapur - ngjyrat luajtën në një mënyrë krejtësisht të re, dhe efektet që u përftuan në këtë mënyrë eklipson absolutisht të gjitha arritjet e mëparshme.
Nuk dihet me siguri se kush është saktësisht shpikësi i bojrave të vajit. Shpesh shfaqja e tyre i atribuohet, ndoshta, vetë te mjeshtri i famshëm flamand shkolla - Jan van Eyck. Edhe pse edhe para tij Robert Campin, i cili, në fakt, konsiderohet themeluesi, ishte mjaft popullor Piktura flamande. Sidoqoftë, kjo ishte falë van Eyck bojëra vaji janë bërë kaq të përhapura në të gjithë Evropën.
Artistë të shquar
Piktura mesjetare i dha botës shumë emra të mrekullueshëm. Tashmë i përmendur më lart, Jan van Eyck është një piktor i shkëlqyer portretesh, puna e të cilit ndryshon nga të tjerët lojë interesante dritën dhe hijen. Një tipar karakteristik i pikturave të tij është detajimi i përpiktë i detajeve më të vogla. Një tjetër flamand, Rogier van der Weyden, nuk ishte aq i vëmendshëm ndaj detajeve, por ai vizatoi konturet shumë të qarta dhe u fokusua në nuanca shumëngjyrëshe dhe të ndritshme.
Ndër mjeshtrit italianë, përveç atyre që përmendëm më sipër, vlen të përmendet Duccio dhe Cimabue, themeluesit e realizmit dhe Giovanni Bellini. Gjithashtu, gjurmë të mëdha në art lanë edhe spanjolli El Greco, holandezi Hieronymus Bosch, gjermani Albrecht Durer e të tjerë.
- Fjala "miniaturë" vjen nga minium - ky është emri latin për minium, i cili përdorej për të shkruar shkronja të mëdha në tekste në Mesjetë.
- Model për pikturën " darka e fundit“Leonardo da Vinci u bë një pijanec i zakonshëm.
- Në çdo shekull të ri, sasia e ushqimit në natyra të qeta rritej.
- Piktura e Titianit "Dashuria tokësore dhe dashuria qiellore" i ndryshoi ato katër herë përpara se të merrte një emër të tillë.
- Artisti Giuseppe Arcimboldo i kompozoi pikturat e tij nga perime, fruta, lule etj. Shumë pak nga veprat e tij kanë arritur tek ne.
Piktura e mesjetës, si e gjithë kultura e kësaj periudhe, është një shtresë unike që mund të studiohet me shekuj. Përveç kësaj, kjo është me të vërtetë një kryevepër e trashëgimisë, e cila është përgjegjësia jonë e drejtpërdrejtë për ta ruajtur për pasardhësit.
Mesjeta shpesh përshkruhet si e errët dhe e zymtë. Kjo u lehtësua luftërat fetare, aktet e inkuizicionit, mjekësi e pazhvilluar. Megjithatë, ata lanë shumë monumente kulturore të denjë për admirim për pasardhësit. Arkitektura dhe skulptura nuk qëndruan ende: duke përthithur tiparet e kohës, ato lindën stile dhe tendenca të reja. Bashkë me ta vazhdoi pa pushim edhe piktura e mesjetës. Kjo është ajo për të cilën do të flasim sot.
Në bashkëpunim të ngushtë
Nga shekulli 11 deri në 12 në çdo gjë arti evropian Dominonte stili romanik. Ajo mori shprehjen e saj kryesore në arkitekturë. Tempujt e asaj kohe karakterizoheshin nga një strukturë trenefëshe, ose më rrallë pesënefshe e bazilikës, dritare të ngushta që nuk jepnin shumë ndriçim. Arkitektura e kësaj periudhe shpesh quhet e zymtë. Stili romanik në pikturën e Mesjetës u dallua gjithashtu nga njëfarë ashpërsie. Pothuajse tërësisht kultura artistike iu kushtua temave fetare. Për më tepër, aktet hyjnore përshkruheshin në një mënyrë mjaft kërcënuese, në përputhje me frymën e kohës. Mjeshtrit nuk i vunë vetes detyrën për të përcjellë detajet e ngjarjeve të caktuara. Fokusi i tyre ishte kuptimi i shenjtë, pra, piktura e mesjetës, duke u ndalur shkurtimisht në detaje, para së gjithash përçoi kuptimin simbolik, duke shtrembëruar përmasa dhe raporte për këtë qëllim.
Thekse
Artistët e asaj kohe nuk dinin perspektivë. Në kanavacat e tyre personazhet janë në të njëjtën linjë. Sidoqoftë, edhe me një shikim të shkurtër, është e lehtë të kuptohet se cila figurë është kryesore në imazh. Për të krijuar një hierarki të qartë të personazheve, mjeshtrit i bënë disa dukshëm më të gjatë se të tjerët. Kështu, figura e Krishtit ngrihej gjithmonë mbi engjëjt, dhe ata, nga ana tjetër, dominonin mbi njerëzit e zakonshëm.
Kjo teknikë kishte anën e pasme: Ai nuk dha shumë liri në paraqitjen e detajeve të mjedisit dhe sfondit. Si rrjedhim, piktura e mesjetës së asaj periudhe i kushtoi vëmendje vetëm pikave kryesore, pa u munduar të kapte atë dytësore. Pikturat ishin një lloj diagrami që përcillte thelbin, por jo nuancat.
Subjektet
Piktura e Mesjetës Evropiane në stilin romanik ishte e mbushur me imazhe të ngjarjeve dhe personazheve fantastike. Preferenca u jepej shpesh historive të zymta që tregonin për dënimin e ardhshëm qiellor ose veprat monstruoze të armikut të racës njerëzore. Skenat nga Apokalipsi janë bërë të përhapura.
Faza e tranzicionit
Arti i bukur i periudhës romane e tejkaloi pikturën e mesjetës së hershme, kur, nën presionin e ngjarjeve historike, shumë nga llojet e tij praktikisht u zhdukën dhe simbolika mbizotëronte. Afresket dhe miniaturat e shekujve 11-12, duke shprehur përparësinë e shpirtërores ndaj materialit, hapën rrugën për zhvillimin e mëtejshëm. drejtime artistike. Piktura e asaj periudhe u bë një fazë e rëndësishme kalimtare nga arti simbolik i zymtë i kohës dhe bastisjet e vazhdueshme barbare në një nivel të ri cilësor, që e ka origjinën në epokën gotike.
Ndryshime të favorshme
Ideologu i rendit, Françesku i Asizit, solli ndryshime jo vetëm në jetën fetare, por edhe në botëkuptimin e njerëzve mesjetarë. Të udhëhequr nga shembulli i tij i dashurisë për jetën në të gjitha manifestimet e saj, artistët filluan t'i kushtojnë më shumë vëmendje realitetit. Në telajot artistike, ende me përmbajtje fetare, filluan të shfaqen detaje të situatës, të pikturuara me aq kujdes sa personazhet kryesore.
Gotike italiane
Piktura në territorin e trashëgimtares së Perandorisë Romake fitoi shumë tipare progresive mjaft herët. Këtu jetuan dhe punuan Cimabue dhe Duccio, dy themelues të realizmit të dukshëm, i cili deri në shekullin e 20-të mbeti drejtimi kryesor në artet figurative të Evropës. Imazhet e altarit shfaqjet e tyre shpesh përshkruanin Madonën dhe Fëmijën.
Giotto di Bondone, i cili jetoi pak më vonë, u bë i famshëm për pikturat e tij që përshkruanin njerëz krejtësisht tokësorë. Personazhet në kanavacat e tij duken të gjalla. Giotto ishte në shumë mënyra përpara epokës së tij dhe vetëm pas një kohe u njoh si një artist i madh dramatik.
Afresket
Piktura e Mesjetës ende në Periudha romane pasuruar me një teknikë të re. Mjeshtrit filluan të aplikonin bojë mbi suva ende të lagur. Kjo teknikë shoqërohej me vështirësi të caktuara: artisti duhej të punonte shpejt, duke pikturuar fragment pas fragmenti në ato vende ku veshja ishte ende e lagur. Por kjo teknikë dha fryt: boja, duke u zhytur në suva, nuk u shkërmoq, u bë më e ndritshme dhe mund të qëndronte e paprekur për një kohë shumë të gjatë.
Prespektive
Piktura e mesjetës në Evropë fitoi ngadalë thellësi. Një rol të rëndësishëm në këtë proces luajti dëshira për të përcjellë realitetin në foto me të gjitha vëllimet e tij. Ngadalë, duke përmirësuar aftësitë e tyre me kalimin e viteve, artistët mësuan të përshkruanin perspektivën, t'u jepnin trupave dhe objekteve një ngjashmëri me origjinalin.
Këto përpjekje janë qartësisht të dukshme në punimet që lidhen me ndërkombëtare ose gotike ndërkombëtare, e cila u zhvillua në fund të shekullit të 14-të. Piktura mesjetare e asaj periudhe kishte veçori të veçanta: vëmendje ndaj detajeve të vogla, pak sofistikim dhe sofistikim në përcjelljen e imazheve dhe përpjekje për të ndërtuar perspektivë.
Libër miniaturë
Tiparet karakteristike të pikturës së kësaj periudhe vihen re më qartë në ilustrimet e vogla që zbukuronin librat. Ndër të gjithë mjeshtrit e miniaturave, meritojnë përmendje të veçantë vëllezërit Limburg, të cilët jetuan në fillim të shekullit të 15-të. Ata punuan nën patronazhin e Dukës Jean of Berry, i cili ishte vëllai më i vogël i mbretit të Francës, Charles V. Një nga veprat më të famshme të artistëve ishte "Libri i mrekullueshëm i orëve të Dukës së Berry". Ai u solli lavdi vëllezërve dhe mbrojtësit të tyre. Sidoqoftë, deri në vitin 1416, kur humbi gjurma e Limburgëve, ajo mbeti e papërfunduar, por dymbëdhjetë miniaturat që mjeshtrit arritën të pikturojnë karakterizojnë talentin e tyre dhe të gjitha tiparet e zhanrit.
Transformimi cilësor
Pak më vonë, në vitet '30 të shekullit të 15-të, piktura u pasurua me një stil të ri, i cili më pas pati një ndikim të madh në të gjitha artet e bukura. Bojërat e vajit u shpikën në Flanders. Vaji vegjetal i përzier me ngjyra i dha përbërjes veti të reja. Ngjyrat janë bërë dukshëm më të ngopura dhe më të gjalla. Përveç kësaj, nevoja për të nxituar, e cila shoqëronte pikturën me tempera, u zhduk: e verdha që përbënte bazën e saj u tha shumë shpejt. Tani piktori mund të punonte me maturi, duke i kushtuar vëmendjen e duhur të gjitha detajeve. Shtresat e penelave të aplikuara njëra mbi tjetrën hapnin mundësi të panjohura deri tani për lojën e ngjyrave. Kështu, bojërat e vajit hapën një botë krejtësisht të re, të panjohur për mjeshtrit.
Artist i njohur
Robert Campin konsiderohet themeluesi i një lëvizjeje të re në pikturë në Flanders. Megjithatë, arritjet e tij u eklipsuan nga një ndjekës i tij, i njohur sot për pothuajse të gjithë të interesuarit në artet figurative. Ishte Jan van Eyck. Ndonjëherë shpikja e bojrave të vajit i atribuohet atij. Me shumë mundësi, Jan van Eyck vetëm përmirësoi teknologjinë e zhvilluar tashmë dhe filloi ta përdorë atë me sukses. Falë pikturave të tij, bojërat e vajit u bënë të njohura dhe në shekullin e 15-të u përhapën përtej Flanders - në Gjermani, Francë dhe më pas në Itali.
Jan van Eyck ishte një piktor i madh portretesh. Ngjyrat në kanavacat e tij krijojnë atë lojë dritëhije që shumë prej paraardhësve të tij u mungonte për të përcjellë realitetin. Ndër veprat e famshme të artistit janë "Madonna e kancelarit Rolin" dhe "Portreti i çiftit Arnolfini". Nëse e shikoni nga afër këtë të fundit, bëhet e qartë se sa domethënëse ishte aftësia e Jan van Eyck. Sa vlejnë palosjet e veshjeve të shkruara me kujdes?
Megjithatë puna kryesore mjeshtër - "The Ghent Altarpiece", i përbërë nga 24 piktura dhe që përshkruan më shumë se dyqind figura.
Jan van Eyck me të drejtë quhet më shumë përfaqësues Rilindja e hershme, si mesjeta e vonë. shkollë flamande në përgjithësi u bë një lloj etape e ndërmjetme, vazhdimi logjik i së cilës ishte arti i Rilindjes.
Piktura mesjetare, e trajtuar shkurtimisht në artikull, është e madhe si në kohë ashtu edhe në rëndësi. fenomen kulturor. Pasi kaloi nga kujtimet joshëse, por të paarritshme të madhështisë së Antikitetit në zbulimet e reja të Rilindjes, ajo i dha botës shumë vepra, në në një masë të madhe duke treguar jo për formimin e pikturës, por për kërkimin e mendjes njerëzore, të kuptuarit e tij për vendin e tij në Univers dhe marrëdhënien e tij me natyrën. Të kuptuarit e thellësisë së shkrirjes së shpirtit dhe trupit, karakteristikë e Rilindjes, rëndësia e parimeve humaniste dhe disa kthime në kanunet bazë të artit të bukur grek dhe romak do të jenë të paplota pa studiuar epokën që i parapriu. Ishte në mesjetë që lindi një ndjenjë e madhësisë së rolit të njeriut në Univers, aq e ndryshme nga imazhi i zakonshëm i një insekte, fati i të cilit është plotësisht në fuqinë e një perëndie të frikshme.
Periudha e zhvillimit të kulturës dhe artit Europa Perëndimore nga rënia e Perandorisë Romake Perëndimore (shek. V) deri në fillimin e Rilindjes (shek. XV), për herë të parë u quajt "Mesjeta" nga shkrimtarët humanistë italianë. Ata e konsideruan këtë kohë të egër dhe barbare në kontrast me antikitetin dhe kulturën e kohës së tyre. Më vonë, shkencëtarët e rishikuan këtë vlerësim negativ. Një studim i hollësishëm i monumenteve artistike, dokumenteve dhe veprave letrare çoi në përfundimin se arti mesjetar ishte një fazë e rëndësishme dhe domethënëse në zhvillimin e kulturës botërore.
Në historinë e artit të Evropës Perëndimore të Mesjetës, është zakon të dallohen tre periudha - arti i mesjetës së hershme (shek. V-IX), arti romanik dhe gotiku. Dy emrat e fundit janë të kushtëzuar. Romaneskë (nga fjala latine "Roma" - "Romë") arkeologë të shekullit të 19-të. Ata emërtuan ndërtesat e shekujve 10-12, në të cilat gjetën ngjashmëri me arkitekturën romake, dhe më pas filluan ta quajnë artin e epokës në tërësi. I gjithë arti mesjetar u quajt fillimisht gotik. Humanistët italianë e konsideruan atë produkt të gotëve, në fillim të shekullit të 5-të. pushtoi Romën. Kur u shfaq termi "art romanik", gotiku filloi të kuptohej si vepra të arkitekturës, skulpturës dhe pikturës nga mesi i shekujve 12-15, të cilat ndryshonin nga paraardhësit e tyre në origjinalitetin e tyre të theksuar.
Odo nga Metz. Brendësia e kapelës së pallatit në Aachen. NE RREGULL. 798-805.
Epoka e mesjetës së hershme ishte koha e formimit të një kulture të re, e cila u krijua në territorin e Evropës nga fiset e huaja. Romakët i quanin barbarë. Pasi mundën Romën dikur të fuqishme, popujt barbarë formuan mbretëritë e tyre në territorin e perandorisë së pushtuar. Sundimtarët e rinj të Evropës nuk dinin të ndërtonin ndërtesa prej guri me aq mjeshtëri sa romakët, dhe ata jashtëzakonisht rrallë dhe në mënyrë shumë konvencionale përshkruanin njerëzit në art. Bota e kafshëve fantastike dhe model kompleks stolitë me të cilat dekoronin produkte prej metali, druri, kocke, veshje, armë dhe vegla rituale.
Fillimisht, pushtuesit tërhoqën ndërtuesit dhe artistët që jetonin në tokat që ata pushtuan, por aftësitë e aftësive të larta ndërtimore u humbën gradualisht dhe stoli kërcënoi të zëvendësonte përgjithmonë traditat e lashta të përshkrimit të njerëzve.
Ndërsa Evropa mori formë marrëdhëniet feudale, fuqia qendrore u forcua, mendimi për fuqinë dhe madhështinë e Romës së Lashtë tërhoqi sundimtarët e shteteve të reja, të cilët ëndërronin për lavdinë e Cezarëve romakë. Mbreti frank Charlemagne, krijuesi i një fuqie të madhe, duke u përpjekur të rrethonte fuqinë e tij me madhështi dhe shkëlqim, u kurorëzua në Romë dhe u përpoq të ringjallte traditat e kulturës romake në oborrin e tij. Në rezidencën e Charles në Aachen, u ndërtua një pallat dhe pranë tij - një kishë pallati - një kishëz. Eshte i ruajtur mire. Modeli për të ishte Kisha e San Vitale në Ravenna, nga ku u sollën kolonat e mermerit të instaluara në kapelë. Por në përgjithësi, krijimi i arkitektit frank është më i rëndë dhe më masiv se tempulli bizantin.
Ndërtesat fetare mbizotëronin midis arkitekturës së gurit të epokës karolingiane (e ashtuquajtura dinastia e mbretërve frankë, përfaqësuesi më i shquar që ishte Karli i Madh). Kjo ishte për shkak të atij roli të veçantë.
çfarë roli luajti kisha në jetën e shoqërisë mesjetare. Pronarja më e madhe feudale, ajo justifikoi sistemin ekzistues me mësimet e saj dhe, si klienti kryesor vepra arti, drejtoi fuqishëm zhvillimin e artit në interesat e saj. Nën ndikimin e saj, filluan të shfaqen rregulla strikte për përshkrimin e subjekteve të shenjta, të detyrueshme për çdo artist.
Kisha në Paray-le-Monial. NE RREGULL. 1100. Francë.
Kishat dhe pallatet e Karolingëve ishin zbukuruar me piktura dhe mozaikë, dhe skulptura u gjetën gjithashtu në tempuj. Megjithatë, shumë monumente humbën dhe ne mund të gjykojmë punën e artistëve karolingianë vetëm nga pllakat e gdhendura prej fildishi që kanë ardhur deri tek ne. bizhuteri, korniza të çmuara librash të shkruar me dorë dhe kryesisht të bazuara në ilustrimet në këto libra - miniaturë. Librat ishin të rrallë në mesjetën e hershme. Ato u krijuan me urdhër të perandorëve, feudalëve të mëdhenj, peshkopëve dhe abatëve të manastireve në punëtori të veçanta - scriptoria. Në epokën karolingiane, scriptoria ekzistonte në oborrin mbretëror dhe në qendrat e mëdha kishtare. Ndryshe nga paraardhësit e tyre, artistë të shekujve 8-9. studioi me kujdes veprat e mjeshtërve romakë dhe bizantinë dhe mësoi shumë prej tyre. Elementi kryesor i dizajnit në libra ishin miniaturat e tregimeve që përshkruanin personazhet% peizazhe, sfond arkitektonik (shih Miniaturë).
Në epokën romane, arkitektura luajti një rol kryesor në krijimtarinë artistike. Deri në shekullin e 11-të. ndërtime të gjera prej guri u zhvilluan në të gjithë Evropën. Gjatë ndërtimit të ndërtesave prej guri, arkitektët mesjetarë hasën një sërë vështirësish teknike, veçanërisht gjatë ndërtimit të tavaneve: trarët dhe tavanet prej druri shpesh digjeshin, ndërsa strukturat prej guri - harqet, kupolat, qemerët - kishin konturet gjysmërrethore dhe, si një hark, dukej se përpiqeshin të largoni muret e ndërtesës në anët. Në përpjekje për të shmangur këtë, arkitektët romanikë bënë mure shumë të trasha dhe shtylla masive dhe mbështetëse.
Në Evropën e fragmentuar, ndërluftuese të shekujve X-XII. Llojet kryesore të strukturave arkitekturore ishin kështjella e kalorësit, ansambli i manastirit dhe tempulli. Në epokën e grindjeve civile dhe luftërave, ndërtesat prej guri shërbenin si mbrojtje nga sulmet. Prandaj, ndërtesat romane janë shumë të ngjashme me një kështjellë: ato kanë mure masive, dritare të ngushta dhe kulla të larta.
Figurat e apostujve. Fragment i dekorimit skulpturor të fasadës së Kishës së St. Trofimi në Arles. NE RREGULL. 1180-1200. Franca.
Arti romanik u zbulua më qartë në arkitekturën e ndërtesave të kishave, dekorimin e tyre piktural dhe skulpturor. tempull romanik karakterizohet nga bukuria e ashpër, e guximshme, dallohet nga mbresëlënja dhe fuqia solemne. Në Evropën Perëndimore, kishat kishin një pjesë të mesme të zgjatur. Brenda, kjo dhomë ndahej me rreshta mbështetësesh, shtyllash ose, më shpesh, arkadat në salla më të ngushta gjatësore - nef. Në anën perëndimore, ku ndodhej hyrja, ishte e kornizuar ose e kurorëzuar me kulla; në pjesën lindore kishte një vend të shenjtë të tempullit - një altar. Ajo u shënua nga një kamare e veçantë - absida. Pjesa e altarit të kishës paraprihej nga një nef tërthor. Distanca nga hyrja e altarit me ndriçim të shkëlqyeshëm, shtegu drejt të cilit shtrihej përmes neosit të muzgut, theksoi distancën që atëherë besohej se ndante njeriun nga Zoti.
Pjesa e brendshme e kishave romane ishte e pikturuar me afreske dhe pjesa e jashtme ishte zbukuruar me relieve të pikturuara me ngjyra të ndezura mbi tema biblike. Pjesët kurorëzuese të kolonave - kapitele - ishin zbukuruar me imazhe skulpturore të komplotit. Artistët e epokës romane nuk e humbën shijen e tyre për dekorimin dekorativ, por ata ishin shumë më të tërhequr nga imazhet e njeriut dhe veprimet e tij. Mjeshtrit e asaj kohe filluan të kthehen më shpesh në trashëgiminë e së kaluarës, njihnin veprat e artistëve bizantinë dhe ishin vëzhgues. Ata dinin të dallonin dhe të përcillnin një pozë shprehëse, një gjest karakteristik dhe të tregonin një histori argëtuese për një ngjarje. Për ta bërë këtë histori më ekspresive, mjeshtrit romane shpesh shkelnin përmasat e trupit të njeriut, duke u rritur pjesë individuale, lëvizje të ekzagjeruara.
Shpesh, piktorët dhe skulptorët i linin të lirë imagjinatës së tyre dhe "popullonin" muret e tempujve ose faqet e dorëshkrimeve me imazhe krijesash fantastike, figura akrobatësh, zogjsh dhe kafshësh, imazhe të huazuara nga besimet popullore.
Pak vepra të artit laik kanë mbijetuar nga epoka romane. Prandaj, me interes të veçantë është qilimi i madh i qëndisur që dekoroi Katedralen Bayeux në Francë (shekulli i 11-të). Skenat e paraqitura në të tregojnë historinë e pushtimit të Anglisë nga normanët.
Deri në shekullin e 12-të. kryesore qendrat kulturore kishte manastire ku kishte më të arsimuarit, diskutoheshin problemet e ndërtimit, kopjoheshin libra. Në shekullin e 12-të. primati filloi të kalonte në qendra të reja ekonomike dhe kulturore - qytete. Këtu lindi shkenca mesjetare, lulëzuan zanatet dhe krijimtarisë artistike. Qytetet luftuan me feudalët për pavarësinë e tyre. Mendimi i lirë dhe qëndrimi kritik ndaj sistemit feudal lindi në mesin e banorëve të qytetit. Në këtë periudhë lulëzoi poezia kalorësiake dhe mori formë letërsia e klasës urbane. Kryqëzatat ndryshuan kuptimin gjeografik të evropianëve dhe zgjeruan njohuritë e tyre për botën përreth tyre. Ajo dukej e madhe dhe dinamike.
Brendësia e Katedrales Notre Dame në Reims. shekulli XIII Franca.
Në këtë kohë, në Francë, ku pushteti mbretëror luftoi për bashkimin e vendit, filloi të merrte formë arti gotik, i cili më pas u përhap në Angli, Gjermani, Spanjë, Republikën Çeke dhe vende të tjera evropiane.
Arkitektura mbeti forma kryesore e artit gjatë epokës gotike. Ajo mishëroi në mënyrë më të gjallë idetë e reja për botën përreth saj. Llojet e tjera të artit, kryesisht skulptura, filluan të fitojnë rëndësi të pavarur. Krijimi më i lartë i stilit gotik është katedralja madhështore e qytetit. Në vendlindjen e artit gotik, në Francë, u ngritën katedrale në një nga sheshet e qytetit. Ndërtuesit që punuan në krijimin e një ndërtese madhështore u bashkuan në një organizatë të veçantë - një shtëpizë, e cila përfshinte muratorë, marangozë, skulptorë dhe fryrës xhami, të cilët bënin xham me ngjyrë për dritare me njolla. Ndërtimi drejtohej nga kryemjeshtri, një arkitekt me përvojë dhe të aftë. Arkitektët e katedraleve gotike ishin eksperimentues të guximshëm. Ata ishin në gjendje të zhvillonin një dizajn kompleks që bëri të mundur dallimin e kornizës së ndërtesës nga mbështetësit e kasafortës dhe shtyllave mbështetëse shtesë - mbështetëse. Harkat e posaçme lidhëse - mbështetëse fluturuese - transferuan presionin e harqeve të nefit qendror, i cili ishte më i lartë se ato anësore, në mbështetëset e vendosura përgjatë mureve. Tani nuk ishte muri, por kjo strukturë në tërësi që mbante qemerët, kështu që mjeshtrat gotikë prenë me guxim dritaret në mure dhe ndërtuan arkada të lehta dhe të larta midis mbështetësve. Stili gotik karakterizohet nga harqe me majë, me drejtim lart. Ata theksuan butësinë dhe aspiratën lart të arkitekturës gotike. Në Francë, mjeshtrit i kushtuan vëmendje të veçantë dizajnit të fasadës perëndimore, e cila ishte e dekoruar në mënyrë të pasur me skulpturë. Imazhe skulpturore u vendosën edhe në portalet në anët e neosit tërthor. Brenda katedrales, shtyllat e holla, të rrethuara me gjysmëkolona të holla, u ngritën me shpejtësi deri në harqet e mprehta; arkadat krijuan një perspektivë madhështore të nefeve.
Në altar, nefet anësore dhe niveli i sipërm Dritaret e shumta të nefit qendror shkëlqenin me xham me njolla shumëngjyrëshe. Në varësi të motit, kohës së ditës ose vitit, drita që depërton nëpër xhamin me ngjyrë ngjyrosi brendësinë e tempullit në mënyra të ndryshme, duke i bërë ato ose misterioze ose plot gëzim festive.
Skulptura gotike, në krahasim me romane, është më shumë si një statujë e rrumbullakët. Shifrat, edhe pse të vendosura përballë një kolone ose muri, janë bërë më voluminoze, ato dalin më me guxim në hapësirë reale. Temat e imazheve janë bërë gjithashtu më të ndryshme. Së bashku me subjektet e kishës, u shfaqën figura të filozofëve të lashtë, mbretër, imazhe të vërteta të përfaqësuesve të kombeve të ndryshme dhe ilustrime të fabulave ndërtuese. Imazhet e shenjtorëve filluan të ngjasojnë me ato të bashkëkohësve të tyre dhe u shfaqën përpjekjet e para për të krijuar portrete të personave laikë. Më parë, imazhe të tilla u gjetën vetëm në gurët e varreve të feudalëve fisnikë dhe përfaqësuesve të shquar të kishës. Mjeshtrit mesjetarë nuk punuan nga jeta dhe krijuan imazhe portrete ideale dhe përfaqësuese. Në epokën gotike, artistët tashmë po përpiqen t'i japin modelit tipare realiste. Skulptorët, të cilët krijuan dymbëdhjetë statuja të feudalëve që dhuruan fonde për ndërtimin e tempullit rreth vitit 1250 në qytetin gjerman të Naumburgut, nuk mund të shihnin ata të portretizuar, të cilët kishin vdekur shumë kohë më parë. Sidoqoftë, mjeshtrit i pajisën ata tipare individuale, fytyra shprehëse, gjeste karakteristike.
Së bashku me tempujt në epokën gotike, shumë vëmendje iu kushtua ndërtimit të ndërtesave laike - bashkive, arkadat e blerjeve, spitale dhe magazina. Dhomat shtetërore në kështjella u rindërtuan në mënyrë të pasur. Në qytete, gradualisht u shfaqën dy sheshe - katedralja dhe tregu. Qyteti mbrohej nga mure të larta me porta hyrëse. Bashkia, ndërtesa e magjistratit të qytetit, ishte një simbol i qeverisjes së qytetit. Në vendet ku qytetet po lulëzonin, bashkitë ndonjëherë mund të rivalizonin katedralet në madhështinë e tyre.
Dedikuar të gjitha vajzave
vajza, gra dhe gjyshe!
Artistët e shekullit të 15-të filluan të mbulonin kanavacat e tyre me një qilim të dendur bimësh, duke imituar sixhade. Përpara jush shihni një sixhade Burgundiane që përshkruan një njëbrirësh të robëruar.
Tradita e përshkrimit të bimëve të ndryshme, dhënies së tyre kuptim simbolik, u shfaq në antikitet. Po, gjethet acanthus konsideroheshin simbol i vdekjes.
Në sixhade, bimët përshkruhen me një saktësi çuditërisht "botanike", por duket se tani për tani ato shërbejnë vetëm si dekor.
Në skenën e gjuetisë së njëbrirëshit, në këndin e poshtëm të djathtë është pemë portokalli. Ishte një bimë ekzotike, konsiderohej simbol i parajsës.
Udhëtimi në vendet e largëta lejoi evropianët të njiheshin me bimë të reja - hurma, Për shembull.
Shpesh lloje të ndryshme bimësh zbukuronin margjinalet e dorëshkrimeve.
Legjenda për vetitë magjike të rrënjës ishte shumë e popullarizuar mandragora.
Palmat dukeshin diçka si kjo.
Koni pisha(pisha) ishte simbol i pemës së jetës.
Disa lule konsideroheshin simbole të Virgjëreshës Mari.
Disa bimë kishin kuptim simbolik për feve të ndryshme. Fotografia tregon një fletë nga një libër i lashtë hebre me një imazh të një menorah dhe pemët e ullirit, simbol i paqes. (Spanjë, shekulli i 12-të)
Në letrën fillestare të një dorëshkrimi mesjetar ne shohim Vdekjen duke admiruar veten në pasqyrë, dhe përreth - mëtruqe, simbol i rinisë dhe bukurisë. Ironia, me sa duket, është kjo.
Mitet e lashta ishin të njohura gjatë Rilindjes. Në pikturën e Cosimo Tura (1465) është muza Calliope, patronazja e poezisë. Ka një degë në dorën e saj qershitë- një simbol i pjellorisë, këtu - krijues, me sa duket.
Raphael Santi "Ëndrra e kalorësit" (1504).
Është e qartë se simbolika e fshehur fjalë për fjalë kërkonte pikturat e alegorisë. Kjo foto "kripton" zgjedhjen e vështirë midis mençurisë dhe kënaqësive trupore. Në të majtë është perëndesha Minerva, duke i zgjatur një libër kalorësit të fjetur, një simbol i dijes, në të djathtë është Venusi, duke ofruar lulet e mollës- një simbol i trashëgimive sensuale.
Ka shumë simbolikë në tregimet e Dhiatës së Vjetër. Në pikturën e Albrecht Altdorfer "Susanna dhe pleqtë" (1526), heroina shkon në gjykatë (në të djathtë), duke mbajtur në duar zambak- një simbol i pafajësisë. Nëse ju kujtohet, pleqtë epshorë e ngacmonin pasi e shikonin të lahej dhe kur gruaja e devotshme i refuzoi, ata e akuzuan rrejshëm për tradhti bashkëshortore. Mbreti i mençur David zbatoi gjykimin e drejtë, duke i çuar të shthururit në ujë të pastër. Shihni Suzanën duke ecur pranë një kërcelli të gjatë lëpushkë, i quajtur edhe "skeptri mbretëror" - një simbol i fuqisë dhe drejtësisë.
Një tjetër sixhade e bukur flamande jugore "Vrasja e njëbrirëshit". Tani me simbole.
Një shkurre është e dukshme në këndin e poshtëm të majtë lajthiaështë një simbol i pasurisë dhe bollëkut. Ketri është një simbol i punës së palodhur.
Dhe, natyrisht, ka shumë simbole sekrete në pikturën fetare të shekujve 15-16. Mbulesa barishtore në këmbët e shenjtorëve, veçanërisht në pikturat e Rilindjes Veriore, është një libër i vërtetë referimi botanik. Duket se njohja e btanicës ishte një aftësi e kërkuar për artistët e asaj kohe. Është interesante se pothuajse çdo bimë kishte kuptimin e vet.
Një herë ju tregova me shumë detaje për Altarpiece të Gentit nga Jan van Eyck. Më lejoni t'ju kujtoj se këtu ka shumë simbole, përfshirë ato bimore.
Për shembull, Eva mban në dorë frutin e Pemës së Dijes, por këtu nuk është një mollë, por një "mollë e Adamit" ose jo e ngrënshme. Qitro iberik.
Apple, si limon- një simbol i mëkatit origjinal.
Në këtë pikturë të mrekullueshme të Matthias Grunewald "Stuppach Madonna" (1517) ne shohim simbolet e Marisë në një vazo - të bardhë zambak- pafajësia dhe pastërtia, trëndafili- pikëllimi i nënës dhe plagët e Krishtit, kumak(ose marigoldët) - "ari i Marisë", dhurata e ngushëllimit të Nënës së Zotit për të varfërit dhe të mjerët. Maria ia jep fëmijës Arre- një simbol i Krishtit (guaska e papërshkrueshme është trupi i njeriut, bërthama e shijshme është thelbi hyjnor).
Në të njëjtin altar të Gentit mund të shihni edhe lulet e Virgjëreshës Mari: trëndafili- pikëllim, zambak- pastërtia, aquilegia dhe zambaku i luginës- lot.
zambak lugjeve mund të shihet edhe në këmbët e Shën Veronikës nga një pikturë e Robert Campin. Dhe më tej luleradhiqe: lule e lezetshme - foshnja Krishti, gjethe në formë heshte - shtiza e Longinusit, pasioni i Krishtit.
Jacques Daret, "Madonna dhe fëmija me shenjtorët në kopshtin e ndaluar" (1425). Në këmbët e Marisë - hellebore, simbol i Krishtit dhe jetën e përjetshme. Në të majtë në qoshe - irisit, një simbol i pikëllimit dhe mundimit të nënës.
Engjëjt prezantojnë Madonën dhe Fëmijën jasemini. Cosimo Rossini (1440-1507)
Jasemini është një simbol i pastërtisë.
"Krishtlindja" nga Hugo van der Goes është paraardhësi i natyrave të qeta. Fragment:
Aktiv plan të parë ne shohim foto që tashmë janë të njohura për ne zambakë, irises(e bardha simbolizon pastërtinë, blu - pikëllimin e nënës), aquilegia. Dhe gjithashtu karafil- gjaku i Krishtit dhe dashuria e nënës, Dhe manushaqe- një simbol i përulësisë. Spikelets gruri- buka, mishi i Zotit.
Kopje veneciane e pikturës së Leonardo da Vinçit "Leda dhe mjellma". Në historinë e lashtë mitologjike, lulet kanë një kuptim krejtësisht të ndryshëm: anemone- erëra, aquilegia- simbol i pjellorisë, mëtrik në duart e Ledës - forcë natyrore, pasion, rini, gjalpë kaustike("verbëria e natës") - pakujdesi. Lisi Mbi kokën e Ledës është simboli i Zeusit.Detaje të tilla të përpikta, zakonisht jo karakteristike për itelianët, shpeshherë “huazoheshin” nga artistë nga piktorët e veriut.
Maria e jep fëmijën karafil- një simbol i dashurisë prindërore. (Leonardo da Vinci "Madonna e Karafilit").
Gerard David "Lindja e Krishtit me donatorë, shenjtorët Jerome dhe Leonard" (1510-15).
Kjo është simbolike luleradhiqe, ju tashmë e dini kuptimin e saj:
Gerolamo di Labri "Madonna dhe fëmija me shenjtorët" (1520). pema e gjirit
- lavdi, pavdekësi. Pallua është një simbol i jetës së përjetshme (për disa arsye mishi i tij konsiderohej i pakorruptueshëm)
Martin Schongauer "Madonna e trëndafilave"
Në fakt, trëndafili- një simbol i vuajtjes dhe sakrificës së Krishtit dhe Marisë, "Plagët e Zotit". Është interesante se nuk janë trëndafila që përshkruhen këtu, por ato të ngjashme me pemët. peonët. Besohej se trëndafilat në parajsë nuk kishin gjemba, kështu që peoni ishte mjaft i përshtatshëm për këtë rol.
Dhe këto janë skicat e Schongauer (1495). Peon! 
Stefan Lochner. Një tjetër gëmusha rozë. Në këmbët e Zojës manushaqe, simbol i përulësisë.
Joos van Cleve (1513-15). Shpesh Madonna dhe Fëmija përshkruheshin me fruta. Krishti mban në duar portokalli(fruti i pemës së parajsës) ose pjeshkë- kundërshtimi ndaj mollës, fruti-simbol i mëkatit origjinal; pjeshkë është një simbol i Trinitetit. shegë në një tabaka - simbol Kisha Universale, rrushi- verë - gjaku i Krishtit, arrë - ju tashmë e dini, qershi- gjaku i Jezusit, dardhë- ëmbëlsia e virtytit.
Filippo Lippi (fundi i shekullit të 15-të). Njësoj shegë.
Giovanni Bellini (1480), këtu me ne dardhë.
Joos van Cleve (1525). Qartë në dorë pjeshkë. Limon shtrihet në mënyrë sfiduese anash - ky është një simbol i pasioneve tokësore: e bukur nga jashtë, jashtëzakonisht e thartë nga brenda. Është qartësisht kundër arrës, simbol i Krishtit.
Carlo Crivelli (1480). Foshnja që mban në dorë floriri, simbol i pasionit të Krishtit. Në të majtë ulet një mizë - djalli zgjuar, një simbol i vdekjes dhe kalbjes. Ndonjehere mollë u interpretua si një simbol i shpengimit, dhe kastravec- pastërtia dhe ringjallja.
Lucas Cranach. Rrushi- Simboli eukaristik i Krishtit, gjaku i Krishtit.
Martin Schongauer" Familje e shenjtë".Rrushi, dhe në shportë - manaferra, simbol i pastërtisë së Virgjëreshës Mari.
Isenheim Altarpiece nga Matthias Grunewald, 1510-1515
Shenjtorët në dyer qëndrojnë në piedestale të ndërthurura me të dredhkë- një simbol i ringjalljes, jetës së përjetshme, përkushtimit.
Tani kemi shenjtorë.
Adrian Isenbrandt "Maria Magdalena me një peizazh". Pas shenjtorit - lulebore, simbol i shpresës dhe pastrimit.
Lucas Cranach. "Shën Dorothea" Kur shenjtori po çohej në ekzekutim, roja, me tallje, e ftoi atë të bënte një mrekulli - të merrte trëndafila në mes të dimrit. Një djalë me një shportë me trëndafila iu afrua menjëherë shenjtorit. Tani është një simbol i Shën Dorothea.
Antonio Correggio "Shën Katerina". Dega Palma- një simbol i martirizimit.
Albrecht Durer "Maksimilian i Parë". shegë- ju tashmë e dini.
Shkuan lloj-lloj laikësh.
Hans Suess van Kulbach. Një vajzë thur një kurorë nga mos harroj- një simbol i përkushtimit ndaj një të dashur. Kjo konfirmohet nga mbishkrimi në kasetë.
"Kalorësi i ri në një peizazh" (Duka i Urbinos?). Vittore Carpaccio. Me sa duket portreti është pas vdekjes. Një çafkë sulmohet në qiell nga një skifter afër ujit; ai tashmë e ha atë. Qeni është besnikëri, zambaku është pastërtia, irisi është pikëllimi, hermelina është simboli i rendit të cilit i përkiste kalorësi.
Portret i një zonje. Në shportë ka lule që tregojnë se kjo ka shumë të ngjarë të jetë nusja: manushaqe - përulësi, jasemini - pastërti, karafil - dashuri.
Andrea Solario "Portreti i një njeriu me një karafil". Portrete të tilla ceremoniale të "dhëndrit" ishin shumë të njohura. Ata treguan se heroi ishte i dashuruar dhe do të martohej. Ose burri i ri i paraqiti një portret të tillë gruas së tij në shenjë dashurie.
Shumë më tepër: 
E panjohur 1480.
1490
Lucas Cranach. Portreti i doktor Johann Kuspinian dhe e fejuara e tij (tashmë gruaja e tij?) Anna Kuspinian.
Hans Holbein. Portreti i Georg Guisse.
Hans Memling
Dirk Jaakobs. Portreti i Pompeus Occo (1534)
Michael Wolgemuth "Portreti i Ursula Tücher" (1478)
Punëtoria e Jan van Ejkut
Pisanello, Portreti i konteshës Guinevere d'Este (1447)
Dhe ky është një portret i një vajze që ishte tashmë e vdekur në kohën e krijimit të saj. Ajo vdiq në moshën 21-vjeçare dhe burri i saj u fajësua për vdekjen e tij (gruaja e tij e dytë gjithashtu vdiq çuditërisht). Në foto ka lule simbolike: aquilegia - lot, karafil - dashuri (ndoshta prindërore, ne nuk e dimë se kush e porositi pikturën), fluturat dhe një degëz gjilpërash pishe - pavdekësi në kujtimin e të dashurve.
Domenico Gerlandaio "Portreti i një zonje". Me sa duket ajo është nuse, një tjetër simbol i pastërtisë është lulja e portokallit
Albrecht Durer, autoportret në moshën 22 vjeçare.
Portreti ishte i destinuar për një grua të re, kullosa në duart e saj është një simbol i besnikërisë martesore. Fotografia më frymëzoi për të krijuar këtë postim.
Neuzv. Zonja nga familja Hofer. Mos më harro - besnikëri, përkushtim. Ndoshta burri i zonjës ka vdekur - miza në shami mund të tregojë këtë; këtu është një simbol i vdekjes, dobësia e ekzistencës.
Zonja Philippa Kingsby. Qershi - pjellori, bollëk
Portreti i një zonje (1576). Këtu, një vajze në duart tuaja do të thotë pasuri, një aguliçe do të thotë martesë, me fat, me sa duket, tezja juaj!
Mirabello Cavalori "Djalë me zymbyl dhe pjeshkë". Hyacinth simbolizon guximin, shkathtësinë dhe lojën. Ndonjëherë - mençuri, por këtu - vështirë. Dhe zymbylët kanë erë të mirë - më dhanë sot.
Dhe së fundi, një portret i Nicolaus Kopernicus nga Tobias Steamer. Zambaku i luginës është një simbol i hidhërimit dhe lotëve. Siç e dini, shkencëtari kishte shumë nga këto gjëra!
Dhe ju uroj që të mos ndjeni hidhërim, por të derdhni lot vetëm nga gëzimi!
Me sa duket, pamja e veprës së Teofilit duhet t'i atribuohet gjysmës së parë të shekullit të 12-të. "De Diversis Artibus", i cili përshkroi me detaje shumicën e teknikave dhe metodave të punës së piktorit, artistit të xhamave me njolla dhe mjeshtrit të arit dhe argjendtarisë. Vepra e Teofilit është një dëshmi e çmuar për shtetin praktikë artistike Shekulli i 12-të, vetëdija e artistit për të vetën.
Personaliteti i Thwophil, i cili ndonjëherë identifikohet me Rogier Helmarshausen, është me interes të madh (Theophilus De Diversis Artubus. Ed. nga Dodwell S. B. London, 1961. Shih: Dodwell's Introduction, pp. XXIII-XLIV.). Një murg i arsimuar që ndërthurte praktikën artistike me dijen Artet liberale, nuk është një fenomen i rrallë në epokën romane. Gjerësia e mrekullueshme njohuri praktike Teofili pas njohjes së tij me prirjet më të fundit të mendimit teologjik dhe filozofik, të cilat ai i zbaton në artin e tij. Aftësia e artistit, natyrisht, perceptohet nga Teofili si një dhuratë nga Zoti. Nëse dhuntia - ingenium - nga mendimi i mesjetës së hershme shoqërohej shpesh me frymëzim hyjnor dhe konsiderohej si varësi e drejtpërdrejtë e krijimtarisë së artistit nga Zoti, atëherë në shekullin e 12 pjesëmarrja hyjnore në veprën e artistit kuptohej në mënyrë indirekte, me analogji. krijimtarinë njerëzore me hyjnoren. Në parathënien e veprës së tij, Teofili shkruan se një person "i krijuar sipas shëmbëlltyrës dhe ngjashmërisë së Zotit, i gjallëruar nga fryma hyjnore, i pajisur me arsye, meriton të marrë pjesë në urtësinë dhe talentin e mendjes hyjnore".
Por, megjithëse njeriu, me vullnetin e vetvetes dhe mosbindjen, e humbi privilegjin e pavdekësisë, “Megjithatë ai u përcolli brezave të mëvonshëm respektin për shkencën dhe dijen, në mënyrë që ata që bëjnë përpjekje të fitojnë talent dhe aftësi në të gjitha artet, sikur me të drejtë të trashëguar”.. Ai ia atribuon artistit të shtatë bekimet e derdhura nga Fryma e Shenjtë mbi njeriun - mençurinë, mirëkuptimin, pranueshmërinë ndaj këshillave, forcën shpirtërore, njohurinë, devotshmërinë, frikën nga Zoti.
- Një artist-murg që pikturon një statujë. Miniaturë nga dorëshkrimi i Apokalipsit. Çereku i fundit i shekullit të 13-të.
- Një artist që pikturon një statujë. Miniaturë nga dorëshkrimi i Dekreteve të Gregorit të 9-të. Mesi i shekullit të 14-të Piktori në punë. Fletë nga një libër me mostra nga fillimi i shekullit të 13-të.
Çështja e marrëdhënies midis dhuratave të shenjta dhe virtyteve njerëzore ishte objekt diskutimi në gjysmën e parë të shekullit të 12-të në shkrimet e Anselm of Canterbury, Yves of Chartres, Honorius of Autun, Rupert of Dwitz, Abelard, Bernard of Nlervaux. dhe filozofë dhe teologë të tjerë të shekullit të 12-të. Artisti kuptohet si trashëgimtar i urtësisë hyjnore. Nëpërmjet punës së vazhdueshme, përmirësimit të njohurive dhe aftësive, një artist është në gjendje t'i afrohet urtësisë dhe aftësisë më të lartë që zotëronte njeriu përpara rënies. Pasioni i vërtetë për artin e tij errëson nga Teofili të gjitha mënyrat e tjera të njohjes së Zotit. Ai sheh një lidhje të drejtpërdrejtë midis punës së artistit dhe shtatë dhuratave të shpirtit të shenjtë dhe e kupton problemin e dhuratave të shenjta praktikisht. "Prandaj, bir i dridhur,- shkruan autori duke iu drejtuar lexuesit-studentit të ardhshëm, - Kur e keni stolisur shtëpinë e Zotit me një bukuri të tillë dhe me vepra të tilla të larmishme, mos dyshoni, por plot besim, dijeni se është fryma e Zotit që ju ka vaditur zemrën.”.
Legjenda për artistin. Miniaturë e dorëshkrimit "Kënga e Alfonsit të 10-të". Gjysma e dytë e shekullit të 13-të.
Veprat e Teofilit tregojnë se sa shumë e vlerësonte vetë artisti aftësinë e tij, duke e konsideruar atë një shfaqje të drejtpërdrejtë të hirit hyjnor. Filozofët, si Hugh of Saint-Victor, mund të klasifikonin njohuritë dhe të vendosnin një rend hierarkik. Por për artistin, arti dukej se ishte e vetmja rrugë e mundshme drejt njohjes së Zotit dhe vlerësohej jashtëzakonisht shumë.
Teofili i përkushtohet artit rol i rendesishem në përmbushjen nga njeriu të qëllimit të tij kryesor - lavdërimin e Zotit dhe përpjekjen për njohurinë e tij. Artisti, siç shkruan Theophilus, u paraqiti adhuruesve me punën e tij për dekorimin e tempullit "Parajsa e Zotit, e cila lulëzon me lule të ndryshme, bëhet e gjelbër me gjethe dhe kurorëzon shpirtrat e shenjtorëve me kurora meritash të ndryshme", dhe u dha atyre mundësinë që "të lavdërojnë Krijuesin në krijimin e tij, të lavdërojnë mahnitjen e asaj që ai krijoi.”.
Puna e Teofilit tregon se sa lart u vlerësua vepra e artistit në shekullin e 12-të. Ai përsërit vazhdimisht se e shkroi veprën e tij për të lavdëruar Zotin, dhe jo për hir të krenarisë dhe kotësisë tokësore. Puna e tij na jep mundësinë për t'u afruar me të kuptuarit e atmosferës shpirtërore në të cilën jetoi artisti i gjysmës së parë të shekullit të 12-të. Përulësia e thellë ndaj krijuesit të të gjitha gjërave, e ndërthurur me një ide të qartë për rëndësinë dhe vlerën e punës krijuese, karakterizon qëndrimin e artistit të asaj kohe ndaj botës, në rendin harmonik të së cilës ai e ndjen veten një lidhje të nevojshme. dhe zë vendin që i takon.
Libri i Teofilit na zbulon strukturën e mendimeve dhe ndjenjave me të cilat jetoi artisti në prag të shfaqjes së gotikës. Është domethënëse që idetë emocionuese të Teofilit për dekorimin e një tempulli si një çështje që i pëlqen Zotit, duke lavdëruar krijuesin dhe duke lejuar besimtarët të ngjiten tek ai me shpirtin e tyre, do të zhvillohen në një nivel tjetër filozofik nga Suger - frymëzuesi i stilit gotik dhe ndërtuesi i tempullit të parë gotik në vitet 40 të shekullit të 12-të - bazilika Mbretërore Abbey e Saint-Denis afër Parisit.
- Fletë nga një dorëshkrim alzastik. Çereku i fundit i shekullit të 12-të.
- Fletë nga një dorëshkrim francez i fillimit të shekullit të 10-të.
- Fletë nga dorëshkrimi i Adhemar të Chabannes. NE RREGULL. 1025
Puna tjetër e mbijetuar mbi teknikën e artit të bukur është albumi i famshëm i arkitektit francez Villard de Honnecourt, që daton në vitet '30 të shekullit të 13-të dhe ruhet në Paris. Biblioteka Kombëtare. Albumi është një burim i paçmuar për studimin e artit gotik. Ky është një koleksion jashtëzakonisht interesant i mostrave për artistin dhe skulptorin, skica nga natyra, imazhe mekanizmash, vizatime të detajeve arkitekturore, plane dhe një paraqitje skematike të "sekreteve". arti gotik.
Megjithëse libri i Theophilus dhe albumi i Villars de Honnecourt janë krejtësisht të ndryshëm në traditë, karakter dhe nivel arsimor të autorëve, ekziston një tundim i papërmbajtshëm për të krahasuar veprat me njëra-tjetrën. Meqenëse dorëshkrimet janë krijuar nga artistë profesionistë, praktikues të arteve figurative, kjo paralele nuk do të jetë shumë artificiale. Ata kanë shumë të përbashkëta me njëri-tjetrin; secila është mjaft tipike për kohën e vet. Libri i Teofilit është vepër e një murgu të shkolluar të shekullit të 12-të, i cili ishte gjithashtu artist dhe mjeshtër. Dorëshkrimi është shkruar thjesht, qartë, në latinisht të mirë, dhe diskutimet e hollësishme të Teofilit për qëllimin dhe qëllimin e arteve zbulojnë njohjen me drejtimet kryesore të mendimit filozofik të epokës. Murgu e sheh qëllimin e artit, si qëllimin e përbërjes së tij, në shërbimin dhe lavdërimin e Zotit. Në fillim të çdo pjese të librit, autori u drejtohet studentëve me një fjalim të gjatë, ku shpalos veprën hyjnore të artistit, bën thirrje për shërbim, durim dhe vetëdije se njohuritë dhe aftësitë që u janë dhënë vijnë nga mëshira. të Zotit. Albumi i Villarit, ndryshe nga vepra e Teofilit, nuk është një kompozim, por një album me skica pune, Fletore nga një arkitekt gotik profesionist, që nuk i përket një mjedisi monastik, shoqëruar me shpjegime të shkurtra në frëngjishten e vjetër.
Parathënia e gjatë dhe e detajuar, e shkruar me shije e Teofilit në librin e parë përfundon me një fjalim drejtuar studentëve të tij: “Nëse e rilexoni këtë shpesh dhe e mbani fort në mendje, do të më shpërbleni, se sa herë do të përfitoni nga puna ime, aq herë do t'i luteni për mua Zotit të mëshirshëm të gjithëpushtetshëm, i cili e di që kam shkruar. puna ime jo nga dashuria për lavdërimin njerëzor, jo nga lakmia për shpërblim në këtë botë, e cila është e përkohshme, dhe nuk fsheh asgjë të vlefshme ose të rrallë nga zilia, nuk mbajti asgjë për vete personalisht, por ndihmoi nevojat e shumë njerëzve. dhe kontribuoi me këshilla për të rritur nderin dhe lavdinë e emrit të Perëndisë.".
Albumi i Villars de Honnecourt: fletët 14, 27; fleta 15 - plani i korit ideal të një kishe gotike (plani i katedrales në Meaux); fleta 17 - plani i korit të kishës në Vossel dhe figura.
Parathënia e Villars të kujton më shumë një transkriptim të ngjeshur dhe konciz të mendimit përfundimtar të Teofilit në hyrjen e tij, të paraqitur nga ky i fundit në një formë letrare elegante: "Villars de Honnecourt ju përshëndet dhe u kërkon të gjithë atyre që do të punojnë me mjetet e treguara në këtë libër të luten për shpirtin e tij dhe ta kujtojnë atë. Sepse në këtë libër mund të gjeni këshilla të shkëlqyera për aftësinë e madhe të ndërtimit me gurë dhe zdrukthtarisë. Do të gjeni këtu arti i vizatimit, si dhe bazat që kërkohen dhe mësohen nga shkenca e gjeometrisë.". Një ton i shkurtër, i ngjashëm me biznesin, asgjë e tepërt, po flasim vetëm për gjërat më të rëndësishme, përmbajtja dhe qëllimi i të gjithë librit përshkruhet në disa fraza të përmbledhura, apeli tradicional për studentët është jashtëzakonisht i shkurtër dhe i kufizuar në një përshëndetje me një kërkesë për t'u lutur për autorin e albumit në shenjë mirënjohjeje për punën e tij. Çfarë kontrasti me tonin pozitiv e udhëzues të Teofilit, theksin e vazhdueshëm në lidhjen mes artit dhe Zotit dhe përshkrimet e hollësishme e të përpikta të recetave. Mund të jetë një shtrirje për të parë në këtë ndryshim jo vetëm një pasojë të ndryshimit midis dyve specie individuale manuali teknik i Mesjetës - një traktat dhe një album mostrash - jo vetëm rezultat i faktit që autorët i përkisnin shtresa të ndryshme shoqërinë mesjetare, por, gjithsesi, duket se ky kontrast i detyrohet edhe shekullit që shtrihej mes krijimit të dy veprave në diskutim.
Ashtu si Theophilus në veprën e tij shprehte botëkuptimin e një artisti roman dhe idenë e tij për vendin e tij në jetë dhe qëllimin e artit të tij, ashtu edhe Villard de Honnecourt në albumin e tij pasqyroi tiparet tipike të një arkitekti gotik me idetë e tij për botë. Së pari, profesionalizmi, njohja e praktikës artistike, duke përfshirë arkitekturën, skulpturën dhe inxhinierinë, e cila ishte e zakonshme dhe tradicionale në mesjetë. Për më tepër, teksti i Villarit nuk thotë asgjë për njohjen e tij me prirjet në mendimin teologjik ose filozofik. Pastaj - demokracia, qartësia e diagrameve, vizatimeve dhe mostrave, teksti shoqërues jo në latinisht, por në frëngjisht të vjetër.
Tipari tjetër është kurioziteti ekstrem për çdo gjë të paprecedentë, qesharake, të rrallë, interesante, duke e detyruar atë të skicojë një luan së bashku me kafshë të tjera të rralla. Pastaj - vëzhgimi, thithja në përshtypjet vizuale, ndoshta duke zëvendësuar një edukim solid; njohja me vende të ndryshme, udhëtimet që bëri Villar, përvoja, njohja e thellë e praktikës së artit të tij. Një tipar po aq karakteristik është subjektiviteti i gjykimeve për artin, zgjedhja e detajeve arkitekturore, skenave dhe figurave për skica në përputhje me shijen personale të Villarit, të cilën mjeshtri nuk mungoi ta deklarojë disa herë. Ky i fundit është me interes të veçantë, duke shprehur vetëdijen në rritje të artistit gotik.
Albumi i Villarit, duke qenë një album me mostra dhe një udhëzues teknik për mjeshtra të tjerë, mbeti një fletore personale, një album udhëtimesh, ku skicohej gjithçka që dukej interesante. "Këtu është plani për korin e Kishës së Virgjëreshës sonë të Bekuar në Cambrai". "Këto dritare i kam lyer sepse më pëlqyen më shumë se të tjerët". Së fundi, devotshmëria e tij tradicionale, disi formale është karakteristike, e shprehur shpejt në një frazë dhe ashpër e ndryshme nga devotshmëria e plotë, e vërtetuar plotësisht e Teofilit.
Ideja e patronazhit të artistit nga Zoti, e ndihmës së Zotit për njeriun, të cilin "djathta hyjnore e udhëheq në veprimtaritë e tij", me kalimin e kohës fiton vërtet një konotacion disi formal, megjithëse ruan kuptimin e saj të mëparshëm në vendet trans-alpine. pakrahasueshëm më e gjatë se në Itali. Ajo vazhdon të ndihet në traktatet e mjeshtërve të vonë gotikë, duke diskutuar me entuziazëm aspektet teknike dhe artistike të zanatit të tyre, deri në shekullin e 16-të. Ajo shënon traktatet e Albert Durer dhe Niklas Hilliard.
Jo më pak i rëndësishëm është stili i shpejtë, i vrullshëm dhe dinamik shpjegime të shkurtra Villara. Në të do të doja të shihja një manifestim të frymës së atmosferës së biznesit që u zhvillua rreth ndërtimit të katedrales gotike. Për karakterizimin e artistit mesjetar, është jashtëzakonisht e rëndësishme që fletorja dhe albumi i skicave të udhëtimit të Villar-it u bënë më vonë një libër me mostra për një punëtori të tërë. Me sa duket, pas vdekjes së Villarit, albumi u plotësua me vizatime dhe shënime nga dy mjeshtra të tjerë që mbetën anonimë. Ata zakonisht përcaktohen si "Master 2" dhe "Master 3".
Edhe pse procesi i ndarjes së artistit individual nga mjedisi i repartit u zhvillua ngadalë por me siguri gjatë shekujve 13 dhe 14, artisti gotik e perceptoi veten dhe aftësitë e tij në asnjë mënyrë tjetër veçse në një lidhje korporative, si të kufizuar nga kuadri dhe normat që ishin i paraqitur nga vetë gjithëpërfshirja e artit gotik dhe që e rrethonte në botën gotike.
Pra, nga faqet e manualeve teknike për artin, koleksionet e recetave, rregullave dhe albumeve të mostrave, shifrat shfaqen para nesh artistë mesjetarë- autorët e tyre, me idetë e tyre për veten dhe qëllimet e punës së tyre, me ndjenjën e tyre për botën dhe vendin e tyre në të.
Etiketa: Teoria e artit (filozofia)