Arti i Rilindjes. Piktura italiane e Rilindjes - Piktorët e Rilindjes Giotto, Masaccio, Angelico, Titian dhe Giorgione

Gjatë Rilindjes ndodhin shumë ndryshime dhe zbulime. Eksplorohen kontinente të reja, zhvillohet tregtia, shpiken gjëra të rëndësishme, si letra, busull detare, barut e shumë të tjera. Ndryshimet në pikturë ishin gjithashtu të një rëndësie të madhe. Pikturat e Rilindjes fituan një popullaritet të madh.

Stilet dhe tendencat kryesore në veprat e mjeshtrave

Kjo periudhë ishte një nga më të frytshmet në historinë e artit. Kryeveprat e një numri të madh të mjeshtrave të shquar mund të gjenden sot në qendra të ndryshme arti. Inovatorët u shfaqën në Firence në gjysmën e parë të shekullit të pesëmbëdhjetë. Pikturat e tyre të Rilindjes shënuan fillimin e një epoke të re në historinë e artit.

Në këtë kohë, shkenca dhe arti lidhen shumë ngushtë. Artistët dhe shkencëtarët kërkuan të zotëronin botën fizike. Piktorët u përpoqën të përfitonin nga idetë më të sakta për trupin e njeriut. Shumë artistë u përpoqën për realizëm. Stili fillon me pikturën e Leonardo da Vinçit "Darka e Fundit", të cilën ai e pikturoi për gati katër vjet.

Një nga veprat më të famshme

Është pikturuar në vitin 1490 për tryezën e manastirit të Santa Maria delle Grazie në Milano. Piktura përfaqëson vaktin e fundit të Jezusit me dishepujt e tij para se të kapej dhe vritej. Bashkëkohësit që vëzhgonin punën e artistit gjatë kësaj periudhe vunë re se si ai mund të pikturonte nga mëngjesi në mbrëmje, pa u ndalur as për të ngrënë. Dhe pastaj ai mund ta braktiste pikturën e tij për disa ditë dhe të mos i afrohej fare.

Artisti ishte shumë i shqetësuar për imazhin e vetë Krishtit dhe tradhtarin Juda. Kur piktura përfundoi përfundimisht, ajo u njoh me të drejtë si një kryevepër. "Darka e Fundit" është ende një nga më të njohurit. Riprodhimet e Rilindjes kanë qenë gjithmonë të kërkuara, por kjo kryevepër shënohet nga kopje të panumërta.

Një kryevepër e njohur, ose buzëqeshja misterioze e një gruaje

Ndër veprat e krijuara nga Leonardo në shekullin e gjashtëmbëdhjetë është një portret i quajtur Mona Lisa, ose La Gioconda. Në epokën moderne, ajo është ndoshta piktura më e famshme në botë. Ajo u bë e njohur kryesisht për shkak të buzëqeshjes së pakapshme në fytyrën e gruas së përshkruar në kanavacë. Çfarë çoi në një mister të tillë? Puna e shkathët e një mjeshtri, aftësia për të hijezuar me kaq mjeshtëri qoshet e syve dhe të gojës? Natyra e saktë e kësaj buzëqeshje nuk mund të përcaktohet deri më sot.

Detaje të tjera të kësaj fotografie janë përtej konkurrencës. Vlen t'i kushtohet vëmendje duarve dhe syve të gruas: sa saktë i trajtoi artisti detajet më të vogla të kanavacës kur e pikturonte atë. Jo më pak interesant është peizazhi dramatik në sfondin e tablosë, një botë në të cilën gjithçka duket të jetë në rrjedhë.

Një tjetër përfaqësues i famshëm i pikturës

Një përfaqësues po aq i famshëm i Rilindjes është Sandro Botticelli. Ky është një piktor i madh italian. Pikturat e tij të Rilindjes janë gjithashtu jashtëzakonisht të njohura në mesin e një game të gjerë shikuesish. "Adhurimi i magjistarëve", "Madona dhe fëmija i hipur në fron", "Shpallja" - këto vepra të Botticelli, kushtuar temave fetare, u bënë arritje të mëdha të artistit.

Një tjetër vepër e famshme e mjeshtrit është "Madonna Magnificat". Ajo u bë e famshme gjatë jetës së Sandros, siç dëshmohet nga riprodhimet e shumta. Pëlhura të ngjashme në formë rrethi ishin mjaft të kërkuara në Firencen e shekullit të pesëmbëdhjetë.

Një kthesë e re në punën e artistit

Duke filluar nga viti 1490, Sandro ndryshoi stilin e tij. Ajo bëhet më asketike, kombinimi i ngjyrave tani është shumë më i përmbajtur, tonet e errëta shpesh mbizotërojnë. Qasja e re e krijuesit për të shkruar veprat e tij është qartë e dukshme në "Kurorëzimi i Marisë", "Vajtimi i Krishtit" dhe piktura të tjera që përshkruajnë Madonën dhe Fëmijën.

Kryeveprat e pikturuara nga Sandro Botticelli në atë kohë, për shembull, portreti i Dantes, nuk kanë peizazh dhe sfonde të brendshme. Një nga krijimet po aq domethënëse të artistit është "Krishtlindja mistike". Piktura u pikturua nën ndikimin e trazirave që ndodhën në fund të vitit 1500 në Itali. Shumë piktura të artistëve të Rilindjes jo vetëm që fituan popullaritet, por u bënë shembull për brezin e mëvonshëm të piktorëve.

Një artist, kanavacat e të cilit janë të rrethuar nga një atmosferë admirimi

Rafael Santi da Urbino nuk ishte vetëm një arkitekt. Pikturat e tij të Rilindjes admirohen për qartësinë e formës, thjeshtësinë e kompozimit dhe arritjen vizuale të idealit të madhështisë njerëzore. Së bashku me Mikelanxhelon dhe Leonardo da Vinçin, ai është një nga trinitë tradicionale të mjeshtërve më të mëdhenj të kësaj periudhe.

Ai jetoi një jetë relativisht të shkurtër, vetëm 37 vjeç. Por gjatë kësaj kohe ai krijoi një numër të madh të kryeveprave të tij. Disa nga veprat e tij gjenden në Pallatin e Vatikanit në Romë. Jo të gjithë shikuesit mund të shohin pikturat e artistëve të Rilindjes me sytë e tyre. Fotografitë e këtyre kryeveprave janë të disponueshme për të gjithë (disa prej tyre janë paraqitur në këtë artikull).

Veprat më të famshme të Raphael

Nga 1504 deri në 1507, Raphael krijoi një seri të tërë Madonnas. Pikturat dallohen nga bukuria magjepsëse, mençuria dhe në të njëjtën kohë një trishtim i caktuar i ndriçuar. Piktura e tij më e famshme ishte Sistine Madonna. Ajo është përshkruar duke fluturuar në qiell dhe duke zbritur pa probleme drejt njerëzve me një foshnjë në krahë. Ishte kjo lëvizje që artisti ishte në gjendje të përshkruante me shumë mjeshtëri.

Kjo vepër u vlerësua shumë nga shumë kritikë të famshëm dhe të gjithë arritën në të njëjtin përfundim se ishte vërtet e rrallë dhe e pazakontë. Të gjitha pikturat e artistëve të Rilindjes kanë një histori të gjatë. Por ajo u bë më e njohur falë bredhjeve të saj të pafundme, duke filluar nga momenti i krijimit të saj. Pasi kaloi prova të shumta, më në fund zuri vendin e merituar midis ekspozitave të Muzeut të Dresdenit.

Piktura të Rilindjes. Fotot e pikturave të famshme

Dhe një tjetër piktor, skulptor dhe arkitekt i famshëm italian që pati një ndikim të madh në zhvillimin e artit perëndimor është Michelangelo di Simoni. Pavarësisht se ai njihet kryesisht si skulptor, ka edhe vepra të bukura të pikturës së tij. Dhe më e rëndësishmja prej tyre është tavani i Kapelës Sistine.

Kjo punë u krye për katër vjet. Hapësira zë rreth pesëqind metra katrorë dhe përmban më shumë se treqind figura. Në qendër janë nëntë episode nga libri i Zanafillës, të ndarë në disa grupe. Krijimi i tokës, krijimi i njeriut dhe rënia e tij. Ndër pikturat më të famshme në tavan janë "Krijimi i Adamit" dhe "Adami dhe Eva".

Vepra e tij po aq e famshme është "Gjykimi i Fundit". Është bërë në murin e altarit të Kapelës Sistine. Afreska përshkruan ardhjen e dytë të Jezu Krishtit. Këtu Michelangelo injoron konvencionet standarde artistike në pikturimin e Jezusit. Ai e përshkroi atë me një strukturë trupore masive muskulore, të ri dhe pa mjekër.

Kuptimi i fesë, ose Arti i Rilindjes

Piktura italiane e Rilindjes u bë baza për zhvillimin e artit perëndimor. Shumë prej veprave të njohura të këtij brezi krijues kanë një ndikim të madh te artistët që vazhdon edhe sot e kësaj dite. Përfaqësuesit e mëdhenj të artit të asaj periudhe e përqendruan vëmendjen e tyre në temat fetare, shpesh duke punuar me urdhra nga klientët e pasur, përfshirë vetë Papën.

Feja depërtoi fjalë për fjalë në jetën e përditshme të njerëzve të kësaj epoke dhe u rrënjos thellë në mendjet e artistëve. Pothuajse të gjitha pikturat fetare gjenden në muze dhe depo arti, por riprodhimet e pikturave të Rilindjes, të lidhura jo vetëm me këtë temë, mund të gjenden në shumë institucione dhe madje edhe në shtëpi të zakonshme. Njerëzit do të admirojnë pafundësisht veprat e mjeshtrave të famshëm të asaj periudhe.

Rilindja është një fenomen fenomenal në historinë e njerëzimit. Nuk ka pasur më kurrë një shpërthim kaq të shkëlqyer në fushën e artit. Skulptorët, arkitektët dhe artistët e Rilindjes (lista e tyre është e gjatë, por ne do të prekim më të famshmit), emrat e të cilëve janë të njohur për të gjithë, i dhanë botës njerëz të paçmuar unikë dhe të jashtëzakonshëm që u treguan jo në një fushë, por në disa menjëherë.

Piktura e Rilindjes së hershme

Epoka e Rilindjes ka një kornizë kohore relative. Filloi së pari në Itali - 1420-1500. Në këtë kohë, piktura dhe i gjithë arti në përgjithësi nuk ndryshojnë shumë nga e kaluara e afërt. Megjithatë, elementet e huazuara nga antikiteti klasik fillojnë të shfaqen për herë të parë. Dhe vetëm në vitet pasuese, skulptorët, arkitektët dhe artistët e Rilindjes (lista e të cilave është shumë e gjatë), nën ndikimin e kushteve moderne të jetesës dhe tendencave progresive, braktisën përfundimisht themelet mesjetare. Ata adoptojnë me guxim shembujt më të mirë të artit antik për veprat e tyre, si në përgjithësi ashtu edhe në detaje individuale. Emrat e tyre janë të njohur për shumë njerëz; le të ndalemi te personalitetet më të shquara.

Masaccio - gjeniu i pikturës evropiane

Ishte ai që dha një kontribut të madh në zhvillimin e pikturës, duke u bërë një reformator i madh. Mjeshtri fiorentin lindi në vitin 1401 në një familje artizanësh artistikë, kështu që ndjenja e shijes dhe dëshira për të krijuar ishin në gjakun e tij. Në moshën 16-17 vjeç u transferua në Firence, ku punoi në punishte. Donatello dhe Brunelleschi, skulptorë dhe arkitektë të mëdhenj, konsiderohen me të drejtë mësuesit e tij. Komunikimi me ta dhe aftësitë e adoptuara nuk mund të mos ndikonin tek piktori i ri. Nga e para, Masaccio huazoi një kuptim të ri të personalitetit njerëzor, karakteristik për skulpturën. Mjeshtri i dytë ka bazat.Studiuesit konsiderojnë si veprën e parë të besueshme “Triptikun e San Giovenale” (në foton e parë), i cili u zbulua në një kishë të vogël pranë qytetit ku lindi Masaccio. Vepra kryesore janë afresket kushtuar historisë së jetës së Shën Pjetrit. Artisti mori pjesë në krijimin e gjashtë prej tyre, përkatësisht: "Mrekullia e Statirit", "Dëbimi nga Parajsa", "Pagëzimi i Neofitëve", "Shpërndarja e pronës dhe vdekja e Ananias", "Ngjallja e djalit të Teofilit". ”, “Shën Pjetri shëron të sëmurët me hijen e tij” dhe “Shën Pjetri në foltore”.

Artistët italianë të Rilindjes ishin njerëz që iu përkushtuan tërësisht artit, duke mos u kushtuar vëmendje problemeve të zakonshme të përditshme, të cilat ndonjëherë i çonin në një ekzistencë të varfër. Masaccio nuk bën përjashtim: mjeshtri i shkëlqyer vdiq shumë herët, në moshën 27-28 vjeç, duke lënë pas vepra të mëdha dhe një numër të madh borxhesh.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Ky është një përfaqësues i shkollës Paduan të piktorëve. Ai mori bazat e zanatit të tij nga babai i tij birësues. Stili u formua nën ndikimin e veprave të Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello dhe pikturës veneciane. Kjo përcaktoi sjelljen disi të ashpër dhe të ashpër të Andrea Mantegna-s në krahasim me fiorentinët. Ai ishte koleksionist dhe njohës i veprave kulturore të periudhës antike. Falë stilit të tij, ndryshe nga të tjerët, ai u bë i famshëm si një novator. Veprat e tij më të famshme: "Krishti i vdekur", "Triumfi i Cezarit", "Judith", "Beteja e hyjnive të detit", "Parnassus" (në foto), etj. Nga viti 1460 deri në vdekjen e tij ai punoi si piktor oborri për Dukat e Gonzagës.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli është një pseudonim, emri i tij i vërtetë është Filipepi. Ai nuk zgjodhi menjëherë rrugën e një artisti, por fillimisht studioi zejtarinë e bizhuterive. Në veprat e tij të para të pavarura (disa "Madonna") mund të ndihet ndikimi i Masaccio dhe Lippi. Më vonë ai bëri emër edhe si piktor portreti; pjesa më e madhe e porosive vinin nga Firence. Natyra e rafinuar dhe e sofistikuar e veprave të tij me elemente të stilizimit (përgjithësimi i imazheve duke përdorur teknika konvencionale - thjeshtësia e formës, ngjyrave, vëllimit) e dallon atë nga mjeshtrit e tjerë të asaj kohe. Një bashkëkohës i Leonardo da Vinçit dhe i Mikelanxhelos së ri, ai la një gjurmë të ndritshme në artin botëror ("Lindja e Venusit" (foto), "Pranvera", "Adhurimi i magjistarëve", "Venusi dhe Marsi", "Krishtlindjet" , etj.). Piktura e tij është e sinqertë dhe e ndjeshme, dhe rruga e tij e jetës është komplekse dhe tragjike. Perceptimi romantik i botës në moshë të re i la vendin misticizmit dhe ekzaltimit fetar në moshë madhore. Vitet e fundit të jetës së tij Sandro Botticelli jetoi në varfëri dhe harresë.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Piktor italian dhe një përfaqësues tjetër i Rilindjes së hershme, me origjinë nga Toskana. Stili i autorit u formua nën ndikimin e shkollës fiorentine të pikturës. Përveç talentit të tij si artist, Piero della Francesca kishte aftësi të spikatura në fushën e matematikës dhe i kushtoi vitet e fundit të jetës së tij, duke u përpjekur ta lidhte atë me artin e lartë. Rezultati ishin dy traktate shkencore: "Mbi perspektivën në pikturë" dhe "Libri i pesë trupave të rregullt". Stili i tij dallohet nga solemniteti, harmonia dhe fisnikëria e imazheve, ekuilibri kompozicional, linjat dhe ndërtimi i saktë dhe një gamë e butë ngjyrash. Piero della Francesca kishte një njohuri të mahnitshme për anën teknike të pikturës dhe veçoritë e perspektivës për atë kohë, gjë që i dha atij autoritet të lartë midis bashkëkohësve të tij. Veprat më të famshme: "Historia e Mbretëreshës së Shebës", "Flagjella e Krishtit" (në foto), "Altari i Montefeltro", etj.

Piktura e Rilindjes së Lartë

Nëse Proto-Rilindja dhe epoka e hershme zgjatën përkatësisht pothuajse një shekull e gjysmë e një shekull e gjysmë, atëherë kjo periudhë përfshin vetëm disa dekada (në Itali nga 1500 deri në 1527). Ishte një blic i ndritshëm, verbues që i dha botës një galaktikë të tërë njerëzish të mëdhenj, të gjithanshëm dhe të shkëlqyer. Të gjitha degët e artit shkuan krah për krah, kështu që shumë mjeshtër ishin edhe shkencëtarë, skulptorë, shpikës dhe jo vetëm artistë të Rilindjes. Lista është e gjatë, por kulmi i Rilindjes u shënua nga vepra e L. da Vinci, M. Buanarotti dhe R. Santi.

Gjeniu i Jashtëzakonshëm i Da Vinçit

Ndoshta ky është personaliteti më i jashtëzakonshëm dhe më i shquar në historinë e kulturës artistike botërore. Ai ishte një njeri universal në kuptimin e plotë të fjalës dhe zotëronte njohuritë dhe talentet më të gjithanshme. Artist, skulptor, teoricien i artit, matematikan, arkitekt, anatomist, astronom, fizikan dhe inxhinier - e gjithë kjo ka të bëjë me të. Për më tepër, në secilën prej fushave, Leonardo da Vinci (1452-1519) u tregua një novator. Vetëm 15 nga pikturat e tij, si dhe shumë skica, kanë mbijetuar deri më sot. Duke pasur energji të mahnitshme jetësore dhe një etje për dije, ai ishte i padurueshëm dhe i magjepsur nga vetë procesi i të mësuarit. Në moshë fare të re (20 vjeç) u kualifikua si mjeshtër i Esnafit të Shën Lukës. Veprat e tij më të rëndësishme ishin afresku "Darka e Fundit", pikturat "Mona Lisa", "Benois Madonna" (foto sipër), "Zonja me hermelinë" etj.

Portretet e artistëve të Rilindjes janë të rralla. Ata preferuan të linin imazhet e tyre në piktura me shumë fytyra. Kështu, polemika rreth autoportretit të da Vinçit (në foto) vazhdon edhe sot e kësaj dite. Ka versione që ai e ka arritur në moshën 60-vjeçare. Sipas biografit, artistit dhe shkrimtarit Vasari, mjeshtri i madh vdiq në krahët e mikut të tij të ngushtë Mbretit Françesku I në kështjellën e tij të Clos-Lucé.

Raphael Santi (1483-1520)

Artist dhe arkitekt me origjinë nga Urbino. Emri i tij në art është i lidhur pa ndryshim me idenë e bukurisë sublime dhe harmonisë natyrore. Në një jetë mjaft të shkurtër (37 vjet), ai krijoi shumë piktura, afreske dhe portrete me famë botërore. Temat që ai përshkruante ishin shumë të larmishme, por ai gjithmonë tërhiqej nga imazhi i Nënës së Zotit. Absolutisht në mënyrë të justifikuar, Raphael quhet "mjeshtër i Madonnas", veçanërisht ato të pikturuara prej tij në Romë. Ai punoi në Vatikan nga viti 1508 deri në fund të jetës së tij si artist zyrtar në oborrin papal.

I talentuar gjithëpërfshirës, ​​si shumë artistë të tjerë të mëdhenj të Rilindjes, Raphaeli ishte gjithashtu një arkitekt dhe ishte gjithashtu i përfshirë në gërmime arkeologjike. Sipas një versioni, hobi i fundit lidhet drejtpërdrejt me vdekjen e parakohshme. Me sa duket, ai mori ethet romake në gërmime. Mjeshtri i madh u varros në Panteon. Fotoja është autoportreti i tij.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Burri i gjatë 70-vjeçar ishte i ndritur; ai u la pasardhësve të tij krijime të padurueshme jo vetëm të pikturës, por edhe të skulpturës. Ashtu si artistët e tjerë të mëdhenj të Rilindjes, Michelangelo jetoi në një kohë të mbushur me ngjarje historike dhe trazira. Arti i tij është një notë e mrekullueshme përfundimtare e të gjithë Rilindjes.

Mjeshtri e vuri skulpturën mbi të gjitha artet e tjera, por me vullnetin e fatit u bë një piktor dhe arkitekt i shquar. Puna e tij më ambicioze dhe e jashtëzakonshme është piktura (në foto) në pallatin në Vatikan. Sipërfaqja e afreskut i kalon 600 metra katrorë dhe përmban 300 figura njerëzore. Më mbresëlënëse dhe më e njohur është skena e Gjyqit të Fundit.

Artistët italianë të Rilindjes kishin talente të shumëanshme. Pra, pak njerëz e dinë se Mikelanxhelo ishte gjithashtu një poet i shkëlqyer. Ky aspekt i gjenialitetit të tij u shfaq plotësisht në fund të jetës së tij. Rreth 300 poezi kanë mbijetuar deri më sot.

Piktura e Rilindjes së vonë

Periudha e fundit mbulon periudhën kohore nga 1530 deri në 1590-1620. Sipas Enciklopedisë Britannica, Rilindja si një periudhë historike përfundoi me rënien e Romës në 1527. Rreth të njëjtës kohë, Kundër-Reformimi triumfoi në Evropën Jugore. Lëvizja katolike shikonte me kujdes çdo mendim të lirë, duke përfshirë glorifikimin e bukurisë së trupit të njeriut dhe ringjalljen e artit të periudhës antike - domethënë gjithçka që ishte shtylla e Rilindjes. Kjo rezultoi në një lëvizje të veçantë - manierizëm, e karakterizuar nga humbja e harmonisë së shpirtërores dhe fizike, njeriut dhe natyrës. Por edhe gjatë kësaj periudhe të vështirë, disa artistë të famshëm të Rilindjes krijuan kryeveprat e tyre. Midis tyre janë Antonio da Correggio (i konsideruar si themeluesi i klasicizmit dhe palladianizmit) dhe Titian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Ai konsiderohet me të drejtë një titan i Rilindjes, së bashku me Michelangelo, Raphael dhe da Vinci. Edhe para se të mbushte 30 vjeç, Titian fitoi reputacionin e "mbretit të piktorëve dhe piktori i mbretërve". Artisti pikturoi kryesisht piktura me tema mitologjike dhe biblike, për më tepër, ai u bë i famshëm si një piktor i shkëlqyer portretesh. Bashkëkohësit besonin se të kapeshe nga furça e një mjeshtri të madh do të thoshte të fitoje pavdekësinë. Dhe vërtet është. Urdhrat për Titian erdhën nga personat më të nderuar dhe fisnikë: papë, mbretër, kardinalë dhe dukë. Këtu janë vetëm disa nga veprat e tij më të famshme: "Venera e Urbinos", "Përdhunimi i Evropës" (në foto), "Të mbajë kryqin", "Kurora me gjemba", "Madona e Pesaros", "Gruaja me një pasqyrë". ”, etj.

Asgjë nuk përsëritet dy herë. Epoka e Rilindjes i dha njerëzimit personalitete të shkëlqyera, të jashtëzakonshme. Emrat e tyre janë të gdhendur në historinë botërore të artit me shkronja të arta. Arkitektët dhe skulptorët, shkrimtarët dhe artistët e Rilindjes - lista është shumë e gjatë. Ne prekëm vetëm titanët që bënë histori dhe sollën në botë idetë e iluminizmit dhe humanizmit.

Popujt e Evropës kërkuan të ringjallnin thesaret dhe traditat e humbura për shkak të luftërave të pafundme të shfarosjes. Luftërat morën njerëzit dhe gjërat e mëdha që njerëzit krijuan nga faqja e dheut. Ideja e ringjalljes së qytetërimit të lartë të botës së lashtë i dha shkas filozofisë, letërsisë, muzikës, ngritjen e shkencave natyrore dhe mbi të gjitha lulëzimin e artit. Epoka kërkonte njerëz të fortë, të arsimuar që nuk kishin frikë nga asnjë punë. Ishte në mesin e tyre që u bë e mundur shfaqja e atyre pak gjenive që quhen "titanë të Rilindjes". Pikërisht ata që ne i quajmë vetëm me emër.

Rilindja ishte kryesisht italiane. Prandaj, nuk është për t'u habitur që ishte në Itali që arti arriti ngritjen dhe lulëzimin e tij më të lartë gjatë kësaj periudhe. Pikërisht këtu ka dhjetëra emra titanësh, gjenish, artistësh të mëdhenj dhe thjesht të talentuar.

MUZIKA NGA LEONARDO.

Sa djalë me fat! – do të thonë shumë për të. Ai ishte i pajisur me shëndet të rrallë, i pashëm, i gjatë dhe kishte sy blu. Në rininë e tij ai mbante kaçurrela bionde dhe pamja e tij krenare i kujtoi atij Shën Gjergjin e Donatell-it. Ai kishte forcë të padëgjuar dhe të guximshme dhe trimëri mashkullore. Ai këndoi mrekullisht dhe kompozoi melodi e poezi para publikut të tij. Ai luante çdo instrument muzikor, për më tepër i krijoi vetë.

Për artin e Leonardo da Vinçit, bashkëkohësit dhe pasardhësit nuk gjetën kurrë përkufizime të tjera përveç "shkëlqyeshëm", "hyjnor" dhe "i madh". Të njëjtat fjalë i referohen zbulimeve të tij shkencore: ai shpiku një tank, një ekskavator, një helikopter, një nëndetëse, një parashutë, një armë automatike, një helmetë zhytjeje, një ashensor, zgjidhi problemet më komplekse të akustikës, botanikës, mjekësisë, kozmografisë. , krijoi një projekt për një teatër rrethor, të shpikur një shekull më parë, se Galileo, lavjerrësi i orës, vizatoi skitë e ujit aktual, zhvilloi teorinë e mekanikës.

Sa djalë me fat! - shumë do të thonë për të dhe do të fillojnë të kujtojnë princat dhe mbretërit e tij të dashur, të cilët kërkuan njohje me të, shfaqjet dhe festat, të cilat ai i shpiku si artist, dramaturg, aktor, arkitekt dhe u argëtua me ta si një fëmijë.

Megjithatë, a ishte i lumtur njëqindvjeçari i papërmbajtshëm Leonardo, çdo ditë e të cilit u jepte njerëzve dhe botës vizione dhe njohuri? Ai parashikoi fatin e tmerrshëm të krijimeve të tij: shkatërrimin e Darkës së Fundit, pushkatimin e monumentit të Françeska Sforzës, tregtinë e ulët dhe vjedhjen e poshtër të ditarëve dhe fletoreve të tij të punës. Në total, vetëm gjashtëmbëdhjetë piktura kanë mbijetuar deri më sot. Pak skulptura. Por kishte shumë vizatime, vizatime të koduara: si heronjtë e fantashkencës moderne, ai ndryshoi një detaj në dizajnin e tij, sikur një tjetër të mos mund ta përdorte.

Leonardo da Vinci punoi në lloje dhe zhanre të ndryshme të artit, por piktura i solli famën më të madhe.

Një nga pikturat më të hershme të Leonardos është Madonna e Luleve ose Benois Madonna. Tashmë këtu artisti vepron si një novator i vërtetë. Ai kapërcen kornizën e komplotit tradicional dhe i jep imazhit një kuptim më të gjerë, universal, që janë gëzimi dhe dashuria e nënës. Në këtë vepër, u shfaqën qartë shumë tipare të artit të artistit: një përbërje e qartë e figurave dhe vëllimi i formave, një dëshirë për shkurtësi dhe përgjithësim, ekspresivitet psikologjik.

Vazhdimi i temës së nisur ishte piktura "Madonna Litta", ku u zbulua qartë një veçori tjetër e punës së artistit - një lojë mbi kontrastet. Përfundimi i temës ishte piktura "Madonna in the Grotto", e cila vuri në dukje zgjidhjen ideale kompozicionale, falë së cilës figurat e përshkruara të Madonës, Krishtit dhe engjëjve bashkohen me peizazhin në një tërësi të vetme, të pajisur me ekuilibër dhe harmoni të qetë. .

Një nga majat e veprës së Leonardos është afresku "Darka e Fundit" në tryezën e manastirit të Santa Maria Della Grazie. Kjo vepër mahnit jo vetëm me përbërjen e saj të përgjithshme, por edhe me saktësinë e saj. Leonardo jo vetëm që përcjell gjendjen psikologjike të apostujve, por e bën këtë në momentin kur arrin një pikë kritike, kthehet në një shpërthim dhe konflikt psikologjik. Ky shpërthim është shkaktuar nga fjalët e Krishtit: "Një nga ju do të më tradhtojë". Në këtë vepër, Leonardo përdori plotësisht teknikën e krahasimit specifik të figurave, falë së cilës çdo personazh shfaqet si një individualitet dhe personalitet unik.

Kulmi i dytë i krijimtarisë së Leonardit ishte portreti i famshëm i Mona Lizës, ose La Gioconda. Kjo vepër shënoi fillimin e zhanrit të portretit psikologjik në artin evropian. Gjatë krijimit të tij, mjeshtri i madh përdori shkëlqyeshëm të gjithë arsenalin e mjeteve të shprehjes artistike: kontraste të mprehta dhe gjysmëtone të buta, qetësi të ngrirë dhe rrjedhshmëri dhe ndryshueshmëri të përgjithshme, nuanca dhe tranzicione delikate psikologjike. I gjithë gjeniu i Leonardos qëndron në pamjen mahnitëse të gjallë të Mona Lizës, buzëqeshjen e saj misterioze dhe enigmatike, mjegullën mistike që mbulon peizazhin. Kjo vepër është një nga kryeveprat më të rralla të artit.

Të gjithë ata që panë La Xhokonda të sjellë nga Luvri i Moskës kujtojnë momentet e shurdhimit të tyre të plotë pranë kësaj telajo të vogël, tensionin e më të mirëve në vetvete. Gioconda dukej si një "marsian", një përfaqësuese e të panjohurës - ndoshta e ardhmja, dhe jo e kaluara e fisit njerëzor, mishërimi i harmonisë, për të cilën bota nuk është e lodhur dhe nuk do të lodhet kurrë duke ëndërruar.

Mund të thuhet shumë më tepër për të. I habitur që kjo nuk është trillim apo fantazi. Për shembull, ju mund të mbani mend se si ai propozoi të zhvendoste Katedralen e San Giovanni - një punë e tillë na mahnit ne, banorët e shekullit të njëzetë.

Leonardo tha: “Një artist i mirë duhet të jetë në gjendje të pikturojë dy gjëra kryesore: një person dhe një përfaqësim të shpirtit të tij. Apo është thënë kjo për "Columbine" nga Hermitage Shën Petersburg? Disa studiues e quajnë atë, dhe jo kanavacën e Luvrit, "La Gioconda".

Djaloshi Nardo, kështu quhej në Vinçi: djali i paligjshëm i një noteri letrar, që i konsideronte zogjtë dhe kuajt si krijesat më të mira në tokë. I dashur nga të gjithë dhe i vetmuar, që përkul shpatat e çelikut dhe pikturoi njerëz të varur. Ai shpiku një urë mbi Bosfor dhe një qytet ideal, më të bukur se ato të Corbusier dhe Niemeyer. Ai këndoi me një bariton të butë dhe bëri që Mona Lisa të buzëqeshte. Në një nga fletoret e tij të fundit, ky njeri me fat shkruante: "Më dukej se po mësoja të jetoja, por po mësoja të vdisja". Megjithatë, ai më pas e përmblodhi atë: "Një jetë e jetuar mirë është një jetë e gjatë."

A është e mundur të mos pajtohesh me Leonardon?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli lindi në Firence në 1445 në familjen e një lëkurë lëkurësh.

Vepra e parë origjinale e Botticelli konsiderohet të jetë "Adhurimi i magjistarëve" (rreth 1740), ku veçoritë kryesore të mënyrës së tij origjinale - ëndërrimi dhe poezia delikate - ishin pasqyruar tashmë plotësisht. Ai ishte i talentuar me një ndjenjë të lindur të poezisë, por një prekje e qartë e trishtimit soditës e përshkoi fjalë për fjalë në gjithçka. Edhe Shën Sebastiani, i torturuar nga shigjetat e torturuesve të tij, duket i menduar dhe i shkëputur prej tij.

Në fund të viteve 1470, Botticelli u afrua me rrethin e sundimtarit de fakto të Firences, Lorenzo Medici, i mbiquajtur i Madhërishmi. Në kopshtet luksoze të Lorencos u mblodh një shoqëri njerëzish, ndoshta më të ndriturit dhe më të talentuarit në Firence. Aty kishte filozofë, poetë dhe muzikantë. Mbretëronte një atmosferë admirimi për të bukurën dhe vlerësohej jo vetëm bukuria e artit, por edhe bukuria e jetës. Antikiteti u konsiderua prototipi i artit ideal dhe i jetës ideale, i perceptuar, megjithatë, përmes prizmit të shtresave të mëvonshme filozofike. Pa dyshim, nën ndikimin e kësaj atmosfere, u krijua piktura e parë e madhe e Botticelli, "Primavera (Pranvera)". Kjo është një alegori si ëndrra, e hollë, e mrekullueshme e bukur e ciklit të përjetshëm, rinovimit të vazhdueshëm të natyrës. Përshkohet nga një ritëm muzikor kompleks dhe i çuditshëm. Figura e Florës, e stolisur me lule dhe hiret e vallëzimit në Kopshtin e Edenit përfaqësonin imazhe bukurie që nuk ishin parë ende në atë kohë dhe për këtë arsye krijonin një përshtypje veçanërisht magjepsëse. I riu Botticelli zuri menjëherë një vend të spikatur midis mjeshtrave të kohës së tij.

Ishte reputacioni i lartë i piktorit të ri që i siguroi atij një komision për afreske biblike për Kapelën Sistine të Vatikanit, të cilën ai e krijoi në fillim të viteve 1480 në Romë. Ai shkroi "Skena nga jeta e Moisiut", "Ndëshkimi i Korahut, Dathanit dhe Abironit", duke demonstruar aftësi të mahnitshme kompozicionale. Qetësia klasike e ndërtesave antike, kundër të cilave Botticelli vendosi veprimin, bie në kontrast të fortë me ritmin dramatik të personazheve dhe pasioneve të përshkruara; lëvizja e trupave të njeriut është komplekse, konfuze, e ngopur me forcë shpërthyese; të krijohet përshtypja e harmonisë lëkundëse, pambrojtjes së botës së dukshme përpara presionit të shpejtë të kohës dhe vullnetit njerëzor. Afresket e Kapelës Sistine shprehën për herë të parë ankthin e thellë që jetonte në shpirtin e Botticelli-t, i cili u forcua me kalimin e kohës. Të njëjtat afreske pasqyronin talentin e mahnitshëm të Botticelli-t si piktor portreti: secila nga fytyrat e shumta të pikturuara është krejtësisht origjinale, unike dhe e paharrueshme...

Në vitet 1480, duke u kthyer në Firence, Botticelli vazhdoi të punonte pa u lodhur, por qartësia paqësore e Primera ishte tashmë shumë prapa tij. Në mesin e dekadës ai shkroi "Lindja e Venusit" e tij të famshme. Studiuesit vërejnë në veprat e mëvonshme të mjeshtrit një moralizëm dhe ekzaltim fetar të pazakontë.

Ndoshta më domethënëse se piktura e vonë janë vizatimet e Botticelli të viteve '90 - ilustrime për "Komedinë Hyjnore" të Dantes. Ai pikturonte me kënaqësi të dukshme dhe të pa maskuar; vizionet e poetit të madh përçohen me dashuri dhe kujdes nga përmasat e përsosura të figurave të shumta, organizimi i menduar i hapësirës, ​​shkathtësia e pashtershme në kërkimin e ekuivalentëve pamorë të fjalës poetike...

Pavarësisht çdo stuhie dhe krize mendore, Botticelli mbeti një artist i madh, mjeshtër i artit të tij, deri në fund (vdiq në 1510). Këtë e dëshmon qartë skulptura fisnike e fytyrës në “Portreti i të riut”, karakterizimi shprehës i modeles, që nuk lë asnjë dyshim për meritat e saj të larta njerëzore, vizatimin solid të mjeshtrit dhe vështrimin e tij dashamirës.

Në kohë të vështira për Italinë, filloi "epoka e artë" jetëshkurtër e Rilindjes Italiane - e ashtuquajtura Rilindja e Lartë, pika më e lartë e lulëzimit të artit italian. Kështu, Rilindja e Lartë përkoi me periudhën e luftës së ashpër të qyteteve italiane për pavarësi. Arti i kësaj kohe u përshkua nga humanizmi, besimi në fuqitë krijuese të njeriut, në mundësitë e pakufizuara të aftësive të tij, në strukturën e arsyeshme të botës, në triumfin e përparimit. Në art dolën në pah problemet e detyrës qytetare, cilësitë e larta morale, veprat heroike, imazhi i një njeriu hero të bukur, të zhvilluar harmonikisht, të fortë në shpirt e trup, që arriti të ngrihej mbi nivelin e jetës së përditshme. Kërkimi i një ideali të tillë e çoi artin në sintezë, përgjithësim, në zbulimin e modeleve të përgjithshme të fenomeneve, në identifikimin e marrëdhënieve të tyre logjike. Arti i Rilindjes së Lartë braktis veçoritë dhe detajet e parëndësishme në emër të një imazhi të përgjithësuar, në emër të dëshirës për një sintezë harmonike të aspekteve të bukura të jetës. Ky është një nga ndryshimet kryesore midis Rilindjes së Lartë dhe asaj të hershme.

Leonardo da Vinci (1452-1519) ishte artisti i parë që mishëroi qartë këtë ndryshim. Mësuesi i parë i Leonardos ishte Andrea Verrocchio. Figura e një engjëlli në pikturën e mësuesit "Pagëzimi" tregon tashmë qartë ndryshimin në perceptimin e artistit për botën e epokës së kaluar dhe të epokës së re: pa rrafshim ballor të Verrocchio, modelimi më i mirë i vëllimit dhe shpirtëror i jashtëzakonshëm. të imazhit. . Studiuesit e datojnë "Madonën me një lule" ("Benois Madonna", siç quhej më parë, sipas pronarëve) në kohën e largimit të Verrocchio nga punishtja. Gjatë kësaj periudhe, Leonardo padyshim u ndikua për ca kohë nga Botticelli. Nga vitet 80 të shekullit të 15-të. Dy kompozime të papërfunduara të Leonardos kanë mbijetuar: "Adhurimi i magjistarëve" dhe "Shën. Jerome." Ndoshta në mesin e viteve '80, "Madonna Litta" u krijua gjithashtu duke përdorur teknikën e lashtë të temperës, në imazhin e së cilës shprehej lloji i bukurisë femërore të Leonardos: qepallat e rënda, gjysmë të ulura dhe një buzëqeshje delikate i japin fytyrës së Madonës një shpirtërore të veçantë.

Duke ndërthurur parimet shkencore dhe krijuese, duke zotëruar të menduarit logjik dhe artistik, Leonardo e kaloi tërë jetën e tij duke u angazhuar në kërkime shkencore së bashku me artet figurative; i hutuar, dukej i ngadalshëm dhe la pas pak art. Në oborrin e Milanos, Leonardo punoi si artist, teknik shkencor, shpikës, matematikan dhe anatomist. Vepra e parë e madhe që ai performoi në Milano ishte "Madonna of the Rocks" (ose "Madonna of the Grotto"). Kjo është kompozimi i parë altar monumental i Rilindjes së Lartë, interesante edhe sepse shprehte plotësisht tiparet e stilit të shkrimit të Leonardos.

Vepra më e madhe e Leonardos në Milano, arritja më e lartë e artit të tij, ishte pikturimi i murit të tryezës së manastirit të Santa Maria della Grazie me temën e Darkës së Fundit (1495-1498). Krishti takohet me dishepujt e tij për herë të fundit në darkë për t'u njoftuar atyre tradhtinë e njërit prej tyre. Për Leonardon, arti dhe shkenca ekzistonin të pandashme. Ndërsa ishte i angazhuar në art, ai bëri kërkime shkencore, eksperimente, vëzhgime, ai kaloi përmes perspektivës në fushën e optikës dhe fizikës, përmes problemeve të përmasave - në anatominë dhe matematikën, etj. "Darka e Fundit" përfundon një fazë të tërë në artin e artistit. kërkimin shkencor. Është gjithashtu një fazë e re në art.

Leonardo mori pushim nga studimi i anatomisë, gjeometrisë, fortifikimit, bonifikimit të tokës, gjuhësisë, versifikimit dhe muzikës për të punuar në "The Horse", një monument i kuajve për Francesco Sforza, për të cilin ai erdhi kryesisht në Milano dhe të cilin e përfundoi në madhësi të plotë. në fillim të viteve '90 në balte. Monumenti nuk ishte i destinuar të mishërohej në bronz: në 1499 francezët pushtuan Milanin dhe harkëtarët e Gaskonit qëlluan monumentin e kuajve. Në vitin 1499, filluan vitet e bredhjeve të Leonardos: Mantua, Venecia dhe, më në fund, vendlindja e artistit në Firence, ku ai pikturoi kartonin "St. Anna me Marinë në prehër”, nga e cila krijon një pikturë vaji në Milano (ku u kthye në 1506)

Në Firence, Leonardo filloi një pikturë tjetër: një portret i gruas së tregtarit del Giocondo, Mona Lisa, e cila u bë një nga pikturat më të famshme në botë.

Portreti i Mona Lisa Gioconda është një hap vendimtar drejt zhvillimit të artit të Rilindjes

Për herë të parë, zhanri i portretit u bë në të njëjtin nivel me kompozimet me tema fetare dhe mitologjike. Pavarësisht nga të gjitha ngjashmëritë e pamohueshme fizionomike, portretet e Quattrocento-s dalloheshin nga, nëse jo kufizimet e jashtme, atëherë të brendshme. Madhështia e Mona Lizës përcillet thjesht nga vënia përballë e figurës së saj të theksuar voluminoze, e shtyrë fuqishëm deri në skajin e kanavacës, me një peizazh me shkëmbinj dhe përrenj të dukshëm si nga larg, të shkrirë, tërheqës, të pakapshëm dhe për këtë arsye, pavarësisht gjithë realiteti i motivit, fantastik.

Në vitin 1515, me sugjerimin e mbretit francez Francis I, Leonardo u largua përgjithmonë në Francë.

Leonardo ishte artisti më i madh i kohës së tij, një gjeni që hapi horizonte të reja arti. Ai la pas pak vepra, por secila prej tyre ishte një fazë në historinë e kulturës. Leonardo njihet gjithashtu si një shkencëtar i gjithanshëm. Zbulimet e tij shkencore, për shembull, kërkimet e tij në fushën e avionëve, janë me interes në epokën tonë të astronautikës. Mijëra faqe të dorëshkrimeve të Leonardos, që mbulojnë fjalë për fjalë çdo fushë të dijes, dëshmojnë për universalitetin e gjeniut të tij.

Idetë e artit monumental të Rilindjes, në të cilat u bashkuan traditat e antikitetit dhe shpirti i krishterimit, gjetën shprehjen e tyre më të gjallë në veprën e Raphaelit (1483-1520). Në artin e tij, dy detyra kryesore gjetën një zgjidhje të pjekur: përsosja plastike e trupit të njeriut, duke shprehur harmoninë e brendshme të një personaliteti të zhvilluar në mënyrë gjithëpërfshirëse, në të cilin Raphaeli ndoqi antikitetin dhe një kompozim kompleks me shumë figura që përcjell të gjithë diversitetin e botë. Raphaeli i pasuroi këto mundësi, duke arritur lirinë e mahnitshme në përshkrimin e hapësirës dhe lëvizjen e figurës njerëzore në të, harmoninë e patëmetë midis mjedisit dhe njeriut.

Asnjë nga mjeshtrit e Rilindjes nuk e perceptoi thelbin pagan të antikitetit aq thellë dhe natyrshëm sa Raphaeli; Jo pa arsye ai konsiderohet si artisti që lidhi më plotësisht traditat antike me artin evropianoperëndimor të epokës moderne.

Rafael Santi lindi në vitin 1483 në qytetin e Urbinos, një nga qendrat e kulturës artistike në Itali, në oborrin e Dukës së Urbinos, në familjen e një piktori dhe poeti të oborrit, i cili ishte mësuesi i parë i mjeshtrit të ardhshëm.

Periudha e hershme e punës së Raphaelit karakterizohet në mënyrë të përkryer nga një pikturë e vogël në formën e një tondo "Madonna Conestabile", me thjeshtësinë dhe lakonizmin e detajeve të zgjedhura rreptësisht (pavarësisht ndrojtjes së kompozimit) dhe të veçantën, e natyrshme në të gjitha veprat e Raphaelit. vepra, lirikë delikate dhe një ndjenjë paqeje. Në 1500, Raphael u largua nga Urbino për në Perugia për të studiuar në punëtorinë e artistit të famshëm Umbrian Perugino, nën ndikimin e të cilit u shkrua Fejesa e Marisë (1504). Ndjenja e ritmit, proporcionaliteti i masave plastike, intervalet hapësinore, marrëdhënia midis figurave dhe sfondit, koordinimi i toneve bazë (në "Betrothal" këto janë të arta, të kuqe dhe jeshile në kombinim me një sfond të butë qielli blu) krijojnë harmoninë që është tashmë e dukshme në veprat e hershme të Raphaelit dhe e dallon atë nga artistët e epokës së mëparshme.

Gjatë gjithë jetës së tij, Raphael e kërkoi këtë imazh në Madonna; veprat e tij të shumta që interpretonin imazhin e Madonna-s i dhanë atij famë botërore. Merita e artistit, para së gjithash, është se ai ishte në gjendje të mishëronte të gjitha nuancat më delikate të ndjenjave në idenë e mëmësisë, të ndërthurte lirizmin dhe emocionalitetin e thellë me madhështinë monumentale. Kjo është e dukshme në të gjitha Madonat e tij, duke filluar nga "Madonna Conestabile" e ndrojtur rinore: në "Madona e të Gjelbërve", "Madona me Goldfinch", "Madonna në kolltuk" dhe veçanërisht në kulmin e shpirtit dhe aftësisë së Raphaelit. - në "Sistine Madonna".

"The Sistine Madonna" është një nga veprat më të përsosura të Raphaelit për sa i përket gjuhës: figura e Marisë dhe Fëmijës, e siluetuar rreptësisht kundër qiellit, është e bashkuar nga një ritëm i përbashkët lëvizjeje me figurat e Shën. Barbarët dhe Papa Sixtus II, gjestet e të cilit i drejtohen Madonës, si dhe pikëpamjet e dy engjëjve (më shumë si putti, që është aq karakteristik për Rilindjen), janë në pjesën e poshtme të kompozimit. Shifrat janë të bashkuara gjithashtu nga një ngjyrë e përbashkët e artë, sikur personifikojnë shkëlqimin hyjnor. Por gjëja kryesore është lloji i fytyrës së Madonës, i cili mishëron sintezën e idealit të lashtë të bukurisë me spiritualitetin e idealit të krishterë, i cili është aq karakteristik për botëkuptimin e Rilindjes së Lartë.

Sistine Madonna është një vepër e vonë nga Raphael.

Në fillim të shekullit të 16-të. Roma bëhet qendra kryesore kulturore e Italisë. Arti i Rilindjes së Lartë arrin lulëzimin e tij më të madh në këtë qytet, ku, me vullnetin e papëve patronizues Julius II dhe Leo X, punojnë njëkohësisht artistë si Bramante, Michelangelo dhe Raphael.

Raphaeli pikturon dy strofat e para. Në Stanza della Segnatura (dhoma e nënshkrimeve, vulave) ai pikturoi katër afreskoalegori të sferave kryesore të veprimtarisë shpirtërore të njeriut: filozofisë, poezisë, teologjisë dhe jurisprudencës (“Shkolla e Athinës”, “Parnassus”, “Disputa” , "Masa, mençuria dhe forca" ". Në dhomën e dytë, të quajtur "Strofa e Eliodorus", Raphaeli pikturoi afreske në skena historike dhe legjendare duke lavdëruar papët: "Dëbimi i Eliodorus"

Ishte e zakonshme që arti i mesjetës dhe i Rilindjes së hershme të përshkruante shkencat dhe artet në formën e figurave individuale alegorike. Raphaeli i zgjidhi këto tema në formën e kompozimeve me shumë figura, ndonjëherë duke përfaqësuar portrete reale në grup, interesante si për individualizimin ashtu edhe për tiparitetin e tyre.

Studentët ndihmuan gjithashtu Raphaelin në pikturimin e lozhave të Vatikanit ngjitur me dhomat e Papës, të pikturuara sipas skicave të tij dhe nën mbikëqyrjen e tij me motive ornamentesh antike, të nxjerra kryesisht nga shpellat e lashta të sapo zbuluara (prandaj emri "groteskë").

Raphaeli performoi vepra të zhanreve të ndryshme. Dhurata e tij si dekorues, si dhe si regjisor dhe tregimtar, u shfaq plotësisht në një seri prej tetë kartonash për tapiceri për Kapelën Sistine në skena nga jeta e apostujve Pjetër dhe Pal ("Një kapje e mrekullueshme e peshkut", për shembull). Këto piktura përgjatë shekujve 16-18. shërbeu si një lloj standardi për klasicistët.

Raphaeli ishte gjithashtu piktori më i madh i portreteve të epokës së tij. ("Papa Julius II", "Leo X", miku i artistit, shkrimtari Castiglione, bukuroshja "Donna Velata", etj.). Dhe në imazhet e portretit të tij, si rregull, mbizotëron ekuilibri dhe harmonia e brendshme.

Në fund të jetës së tij, Raphael ishte i ngarkuar në mënyrë disproporcionale me një sërë veprash dhe porosish. Është madje e vështirë të imagjinohet se e gjithë kjo mund të bëhet nga një person. Ai ishte një figurë qendrore në jetën artistike të Romës; pas vdekjes së Bramante (1514), ai u bë arkitekti kryesor i Katedrales së St. Pjetri, ishte përgjegjës për gërmimet arkeologjike në Romë dhe rrethinat e saj dhe mbrojtjen e monumenteve antike.

Raphaeli vdiq në 1520; vdekja e tij e parakohshme ishte e papritur për bashkëkohësit e tij. Hiri i tij është varrosur në Panteon.

Mjeshtri i tretë më i madh i Rilindjes së Lartë - Michelangelo - i ka mbijetuar shumë Leonardo dhe Raphael. Gjysma e parë e karrierës së tij krijuese ndodhi gjatë kulmit të artit të Rilindjes së Lartë, dhe e dyta gjatë Kundër-Reformimit dhe fillimit të formimit të artit barok. Nga galaktika e shkëlqyer e artistëve të Rilindjes së Lartë, Michelangelo i tejkaloi të gjithë me pasurinë e imazheve të tij, patosin qytetar dhe ndjeshmërinë ndaj ndryshimeve në humorin publik. Prandaj mishërimi krijues i kolapsit të ideve të Rilindjes.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Në 1488 në Firence ai filloi të studiojë me kujdes skulpturën antike. Relievi i tij “Beteja e Centaurëve” është tashmë një vepër e Rilindjes së Lartë në harmoninë e saj të brendshme. Në 1496, artisti i ri u nis për në Romë, ku krijoi veprat e tij të para që i sollën famë: "Bacchus" dhe "Pieta". E kapur fjalë për fjalë nga imazhet e antikitetit. “Pieta” hap një seri të tërë veprash të mjeshtrit mbi këtë temë dhe e vendos atë ndër skulptorët e parë të Italisë.

Pas kthimit në Firence në 1501, Michelangelo, në emër të Signoria, mori përsipër të skalitë figurën e Davidit nga një bllok mermeri i dëmtuar para tij nga një skulptor i pafat. Në vitin 1504, Michelangelo përfundoi statujën e famshme, të cilën fiorentinët e quajtën "Gjiganti" dhe e vendosën përballë Palazzo Vecchia, bashkisë së qytetit. Hapja e monumentit u kthye në një festë kombëtare. Imazhi i Davidit frymëzoi shumë artistë Quattrocento. Por Michelangelo e portretizon atë jo si një djalë, si në Donatello dhe Verrocchio, por si një djalë të ri në lulëzimin e plotë të forcës së tij, dhe jo pas një beteje, me kokën e një gjiganti në këmbët e tij, por para betejës, në këtë moment. të tensionit më të lartë të forcës. Në imazhin e bukur të Davidit, në fytyrën e tij të ashpër, skulptori përcolli fuqinë titanike të pasionit, vullnetit të palëkundur, guximit civil dhe fuqisë së pakufishme të një njeriu të lirë.

Në 1504, Michelangelo (siç u përmend tashmë në lidhje me Leonardo) fillon të punojë në pikturën e "Sallës së Pesëqindëve" në Palazzo Signoria.

Në 1505, Papa Julius II e ftoi Mikelanxhelon në Romë për të ndërtuar varrin e tij, por më pas refuzoi urdhrin dhe urdhëroi një pikturë më pak madhështore të tavanit të Kapelës Sistine në Pallatin e Vatikanit.

Michelangelo punoi i vetëm në pikturimin e tavanit të Kapelës Sistine, nga viti 1508 deri në vitin 1512, duke pikturuar një sipërfaqe prej rreth 600 metrash katrorë. m (48x13 m) në një lartësi prej 18 m.

Michelangelo ia kushtoi pjesën qendrore të tavanit skenave të historisë së shenjtë, duke filluar nga krijimi i botës. Këto kompozime janë të kornizuara nga e njëjta kornizë e pikturuar, por duke krijuar iluzionin e arkitekturës, dhe janë të ndara, gjithashtu nga shufra piktoreske. Drejtkëndëshat piktoreskë theksojnë dhe pasurojnë arkitekturën e vërtetë të tavanit. Nën kornizën piktoresk, Michelangelo pikturoi profetë dhe sibila (secila figurë është rreth tre metra), në lunete (harqe mbi dritare) ai përshkroi episode nga Bibla dhe paraardhësit e Krishtit si njerëz të thjeshtë të përfshirë në punët e përditshme.

Nëntë kompozimet qendrore shpalosin ngjarjet e ditëve të para të krijimit, historinë e Adamit dhe Evës, përmbytjen globale dhe të gjitha këto skena, në fakt, janë një himn për personin e natyrshëm në të. Menjëherë pas përfundimit të punës në Sistine, Julius II vdiq dhe trashëgimtarët e tij iu kthyen idesë së një guri varri. Në 1513-1516. Mikelanxhelo interpreton figurën e Moisiut dhe skllevërve (robërve) për këtë gur varri. Imazhi i Moisiut është një nga më të fuqishmit në veprën e mjeshtrit të pjekur. Ai investoi tek ai ëndrrën e një udhëheqësi të urtë, të guximshëm, plot forcë, shprehje, vullnet-cilësi titanike, aq të nevojshme atëherë për bashkimin e atdheut të tij. Figurat e skllevërve nuk u përfshinë në versionin përfundimtar të varrit.

Nga viti 1520 deri në vitin 1534, Michelangelo punoi në një nga veprat skulpturore më domethënëse dhe më tragjike - mbi varrin e Medicive (kisha fiorentine e San Lorenzos), duke shprehur të gjitha përvojat që i pësuan vetë mjeshtrit, vendlindjes së tij dhe gjithë vendi në tërësi. Që nga fundi i viteve 20, Italia fjalë për fjalë u copëtua nga armiqtë e jashtëm dhe të brendshëm. Në 1527, ushtarët mercenarë mundën Romën, protestantët plaçkitën faltoret katolike të qytetit të përjetshëm. Borgjezia fiorentine rrëzon Medici, të cilët sunduan përsëri nga viti 1510

Në një humor të pesimizmit të ashpër, në një gjendje të religjionit të thellë në rritje, Michelangelo punon në varrin e Medici. Ai vetë ndërtoi një shtrirje në kishën fiorentine të San Lorenzos - një dhomë e vogël, por shumë e lartë, e mbuluar me një kube dhe zbukuroi dy mure të sakristisë (brendinë e saj) me gurë varresh skulpturore. Një mur është zbukuruar me figurën e Lorencos, e kundërta me Giulianon, dhe poshtë në këmbët e tyre ka sarkofagë të zbukuruar me imazhe skulpturore alegorike - simbole të kohës që rrjedh shpejt: "Mëngjesi" dhe "Mbrëmja" në gurin e varrit të Lorenzos, "Nata". dhe "Dita" në gurin e varrit të Xhulianos.

Të dy imazhet - Lorenzo dhe Giuliano - nuk kanë një ngjashmëri të portretit, kjo është arsyeja pse ato ndryshojnë nga zgjidhjet tradicionale të shekullit të 15-të.

Pali III, menjëherë pas zgjedhjes së tij, filloi të kërkonte me këmbëngulje që Michelangelo të përmbushte këtë plan, dhe në 1534, duke ndërprerë punën për varrin, të cilin e përfundoi vetëm në 1545, Michelangelo u nis për në Romë, ku filloi punën e tij të dytë në Kapelën Sistine. - te piktura "Gjykimi i Fundit" (1535-1541) - një krijim madhështor që shprehte tragjedinë e racës njerëzore. Tiparet e sistemit të ri artistik u shfaqën edhe më qartë në këtë vepër të Mikelanxhelos. Gjykimi krijues, Krishti ndëshkues vendoset në qendër të kompozimit dhe rreth tij në një lëvizje rrethore rrotullohen mëkatarët që hidhen në ferr, të drejtët që ngjiten në parajsë dhe të vdekurit që ngrihen nga varret e tyre për gjykimin e Zotit. Gjithçka është plot tmerr, dëshpërim, zemërim, konfuzion.

Piktori, skulptori, poeti, Mikelanxhelo ishte gjithashtu një arkitekt i shkëlqyer. Përfundoi shkallët e Bibliotekës Laurentiane të Firences, projektoi sheshin e Kapitolit në Romë, ngriti Portën e Piusit (Porta Pia) dhe që nga viti 1546 punon në Katedralen e St. Pjetri, i filluar nga Bramante. Michelangelo zotëron vizatimin dhe vizatimin e kupolës, e cila u ekzekutua pas vdekjes së mjeshtrit dhe është ende një nga tiparet kryesore dominuese në panoramën e qytetit.

Michelangelo vdiq në Romë në moshën 89-vjeçare. Trupi i tij u dërgua natën në Firence dhe u varros në kishën më të vjetër në qytetin e tij të lindjes, Santa Croce. Rëndësia historike e artit të Mikelanxhelos, ndikimi i tij tek bashkëkohësit e tij dhe në epokat e mëvonshme vështirë se mund të mbivlerësohet. Disa studiues të huaj e interpretojnë atë si artistin dhe arkitektin e parë të barokut. Por mbi të gjitha ai është interesant si bartës i traditave të mëdha realiste të Rilindjes.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, i mbiquajtur Giorgione (1477-1510), është një ndjekës i drejtpërdrejtë i mësuesit të tij dhe një artist tipik i Rilindjes së Lartë. Ai ishte i pari në tokën veneciane që iu drejtua temave letrare dhe temave mitologjike. Peizazhi, natyra dhe trupi i bukur i zhveshur i njeriut u bënë për të një objekt arti dhe një objekt adhurimi.

Tashmë në veprën e parë të njohur, "Madonna e Castelfranco" (rreth 1505), Giorgione shfaqet si një artist plotësisht i njohur; Imazhi i Madonnës është plot me poezi, ëndërrim të zhytur në mendime, të përshkuar me atë humor trishtimi që është karakteristik për të gjitha imazhet femërore të Giorgione. Në pesë vitet e fundit të jetës së tij, artisti krijoi veprat e tij më të mira, të realizuara në teknikën e vajit, kryesorja në shkollën veneciane të asaj kohe. . Në pikturën e vitit 1506 "Stuhia", Giorgione përshkruan njeriun si një pjesë të natyrës. Një grua që ushqen një fëmijë, një i ri me një staf (i cili mund të ngatërrohet me një luftëtar me halbër) nuk i bashkon asnjë veprim, por i bashkon në këtë peizazh madhështor një humor i përbashkët, një gjendje shpirtërore e përbashkët. Imazhi i "Afërditës së Fjetur" (rreth 1508-1510) është i përshkuar me shpirtërore dhe poezi. Trupi i saj është shkruar lehtësisht, lirshëm, me hijeshi, jo pa arsye studiuesit flasin për “muzikalitetin” e ritmeve të Giorgione-s; nuk është pa hijeshi sensuale. "Koncerti Rural" (1508-1510)

Titian Vecellio (1477?-1576) është artisti më i madh i Rilindjes veneciane. Ai krijoi vepra si në tema mitologjike ashtu edhe në ato të krishtera, punoi në zhanrin e portretit, talenti i tij koloristik është i jashtëzakonshëm, shpikja e tij kompozicionale është e pashtershme dhe jetëgjatësia e tij e lumtur i lejoi të linte pas një trashëgimi të pasur krijuese që pati një ndikim të madh te pasardhësit e tij.

Tashmë në 1516 ai u bë piktori i parë i republikës, nga vitet 20 - artisti më i famshëm i Venecias

Rreth vitit 1520, Duka i Ferrarës i porositi atij një seri pikturash në të cilat Titian shfaqet si një këngëtar i antikitetit, i cili ishte në gjendje të ndjente dhe, më e rëndësishmja, të mishëronte frymën e paganizmit ("Bacchanalia", "Festa e Venusit", " Bacchus dhe Ariadne”).

Patricët e pasur venecianë porositën Titianin të krijonte altar dhe ai krijoi ikona të mëdha: "Supponimi i Marisë", "Madona e Pesaros"

"Prezantimi i Marisë në tempull" (rreth 1538), "Venus" (rreth 1538)

(portreti në grup i Papa Palit III me nipërit Ottavio dhe Alexander Farnese, 1545-1546)

Ai ende shkruan shumë për tema të lashta ("Venera dhe Adonisi", "Bariu dhe Nimfa", "Diana dhe Aktaeoni", "Jupiteri dhe Antiopa"), por gjithnjë e më shumë i drejtohet temave të krishtera, skenave të martirizimit në të cilat pagane gëzimi, harmonia e lashtë zëvendësohet nga një qëndrim tragjik ("Flagelimi i Krishtit", "Penduarja Maria Magdalena", "Shën Sebastiani", "Vajtimi"),

Por në fund të shekullit, veçoritë e një epoke të re që po afrohet në art, një drejtim i ri artistik, janë tashmë të dukshme këtu. Kjo mund të shihet në punën e dy artistëve kryesorë të gjysmës së dytë të këtij shekulli - Paolo Veronese dhe Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, i mbiquajtur Veronese (ai lindi në Verona, 1528-1588), ishte i destinuar të bëhej këngëtari i fundit i Venecias festive, ngazëllyese të shekullit të 16-të.

: “Festa në shtëpinë e Levit” “Martesa në Kanë të Galilesë” për trapezën e manastirit të San Giorgio Maggiore

Jacopo Robusti, i njohur në art si Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto"-lyer: babai i artistit ishte një ngjyrues mëndafshi). "Mrekullia e Shën Markut" (1548)

("Shpëtimi i Arsinoe", 1555), "Hyrja në tempull" (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro në Piombino, Villa Rotonda në Vicenza, e përfunduar pas vdekjes së tij nga studentët sipas projektimit të tij, shumë ndërtesa në Vicenza). Rezultati i studimit të tij për antikitetin ishin librat "Antikitetet romake" (1554), "Katër libra mbi arkitekturën" (1570-1581), por antikiteti ishte një "organizëm i gjallë" për të, sipas vëzhgimit të drejtë të studiuesit.

Rilindja holandeze në pikturë fillon me "Altarin e Gentit" nga vëllezërit Hubert (vdiq më 1426) dhe Jan (rreth 1390-1441) van Eyck, përfunduar nga Jan van Eyck në 1432. Van Eyck përmirësoi teknikën e vajit: vaji e bëri atë e mundur për të përcjellë më shumë shkathtësi shkëlqimin, thellësinë, pasurinë e botës objektive, e cila tërheq vëmendjen e artistëve holandezë, tingullin e saj shumëngjyrësh.

Nga shumë Madona nga Jan van Eyck, më e famshmja është "Madona e Kancelarit Rollin" (rreth 1435)

("Njeriu me një karafil"; "Njeri me çallmë", 1433; portreti i gruas së artistit Margaret van Eyck, 1439

Arti holandez i detyrohet shumë për zgjidhjen e problemeve Rogier van der Weyden (1400?-1464) “Zbritja nga kryqi” është një vepër tipike e Weyden.

Në gjysmën e dytë të shekullit të 15-të. llogarit për veprën e një mjeshtri me talent të jashtëzakonshëm, Hugo van der Goes (rreth 1435-1482) "Vdekja e Marisë").

Hieronymus Bosch (1450-1516), krijues i vizioneve të errëta mistike, në të cilat ai gjithashtu i drejtohet alegorizmit mesjetar, "Kopshti i kënaqësive"

Kulmi i Rilindjes holandeze ishte padyshim vepra e Pieter Bruegel Plakut, me nofkën Muzhitsky (1525/30-1569) ("Kuzhina e të dobëtëve", "Kuzhina e të dhjamit"). "Peizazhi dimëror" nga cikli "Stinët" (titulli tjetër - "Gjuetarët në dëborë", 1565), "Beteja e Karnavalit dhe Kreshmës" (1559).

Albrecht Durer (1471-1528).

“Festa e Rruzares” (një emër tjetër është “Madona me Rruzare”, 1506), “Kalorësi, Vdekja dhe Djalli”, 1513; “Shën. Jerome" dhe "Melankolia",

Hans Holbein i Riu (1497-1543), "Triumfi i vdekjes" ("Vallja e vdekjes") portreti i Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Rilindja Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (rreth 1420-1481), Portreti i Charles VII

Jean Clouet (rreth 1485/88-1541), djali i François Clouet (rreth 1516-1572) është artisti më i rëndësishëm i Francës në shekullin e 16-të. portreti i Elizabeth të Austrisë, rreth 1571, (portreti i Henry II, Mary Stuart, etj.)

Parathënësit e parë të artit të Rilindjes u shfaqën në Itali në shekullin e 14-të. Artistët e kësaj kohe, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) dhe (më së shumti) Xhoto (1267-1337) kur krijonin piktura me tema tradicionale fetare, ata filluan të përdorin teknika të reja artistike: ndërtimi i një kompozimi tredimensional, duke përdorur një peizazh në sfond, i cili i lejoi ata t'i bënin imazhet më realiste dhe më të animuara. Kjo e dalloi ashpër punën e tyre nga tradita e mëparshme ikonografike, e mbushur me konvencione në imazh.
Termi përdoret për të treguar krijimtarinë e tyre Proto-Rilindja (1300 - "Trecento") .

Giotto di Bondone (rreth 1267-1337) - Artist dhe arkitekt italian i epokës së Proto-Rilindjes. Një nga figurat kryesore në historinë e artit perëndimor. Duke kapërcyer traditën bizantine të pikturës së ikonave, ai u bë themeluesi i vërtetë i shkollës italiane të pikturës dhe zhvilloi një qasje krejtësisht të re për të përshkruar hapësirën. Veprat e Giotto-s u frymëzuan nga Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.


Rilindja e hershme (1400 - Quattrocento).

Në fillim të shekullit të 15-të Filippo Brunelleschi (1377-1446), shkencëtar dhe arkitekt fiorentin.
Brunelleschi donte ta bënte më vizual perceptimin e banjove dhe teatrove që rindërtoi dhe u përpoq të krijonte piktura me perspektivë gjeometrike nga planet e tij për një këndvështrim specifik. Në këtë kërkim u zbulua perspektivë e drejtpërdrejtë.

Kjo i lejoi artistët të merrnin imazhe të përsosura të hapësirës tre-dimensionale në një kanavacë të sheshtë pikture.

Një hap tjetër i rëndësishëm në rrugën drejt Rilindjes ishte shfaqja e artit jofetar, laik. Portreti dhe peizazhi u vendosën si zhanre të pavarura. Edhe temat fetare fituan një interpretim tjetër - artistët e Rilindjes filluan t'i shihnin personazhet e tyre si heronj me tipare të theksuara individuale dhe motivim njerëzor për veprime.

Artistët më të njohur të kësaj periudhe janë Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - piktor i famshëm italian, mjeshtri më i madh i shkollës fiorentine, reformator i pikturës së epokës Quattrocento.

Afresk. Mrekulli me statir.

Pikturë. Kryqëzimi.

Afresk. Historia e Mbretëreshës së Shebës. Kisha e San Franceskos në Arezzo

Pranvera.

Lindja e Venusit.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firence) (1452-1519) - Artist italian (piktor, skulptor, arkitekt) dhe shkencëtar (anatomist, natyralist), shpikës, shkrimtar.

Autoportret

Zonjë me një hermelinë. 1490. Muzeu Czartoryski, Krakov

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Muzeu Hermitage.

Madonna Benois (Madona me një lule). 1478-1480

Madona me Karafil. 1478

Gjatë jetës së tij, Leonardo da Vinci bëri mijëra shënime dhe vizatime mbi anatominë, por nuk e botoi punën e tij. Gjatë zbërthimit të trupave të njerëzve dhe kafshëve, ai përcolli me saktësi strukturën e skeletit dhe organeve të brendshme, duke përfshirë detaje të vogla. Sipas profesorit të anatomisë klinike Peter Abrams, puna shkencore e da Vinçit ishte 300 vjet përpara kohës së saj dhe në shumë mënyra më e lartë se Anatomia e famshme e Greit.

Lista e shpikjeve, të vërteta dhe që i atribuohen atij:

Parashutë, për tëKalaja e Olestsovës, nëbiçikleta, tank, lura portative të lehta për ushtrinë, fprojektor, për tëatapult, rtë dyja, dTeleskopi Vuhlens.

Pikturat dhe skulpturat e Michelangelo Buonarottit janë plot patos heroik dhe, në të njëjtën kohë, një ndjenjë tragjike të krizës së humanizmit. Pikturat e tij lavdërojnë forcën dhe fuqinë e njeriut, bukurinë e trupit të tij, duke theksuar njëkohësisht vetminë e tij në botë.

Gjeniu i Mikelanxhelos la gjurmë jo vetëm në artin e Rilindjes, por edhe në të gjithë kulturën botërore të mëvonshme. Aktivitetet e tij janë të lidhura kryesisht me dy qytete italiane - Firencen dhe Romën.

Sidoqoftë, artisti mundi të realizonte planet e tij më ambicioze pikërisht në pikturë, ku veproi si një novator i vërtetë i ngjyrës dhe formës.
I porositur nga Papa Julius II, ai pikturoi tavanin e Kapelës Sistine (1508-1512), duke përfaqësuar historinë biblike nga krijimi i botës deri në përmbytjen dhe duke përfshirë më shumë se 300 figura. Në vitet 1534-1541, në të njëjtën Kapelë Sistine, ai pikturoi afreskun madhështor, dramatik "Gjykimi i fundit" për Papa Palin III.
Kapela Sistine 3D.

Veprat e Giorgione dhe Titian dallohen për interesin e tyre për peizazhin dhe poetizimin e komplotit. Të dy artistët arritën mjeshtëri të madhe në artin e portretit, me ndihmën e të cilit përcillnin karakterin dhe botën e pasur të brendshme të personazheve të tyre.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Artist italian, përfaqësues i shkollës veneciane të pikturës.

Venusi i fjetur. 1510

Judith. 1504 g

Titian pikturoi piktura me tema biblike dhe mitologjike; ai gjithashtu u bë i famshëm si piktor portreti. Ai mori urdhra nga mbretër dhe papë, kardinalë, dukë dhe princër. Titian nuk ishte as tridhjetë vjeç kur u njoh si piktori më i mirë i Venecias.

Autoportret. 1567

Venusi i Urbinos. 1538

Portreti i Tommaso Mostit. 1520

Rilindja e vonë.
Pas grabitjes së Romës nga forcat perandorake në 1527, Rilindja Italiane hyri në një periudhë krize. Tashmë në veprën e të ndjerit Raphael, u përshkrua një linjë e re artistike, e quajtur sjelljen.
Kjo epokë karakterizohet nga linja të fryra dhe të thyera, figura të zgjatura apo edhe të deformuara, poza shpesh të zhveshura, të tensionuara dhe të panatyrshme, efekte të pazakonta ose të çuditshme të lidhura me madhësinë, ndriçimin ose perspektivën, përdorimin e një diapazoni kromatik kaustik, përbërjen e mbingarkuar, etj. i pari zotëron manierizmin Parmigianino , Pontormo , Bronzino- jetoi dhe punoi në oborrin e shtëpisë së Dukës së Medicit në Firence. Moda manieriste u përhap më vonë në të gjithë Italinë dhe më gjerë.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - “banor i Parmës”) (1503-1540) Artist dhe gdhendës italian, përfaqësues i manierizmit.

Autoportret. 1540

Portret i një gruaje. 1530.

Jacopo Robusti, i njohur më mirë si Tintoretto (1518 ose 1519-1594) - piktor i shkollës veneciane të Rilindjes së vonë.

Darka e Fundit. 1592-1594. Kisha e San Giorgio Maggiore, Venecia.

Krishti në kryq. NE RREGULL. 1577. Koleksion privat.

Triniteti. 1579 Prado.