Arti i grafikës është i larmishëm. Ai përfshin postera politikë dhe vizatime gazetash dhe revistash, ilustrime librash dhe karikatura, grafika industriale të aplikuara dhe reklama filmash. Një pjesë e madhe e tij përbëhet nga grafika të kavaletit - vizatime dhe gdhendje të bëra në mënyrë të pavarur, jashtë një qëllimi të veçantë praktik. Është emërtuar kështu për analogji me pikturën e kavaletit, veprat e së cilës artisti i krijon në një makinë të veçantë - një kavalet; fjala "grafikë" vjen nga greqishtja grapho (grapho) - shkruaj, vizatoj. Natyrisht, grafika e kavaletit nuk është plotësisht pa qëllim. Kur merr një furçë, laps ose daltë gdhendëse, artisti ka gjithmonë një qëllim specifik. Ai përpiqet t'u përcjellë njerëzve mendimet dhe ndjenjat e tij, të kuptuarit e tij të jetës, të pohojë të denjët në të dhe të ndëshkojë negativët, të tregojë bukurinë e mahnitshme, të fshehur të botës, të parë vetëm prej tij. Por në të njëjtën kohë, autori i një vizatimi ose gravure me kavalet nuk ndjek gjithmonë një qëllim propagandues ose akuzues me punën e tij, si mjeshtrit e posterave dhe karikaturave, nuk kryen detyra reklamuese ose utilitare, si artistët e posterave dhe të industrisë. grafika; imazhet e tij, më në fund, nuk shoqërohen me heronj dhe situata letrare, si në veprat e ilustruesve.
Në të njëjtën mënyrë, mjeshtrit e pikturës dhe skulpturës me kavalet, ndryshe nga muralistët dhe dekoruesit, krijojnë vepra të pavarura që nuk lidhen me asnjë ansambël artistik - një ndërtesë, dhomë, shesh, park, etj.
Grafikat e kavaletit kanë shumë të përbashkëta me pikturën e kavaletit. Megjithëse mjetet e tyre kryesore artistike janë të ndryshme, të dyja këto lloje të artit kanë aftësi të mëdha dhe kryesisht të ngjashme për të përshkruar natyrën, njerëzit dhe të gjithë pasurinë e botës materiale. Aspekte të ndryshme të jetës njerëzore, e cila ka qenë gjithmonë fokusi i artit, nxitën kompozimin e zhanreve të tij të ndryshme - portret, peizazh, kompozim i përditshëm ose i betejës, natyrë e qetë, etj. Këto zhanre ekzistojnë si në pikturën sovjetike ashtu edhe në grafikën sovjetike. Bota e shpirtit njerëzor tregohet me thellësi të veçantë në veprat e shumta të pikturës, skulpturës dhe grafikës. Për këtë natyrë psikologjike, për bisedën e shumanshme dhe të madhe me shikuesin për një person, vlerësojmë veçanërisht artin e kavaletit.
Duke pasur shumë të përbashkëta me pikturën, grafika e kavaletit, në të njëjtën kohë, për nga mënyra e ekzekutimit - kryesisht në letër - dhe në teknikat e vizatimit dhe gdhendjes, janë të afërta me të gjitha llojet e tjera të grafikës. Ajo, si e gjithë familja e arteve grafike, dallohet nga shpejtësia krahasuese e ekzekutimit të gjërave, si dhe mundësitë e mira për riprodhimin e tyre. Falë kësaj, së pari, grafika ka një potencial të madh për të qenë art aktual, duke iu përgjigjur shpejt ngjarjeve në jetën publike, arti që jeton në ritmin e modernitetit. Këto mundësi të qenësishme në grafikë, siç do të shohim më vonë, janë përdorur më shumë se një herë në mënyrë të përsosur nga mjeshtrat e saj. Së dyti, duke qenë se një fletë grafike në përgjithësi ekzekutohet më shpejt se një pikturë ose skulpturë (edhe pse një grafist nuk kërkon më pak forcë mendore, talent dhe aftësi), ajo ruan një menjëhershmëri të veçantë të komunikimit me natyrën, mundësinë e kapjes së gjallë të saj. Nëse kësaj i shtojmë se teknika e realizimit të veprave grafike është shumë e larmishme, bëhet e dukshme pasuria ideologjike dhe estetike e këtij lloji arti.
Shumë gjëra interesante e presin shikuesin e vëmendshëm të veprave grafike. Jo menjëherë, por gradualisht, origjinaliteti dhe bukuria e secilës teknikë grafike i zbulohet - qartësia e argjendtë e një vizatimi me laps grafiti dhe errësia prej kadifeje e një lapsi italian, rrjedhshmëria e saktë e vizatimeve me stilolaps me bojë ose bojë, butësia e pastelit. dhe sanguine. Gradualisht mësojmë të vlerësojmë gamën e pasur të toneve gri dhe të zeza, vizatimin e aksesueshëm të qymyrit, salcës, bojës së zezë ose bojës, lehtësinë transparente të bojërave uji me ngjyrë dhe gjuhën më të rëndë e materiale të gouache. Ne jemi të kënaqur nga gjuha e larmishme dhe fleksibël e punimeve në dru, format e përgjithësuara dhe lakonike të linoprerjeve, ekspresiviteti i kiaroskuros dhe thellësia e ngjyrës në gravurë, dhe nuancat e lira, të pasura të ngjyrave dhe modelimi i butë i vizatimeve me laps litografik.
Artistët shpesh punojnë me media të përziera, duke kombinuar në veprat e tyre, për shembull, qymyr, shkumës dhe një lloj lapsi, ose bojëra uji dhe pastel, bojëra uji dhe gouache, etj.
Si në teknikën e litografisë ashtu edhe në teknikën e gdhendjes, shikuesi sheh rezultatin përfundimtar të punës së artistit - një përshtypje ose gjurmë, përndryshe një printim. Shumë përshtypje të tilla mund të merren nga një dërrasë ose gur, dhe të gjitha ato janë vepra arti po aq origjinale. Kjo veçori e printimeve - tirazhi i tyre mjaft i madh duke ruajtur të gjitha meritat e tyre artistike - është veçanërisht i vlefshëm për ne.
Rrethet më të gjera të popullit sovjetik tani po familjarizohen me artin. Ata gjejnë në shtyp gjithë plotësinë e mendimeve dhe përvojave estetike që jep arti i madh i vërtetë, dhe në të njëjtën kohë, printimi nuk është një pjesë unike muzeale e largët që ne e shohim vetëm herë pas here, por një gjë me të cilën e bukura hyn në shtëpinë tonë. , në jetën e përditshme.
Grafika e kavaletit sovjetik është një fushë e gjerë e artit tonë, historia ende e pashkruar e së cilës përfshin faqe të mrekullueshme kërkimesh dhe arritjesh të mëdha artistike. Ajo ka traditat e veta të shkëlqyera si në artin rus ashtu edhe në një numër shkollash të tjera kombëtare të artit. Pothuajse të gjithë piktorët më të mëdhenj të së kaluarës ishin gjithashtu mjeshtër të mëdhenj të vizatimit dhe akuarelit. Bojëra uji nga Aleksandër Ivanov dhe K. Bryullov, vizatime dhe bojëra uji të shumta nga Repin, grafika nga V. Serov dhe Vrubel janë kryevepra të artit tonë plot hijeshi të përjetshme. Si një art demokratik, duke sjellë tek njerëzit imazhet dhe mendimet e artistëve, litografia u shfaq në Rusi në fillim të shekullit të 19-të. Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov dhe më vonë Perov, Shishkin, Vl janë të interesuar për të. Makovsky, Levitan dhe artistë të tjerë. Në të dyzetat e shekullit të 19-të, Shchedrovsky në albumin "Këtu janë tanët" tregon shikuesit që tregtojnë, njerëz artizanal, lloje popullore. Kjo ishte përvoja e parë e krijimit të litografisë me ngjyra në artin rus. Artistët kryesorë të shekullit të kaluar e vlerësojnë artin e gdhendjes për aksesin e tij relativisht më të madh për njerëzit, për faktin se i afron krijimet e tyre me audiencën e shikuesit publik. Klasiku i poezisë dhe artisti ukrainas T. G. Shevchenko, i cili punonte në gravurë, shkroi në vitin 1857: "Nga të gjitha artet e bukura, tani më pëlqen më së shumti gdhendja. Dhe jo pa arsye. Të jesh gdhendës i mirë do të thotë të jesh shpërndarës i e bukura dhe mësimdhënëse në shoqëri”. Shishkin ishte gjithashtu një entuziast i gravurës. I. E. Repin iu drejtua vazhdimisht teknikave të ndryshme të gdhendjes. E gjithë shumëllojshmëria e zhanreve - e përditshme, skena historike, portreti dhe peizazhi - zhvillohet në litografi, gravurë dhe vizatim të shekullit të kaluar.
Në grafikat e fillimit të shekullit të 20-të, si në të gjithë artin, ekziston një ndërthurje komplekse e tendencave ndonjëherë të kundërta. Ngjarjet e revolucionit të vitit 1905 kapin grafikat e revistave me forcë të veçantë, por ato gjejnë jehonë edhe në veprat e kavaletit - gravurë nga S. Ivanov, në pastel nga V. Serov, një dëshmitar i tronditur i masakrës së punëtorëve nga carizmi. Në këto punime, si dhe në imazhet e minatorëve, punëtorëve, studentëve të Kasatkinit, në vizatimet e S. Korovin që paraqesin ushtarë, në fletët e Sergei Ivanov kushtuar mërgimtarëve të varfër, jeton interesi dhe simpatia për punëtorin. për jetën e tij të vështirë dhe të vështirë, karakteristikë e artit të përparuar rus, shpesh një fat tragjik. Por në orarin e këtyre dekadave vihet re edhe një tendencë për t'u larguar nga kompleksitetet dhe kontradiktat e realitetit shoqëror. Në disa raste, kjo tendencë lë vulën e një lloj soditjeje pasive në veprat e artistëve, në të tjera i çon artistët në punën e tyre në salla të largëta pallatesh dhe parqe të huaja për publikun e gjerë. Ndoshta zhanri kryesor në grafikën para-revolucionare ishte peizazhi. Ajo punëson mjeshtër të tillë të mëdhenj si A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lanceray dhe të tjerë. Ata shohin me delikatesë bukurinë e natyrës shumëplanëshe, gjendjet e saj të ndryshme, poezinë e arkitekturës në raportin e saj me peizazhin. Ky admirim për bukurinë e botës është përmbajtja kryesore e përjetshme e veprave të tyre, që na shqetëson edhe sot e kësaj dite. Por ndonjëherë në faqet e tyre ndihet një prekje soditjeje.
Në gravurën pararevolucionare, në ilustrimin e revistave dhe të librave, më shumë se në llojet e tjera të artit, ndihej ndikimi i shoqërisë Bota e Artit, ndoshta sepse shumë prej anëtarëve të saj ishin grafistë të një niveli të lartë profesional. Nga artistët e përmendur, kjo shoqëri përfshinte Ostroumova-Lebedeva dhe Lanceray. Sidoqoftë, të gjitha aspektet më të mira të punës së tyre u zhvilluan në kundërshtim me udhëzimet estetike të teoricienëve të "Botës së Artit", të cilët përkrahnin "artin e pastër" që ishte larg jetës. Piktura, bojëra uji dhe vizatimet e figurave kryesore të "Botës së Artit" A. Benois, K. Somov dhe të tjerë ringjallën botën galante dhe të pajetë të jetës së oborrit të epokave të kaluara dhe ishin një lojë e sofistikuar dhe e mësuar e historisë. Kështu, në grafikat para-revolucionare u krijuan vepra që ishin të ngopura me të gjithë dramën e kontradiktave shoqërore, u shfaq një masë peizazhesh lirike dhomash dhe në të njëjtën kohë lulëzoi retrospektivizmi, domethënë një largim nga moderniteti, estetika e bota e artit.
Në vitet e para pas revolucionit, pamja e grafikëve të kavaletit ndryshoi pak. Këto vite të vështira ishin një kohë e artit militant, të zhurmshëm të posterave, skulpturave monumentale propagandistike dhe një arti të ri të dekorimit të festave masive. Në sfondin e zhvillimit të shpejtë të këtyre llojeve të artit, grafika e kavaletit në fillim duken veçanërisht tradicionale. Në thelb, të njëjtët mjeshtër që punojnë këtu janë të njëjtë si në vitet para-revolucionare, dhe puna e tyre, e cila kryesisht është përcaktuar tashmë, nuk i nënshtrohet menjëherë ose shpejt ndryshimeve komplekse që lidhen me ndikimet e realitetit të ri. Peizazhi dhe portreti u bënë zhanret kryesore të grafikës së kavaletit. Artistët përshkruajnë me dashuri qoshet e lashta të qyteteve, monumentet e jashtëzakonshme arkitekturore dhe bukurinë e përjetshme të natyrës, që nuk i nënshtrohen stuhive sociale. Punimet e tyre përmbajnë shumë aftësi magjepsëse dhe admirim të qetë për bukurinë e botës. Por kjo botë e vogël e mbyllur e një peizazhi me pamje të prapambetur, retrospektive duket se mbrohet nga ngjarjet që ndodhin në vend nga një mur i padukshëm.
Veprat e zhanrit të përditshëm, nga të cilat pak u krijuan, përshkruajnë të njëjtën jetë të qetë dhe modeste, të paprekur nga asnjë përmbysje shoqërore, punë të thjeshtë shtëpiake.
Grafika e këtyre viteve dominohet nga gravura dhe litografia; vizatimi dhe bojëra uji nuk janë shumë të zakonshme. Peizazhet dhe portretet publikohen shpesh në albume gravurash, dhe këto janë botime me tirazh të vogël dhe të shtrenjta për disa njohës.
Intimiteti i dallon veprat e portretit. Modelet për piktorët e portreteve janë zakonisht artistë, shkrimtarë, interpretues, domethënë një rreth mjaft i ngushtë njerëzish të afërt shpirtërisht me autorin. Bota e tyre e brendshme zbulohet hollësisht dhe me kujdes, por jo ende në nivelin e përgjithësimeve të mëdha që do të ishin të arritshme për artin sovjetik më vonë.
Dhe vetëm në portretet e ekzekutuara nga N. A. Andreev, veçanërisht në imazhet e tij të V. I. Leninit, zhanri i portretit në grafikë fiton menjëherë cilësi të reja, fuqi përgjithësuese dhe rezonancë shoqërore. Këto vizatime përfshihen me të drejtë ndër arritjet më të mira të artit sovjetik; ato na kënaqin edhe sot dhe marrin pjesë në jetën tonë. Por në vitet e krijimit të tyre, këto fletë ishin, si të thuash, një përjashtim i shkëlqyer që vetëm konfirmoi rregullin - domethënë natyrën e përgjithshme intime të shumicës së veprave të portretit. Ne do të fillojmë njohjen tonë me grafika e kavaletit sovjetik me vizatimet e Andreev, të cilat dukej se ishin përpara kohës së tyre.
Për N. A. Andreev (1873 - 1932), një skulptor i famshëm, autor i monumenteve të Moskës për Gogol, Ostrovsky dhe Monumentin e Lirisë, vizatimi ishte jo vetëm një fazë e nevojshme përgatitore e punës, por edhe një zonë e pavarur e krijimtarisë. Në fillim të viteve 1920, ai pikturoi një numër të madh portretesh grafike të Dzerzhinsky, Lunacharsky, Gorky, Stanislavsky, artistë të Teatrit të Artit dhe të tjerë.
Njeriu me gjithë integritetin e karakterit të tij është ajo që e interesoi Andreev piktorin e portretit. Në fletët e tij, bota e brendshme e modelit përshkruhet qartë, me vetëbesim dhe në detaje, por pa gjysmëtone ose një mori nuancash. Duke u njohur me portretet e Andreev, duket se marrim një sasi njohurish shumë të sakta, të verifikuara për njerëzit e përshkruar në to. Saktësia dhe qartësia e kësaj njohurie është patosi unik i punës së Andreev; mënyra e ekzekutimit të portreteve është gjithashtu në varësi të saj.
Shumë në këtë mënyrë vjen nga vizioni skulpturor i formës së artistit. Kjo është plasticiteti i theksuar i dizajnit, kërkimi i detyrueshëm i një linje siluetë ekspresive, por edhe ngurtësia e ngjyrës, mungesa e ndjenjës së ajrit. Por gjëja kryesore këtu ishte gjëja pozitive që dha talenti skulpturor i Andreev - aftësia për të parë modelin në tërësi, gjëja kryesore në skicën e kokës, për të parë pamjen karakteristike, të pastruar nga linjat dhe kthesat e rastësishme. Ky integritet i siluetës, i kombinuar me zhvillimin më të detajuar të fytyrës, veçanërisht të syve, përbën stilin unik të artistit. Lapsat sanguinë, pastel dhe me ngjyra i shërbyen mirë në duart e Andreevit, si dhe qymyr ose laps italian, të cilat u përdorën për të përshkruar vëllimet kryesore.
Në të njëjtën mënyrë, Andreev ekzekutoi edhe disa portrete të V.I. Leninit, të cilat ishin pjesë e Leninianës së tij të famshme - një cikël i madh skicash, vizatimesh, skicash dhe skulpturash, krijimi i të cilave ishte vepra kryesore e jetës së Andreev gjatë viteve sovjetike. pushtet. Portretet e Leninit nga Andreev janë për ne jo vetëm gjërat e një artisti të talentuar, por edhe një zbulim i çmuar i një dëshmitari okular, një personi që vëzhgoi vazhdimisht Leninin në kongrese dhe kongrese dhe në zyrën e tij në Kremlin. Shumë skica të shpejta u bënë nga Andreev në procesin e kësaj pune, por ka vetëm tre portrete të përfunduara; artisti e kuptoi në mënyrë të përsosur kompleksitetin dhe specifikën e detyrave të tyre me shpejtësinë në dukje të mundshme të ekzekutimit.
Në një nga këto portrete, zbehja e lehtë e syve të Leninit dhe një buzëqeshje mezi e dukshme i dhanë jetë imazhit dhe krijuan një imazh plot ngrohtësi njerëzore. Në të njëjtën kohë, portreti përmban edhe një ndjenjë të rëndësisë shoqërore të figurës së liderit, prandaj kjo fletë është kaq e re në përmbajtje për artin e portretizimit grafik të atyre viteve (ill. 1).
Tema e Leninit - udhëheqësi i masave u zhvillua me forcë dhe shprehje edhe më të madhe nga Andreev në portretin e profilit të V.I. Leninit, shpesh që daton në fillim të viteve 1920. Impulsi dhe energjia e këtij imazhi të frymëzuar, heroizmi i tij sublim fiton zemrat. Në të njëjtën kohë, kuptimi i rolit historik të V.I. Leninit këtu dallohet nga një pjekuri e tillë sa kjo vepër e Andreev duket shumë përpara artit të fillimit të viteve 1920. Me gjithë pasurinë dhe arritjet e artit të këtyre viteve, nuk do të gjejmë në të një kuptim të tillë të shkallës së bëmave të Leninit, shtrirjes së mendimit të Leninit, një kuptim të tillë historik të imazhit të tij. Dhe supozimi i kohëve të fundit i studiuesit të Leninianës L. Trifonova duket i drejtë se portreti, i cili u bë i njohur vetëm në vitet 1930, u krijua jo në fillim të viteve 1920, por më vonë. Gjuha lakonike dhe përmbajtja e brendshme i japin kësaj fletë monumentalitet të vërtetë. Jo më kot ky portret është tashmë i njohur për publikun e gjerë jo vetëm nga shumë riprodhime: është bërë në mozaik, është pikturuar si panel kur dekoron pushimet. I zmadhuar në përmasa të mëdha, vizatimi nuk humb asgjë në ekspresivitetin e tij lakonik,
G. S. Vereisky (lindur në 1886) gjithashtu punoi në fushën e portreteve që në vitet e para të formimit të grafikës sovjetike. Momenti i vlerësimit të rëndësisë shoqërore të një personi më vonë do të zërë një vend të rëndësishëm në veprat e tij, por rruga e artistit drejt kësaj dhe veçanërisht natyra e veprave të tij të para ishte e ndryshme nga ajo e Andreev. G. S. Vereisky i mori aftësitë e para në art në një studio private në Kharkov. Studimi në universitet, pjesëmarrja në një rreth revolucionar studentor dhe ngjarjet revolucionare të vitit 1905, në lidhje me këtë, burgun dhe më pas disa vite emigracion - këto janë disa momente të biografisë së artistit. Që nga viti 1918, për disa vite, Vereisky punoi në departamentin e gdhendjes së Hermitage. Ai erdhi atje tashmë duke poseduar informacion të rëndësishëm nga historia e artit botëror dhe puna e tij e gjatë në Hermitage e pasuroi edhe më shumë në këtë drejtim. Njohuritë jo libërore, por të gjalla për kryeveprat e artit botëror lanë gjurmë në imazhin krijues të artistit; kultura e madhe, fisnikëria, thjeshtësia, pas së cilës fshihet një përpikmëri, dallojnë veprat e tij të shumta. Vereisky filloi me portrete të realizuara në litografi, dhe megjithëse ne tani e njohim atë si një vizatues dhe grafikues i shkëlqyer, ai bëri më së shumti në fushën e litografisë.
Që nga fillimi i punës së tij, Vereisky u karakterizua nga besnikëria ndaj natyrës dhe vëzhgimi. Prandaj, ndoshta, rruga e gjatë e këtij artisti në art duket në shikim të parë e qetë dhe e qetë. Në fakt, ajo karakterizohet nga kërkime të vazhdueshme, përmirësime të aftësive,
Albumi i parë i Bereysky "Artistët rusë" u publikua në 1922. Ne shohim këtu një grup artistësh të përfaqësuar plotësisht nga shoqëria Bota e Artit, nga themeluesit deri te brezi i dytë i saj. Vereisky i njeh shumë mirë modelet e tij dhe kap me saktësi gjendjen shpirtërore dhe karakterin e secilit prej artistëve - seriozitetin e zymtë dhe vetminë e pakëndshme të Benois, përqendrimin pa gëzim të Somov, shprehjen me gjemba, tensionin e jetës së brendshme të Mitrokhin, etj. Nga këto fletë, si nga portretet e Andreev, mund të mësojmë shumë për njerëzit e përshkruar këtu, por në portretet e Vereisky nuk ka asnjë moment vlerësimi të njerëzve, si të thuash, nga distanca; karakterizimi jepet në një dhomë, intime-lirike. mënyrë, dhe çështja e rëndësisë shoqërore të aktiviteteve të tyre ende nuk është ngritur. Në albumet pasuese të 1927 - 1928, Vereisky gjen më saktë pozën natyrale dhe të relaksuar të modelit, vizaton më me besim dhe lirshëm. Portretet e artistëve Golovin, Zamirailr, arkitekti Shchuko, kritiku Yaremich, Notgaft janë të suksesshëm. Vereisky ishte në gjendje të përcillte mirë kulturën e brendshme, gjallërinë e mendjes dhe hijeshinë e edukimit të madh të natyrshëm në njerëzit që ai përshkruante.
Në vitet 1930, Vereisky punoi shumë në portretet e pilotëve, duke admiruar guximin dhe guximin e tyre, duke u përpjekur të theksonte këto cilësi në përshkrimet e tyre. Dhe kur, në fillim të Luftës së Madhe Patriotike, ai krijoi portrete të luftëtarëve të guximshëm Fisanovich, Meshchersky, Osipov dhe të tjerë, ato dukeshin si një vazhdim i tregimit të artistit për ushtarët trima sovjetikë, të filluar me veprat e viteve 1930.
Por arritja kryesore e Vereisky në këtë periudhë dhe më gjerë ishin portretet e figurave kulturore. Me qartësi të veçantë, artisti gjatë viteve të luftës ndjeu se tema e portreteve të tij ishte krijimtaria, aftësia e çmuar dhe e patjetërsueshme e një personi të artit për të punuar me mprehtësi krijuese edhe në momente vështirësish të rënda. Në këto fletë, aftësia e madhe teknike e Vereisky-t dukej se ndriçohej për herë të parë nga një emocion i thellë emocional dhe portretet e tij gjithmonë korrekte dhe të sakta fituan një emocionalitet të gjallë. Drejtori i Hermitazhit, orientalisti I. A. Orbeli dhe poeti N. Tikhonov, u vizatuan prej tij në ditët e rrethimit të Leningradit; Vështirësitë e saj lanë gjurmë në pamjen e këtyre njerëzve, por pavarësisht kushteve që ata punojnë dhe thellësia e tyre krijuese përcillet në mënyrë të prekshme dhe të qartë. E njëjta poezi e kërkimit të frymëzuar është edhe në portretet e artistit E. E. Lansere, dirigjentit E. A. Mravinsky, piktorit T. N. Yablonskaya (ill. 2). Këtu prezantohen edhe një herë figura kulturore të profesioneve të ndryshme, por me ndryshimin e botës së tyre të brendshme, përkushtimi i tyre i zjarrtë ndaj artit është ndriçuar me një kuptim të ri. Intimiteti i dikurshëm i veprave të Vereisky po zhduket dhe çështja e rolit shoqëror të artit dëgjohet me forcë të plotë në portretet e tij të viteve 1940-1950. Metodat e shkrimit të tij psikologjik nuk u bënë të ndryshme, por vetëm më të sakta, por nga vërtetësia e zakonshme e ndërgjegjshme e karakteristikave të tij, konturet e afërsisë së madhe të brendshme të njerëzve që ai përshkruante, afërsia në gjënë kryesore - në të kuptuarit e kuptimit të puna e tyre, dukej se dukej vetë.
Kur shqiptojmë emrin e G. S. Vereisky, shpesh kujtojmë menjëherë veprat e M. S. Rodionov (1885 - 1956) - një artist, arti i të cilit ishte në shumë mënyra përbrenda afër G. S. Vereisky. Dhe drejtimet kryesore të punës - portreti dhe peizazhi (për të cilin Vereisky gjithashtu punoi shumë), dhe bukuria e rreptë e mënyrës, dhe mendimi në studimin e natyrës ishin të zakonshme për këta artistë. Ekzekutuar nga M. S. Rodionov në 1944 - 1946, gjithashtu në teknikën e litografisë, një seri portretesh të shkencëtarëve dhe artistëve - Abrikosov, Baranov, Vesnin dhe të tjerë - parashtron në grafikat tona të njëjtën linjë serioze, pa shfaqje të jashtme, të fortë. në vërtetësinë e brendshme të artit të portretit, që përvijohet edhe në veprat e G. S. Vereisky.
Puna e Vereisky dhe Rodionov na çoi larg viteve të para pas-revolucionare. Duke iu rikthyer atyre, duhet të plotësojmë rrethin e veprave të portreteve tashmë të njohura për ne me veprat e B. M. Kustodiev (1878 - 1927). Një piktor i madh, Kustodiev gjithashtu punoi shumë në grafikë. Me interes është portreti i F.I. Chaliapin që ai pikturoi me bojëra uji dhe laps në 1921. Nëse në versionin e parë të këtij portreti vula e përditshmërisë duket se shuan dritën e brendshme në fytyrën e Chaliapin, atëherë më vonë artisti krijon një imazh kompleks dhe në të njëjtën kohë bindës; njeriu ndien tek ai talent, gjerësi, elegancë dhe një lloj mendimi të fshehur (ill. 3).
Zhanri i dytë i përhapur në grafikë të viteve 1920 ishte peizazhi. Një nga mjeshtrit e saj më të mëdhenj ishte A.P. Ostroumova-Lebedeva (1871 - 1955). Një interes i zgjuar i hershëm për artin e çoi atë në Shkollën e Vizatimit Teknik të Stieglitz, ku studioi nën drejtimin e një mësuesi dhe gdhendësi të shkëlqyer V. V. Mate, një mjeshtër i madh i gdhendjes së riprodhimit të tonit. Profili krijues i Ostroumova nuk u përcaktua menjëherë. Pasi u transferua në Akademinë e Arteve, ajo studioi atje me mësues të ndryshëm, dhe më vonë u pranua si një nga studentët e I. E. Repin. Kjo ishte një ngjarje që la gjurmë në të gjithë punën e ardhshme të artistit. "Thellësisht, në thelbin e artit tonë, realizmi i gëzuar, i freskët dhe i përjetshëm i Repin është guri i themelit," shkroi më vonë Ostroumova. Gradualisht, interesi i artistit për gdhendjen, dhe veçanërisht për gdhendjet e drurit me ngjyra, u bë gjithnjë e më i vendosur. Ajo studioi shembuj të shkëlqyer të këtij arti në koleksione të ndryshme gjatë udhëtimit të saj në Paris. Nga të gjitha teknikat e gdhendjes, prerja e drurit në Rusi në fillim të shekullit të 20-të kishte rëndësinë më pak të pavarur artistike dhe ekzistonte kryesisht si një metodë e riprodhimit të pikturave. Prerjet e drurit me ngjyra u harruan plotësisht. Prandaj, kur Ostroumova-Lebedeva dorëzoi një numër gravurash të saj dhe midis tyre një prerje druri me ngjyra nga piktura e artistit flamand Rubens "Perseus and Andromeda" në Akademinë për konkurs, juria fillimisht madje e refuzoi këtë fletë, duke e ngatërruar me bojëra uji. .
Gjatë gjithë jetës së saj të gjatë krijuese, Ostroumova-Lebedeva e mbajti angazhimin e saj ndaj punimeve në dru dhe bojëra uji. Vetë artistja shkruan për të parën me dashuri dhe poezi:
"Në këtë art vlerësoj koncizitetin dhe shkurtësinë e pabesueshme të paraqitjes së tij, lakonizmin e tij dhe falë kësaj mprehtësinë dhe ekspresivitetin e jashtëzakonshëm. Vlerësoj në gdhendjen e drurit definicionin dhe qartësinë e pamëshirshme të linjave të tij... Vetë teknika nuk e lejon. për korrigjime dhe për këtë arsye nuk ka vend për dyshime dhe hezitime në gdhendjen e drurit ...
Dhe sa e bukur është drejtimi i instrumentit në dru të fortë! Dërrasa është aq e lëmuar sa duket si kadife, dhe mbi këtë sipërfaqe të artë me shkëlqim, dalta e mprehtë ecën me shpejtësi dhe e gjithë puna e artistit është ta mbajë atë brenda kufijve të vullnetit të tij!
Është një moment i mrekullueshëm kur, pas punës së vështirë dhe të ngadaltë të shoqëruar me vëmendje intensive të vazhdueshme - për të mos gabuar - ju rrotulloni bojën me një rul dhe të gjitha linjat që keni lënë në tabelë fillojnë të shkëlqejnë me bojë të zezë, dhe papritmas në tabelë shfaqet një vizatim.
Gjithmonë jam penduar që pas një lulëzimi kaq të shkëlqyer të gdhendjes, që ishte në shekujt XVI dhe XVII, ky art filloi të vyshket, u bë një shërbim, një zanat! Dhe gjithmonë kam ëndërruar t'i jap lirinë!”
Edhe në vitet para-revolucionare, Ostroumova krijoi shumë vepra të mrekullueshme - pamje të Shën Petersburgut dhe rrethinave të tij, peizazhe të vizatuara gjatë udhëtimeve të saj në Itali, Spanjë, Francë,
Hollanda. Saktësia e pandryshueshme dhe besnikëria ndaj natyrës janë kombinuar tashmë në to me një dhuratë të madhe për përgjithësim. Artisti e pikturon Shën Petersburgun veçanërisht shpirtërisht dhe poetikisht. Qyteti shfaqet madhështor në çarçafët e tij, plot harmoni dhe bukuri. Harmonia e përbërjes, qartësia lineare dhe pastërtia e ngjyrave i dallojnë veprat e saj.
Pas revolucionit, i cili, sipas kujtimeve të saj, i shkaktoi artistes një rritje të energjisë krijuese dhe ngritje të gëzueshme, Ostroumova vazhdon të punojë kryesisht në zhanrin e peizazhit arkitektonik. Në faqet e tij, si më parë, qyteti nuk është rrugë të mbushura me një turmë aktive, por, mbi të gjitha, një mbretëri e arkitekturës së bukur, bukuria e tij e qëndrueshme.
Në të njëjtën kohë, artistja zbulon tipare të reja në pamjen e qytetit, dhe emocionaliteti i përmbajtur i pikturave të saj ndonjëherë zëvendësohet nga një ndjenjë më e stuhishme, e vrullshme. Në kuadrin e një zhanri të vetëm peizazhi, Ostroumova krijon gjëra që janë shumë të ndryshme dhe gjithmonë integrale nga brenda. Le të kujtojmë, për shembull, bojëra uji të saj të vitit 1918 "Petrograd. Fusha e Marsit". Kjo fletë me lëvizjen e shpejtë të reve në qiellin e lartë, hapësirën e sheshit dhe figurën e hollë e largpamëse të monumentit të Suvorovit është plot tension dhe patos të fshehur. Qëndrimi i artistes këtu është i guximshëm, i gëzuar, ritmet e jetës që ajo dëgjoi janë të qarta, si një marshim dhe, si një marshim, muzikor. Ostroumova pikturon me goditje të lehta, të përgjithësuara në formë, duke përdorur detaje me moderim të mençur. Duket se kjo fletë është vizatuar mjaft thjesht, por pas thjeshtësisë së saj fshihet aftësi dhe shije e madhe artistike. Ajo manifestohet gjithashtu në fisnikërinë e paletës modeste dhe të bukur të kësaj gjëje.
Prerja në dru "Smolny" përshkohet nga një emocion i egër i pazakontë për Ostroumovën. Fryma e revolucionit duket se po fryn në këtë peizazh dhe ndërtimi i formave të qeta klasike duket se jeton sërish, si në ujërat e vluar të tetorit 1917. Përplasja e zezë dhe e bardhë duket se dyfishon fuqinë e secilës prej këtyre ngjyrave. Kolonat e Propylaea që shënojnë hyrjen në Smolny bëhen kërcënuese të zeza, toka shkëlqen me bardhësi të ndritshme, goditjet që përshkruajnë rrugën drejt ndërtesës në thellësi rrotullohen në një lëvizje të stuhishme, një pemë përkulet nën erën e furishme dhe bie e pjerrët linjat mezi përshkruajnë qiellin mbi Smolny. Krijohet një imazh plot impuls, lëvizje dhe eksitim romantik. Për më tepër, sa e bukur dhe piktoreske është kjo prerje druri e zezë, sa të mëdha janë avantazhet e saj thjesht dekorative.
Cikli i punimeve të vogla në dru që përshkruajnë Pavlovsk është gjithashtu dekorativ. Artisti pa dekorueshmërinë në skicat e një tufë pemësh, siluetën e një statuje ose grilë, të vëzhguar në jetë dhe për këtë arsye bindëse.
Një shembull klasik i aftësisë së madhe të Ostroumova-Lebedevës është peizazhi "Kopshti veror në Frost" (1929; ill. 4).
Paqja e një kopshti të shkretë të mbështjell kur shikon këtë gdhendje; duket se e gjen veten në rrugicën e tij – kështu e shpalos autori kompozimin e fletës. Qepja e gjurmëve në borën e thellë dhe ritmi i rrjetës së zezë të mbuluar me borë përvijojnë lëvizjen në thellësi të fletës dhe ajo rrotullohet butësisht atje me siluetën e lehtë të një ure. Lëvizja dhe figurat e largëta të njerëzve gjallërojnë të gjithë fletën, por nuk e prishin hijeshinë e saj me dëborë. Pikërisht në ndërthurjen e paqes dhe qetësisë së mahnitshme me ndjenjën e jetës së qytetit të madh që rrjedh diku shumë afër, lind sharmi i veçantë i kësaj gdhendjeje. Poezia e dimrit, ngjyrat e tij të mjegullta, ajri i ftohtë që fryn majat e pemëve në brymë rozë të brishtë, është përcjellë në mënyrë të përsosur këtu nga artisti.
Gjatë ditëve të Luftës së Madhe Patriotike, Ostroumova-Lebedeva, e cila tashmë ishte më shumë se shtatëdhjetë vjeç, nuk u largua nga Leningrad. Ajo ndau me të gjithë banorët vështirësitë e pabesueshme të bllokadës dhe nuk pushoi së punuari si mundi. Faqet e kujtimeve të saj në lidhje me këto vite nuk janë vetëm një kronikë e mundimeve dhe anktheve mendore, por edhe dëshmi e zjarrit të përjetshëm krijues dhe një dëshirë e palodhshme për të punuar. Një dashuri e tillë për artin dhe përkushtimi i madh ndaj tij janë ende një shembull për artistët e rinj, dhe arritjet e Ostroumova-Lebedevës në gravurë dhe, në veçanti, ringjallja e punimeve artistike të drurit me ngjyra mbeten si një kontribut i palëkundur i një mjeshtri të madh në artin tonë.
Veprat e V. D. Falileev (1879 - 1948) janë në shumë mënyra të afërta në këndvështrim dhe stilistikë me veprat e Ostroumova-Lebedeva. Ai ishte gjithashtu një mjeshtër i punimeve të drurit me ngjyrë të zezë dhe me ngjyra, dhe iu drejtua gravurës dhe linokut në një kërkim të vazhdueshëm për mundësi të reja teknike për veprat e tij, veçanërisht ato koloristike. Peizazhet e Falileev, të dyja që përshkruajnë vendin e tij të lindjes dhe ato të huaja, na tërheqin me të njëjtën plotësi ndjenjash, aftësinë për të parë bukurinë në motive të zakonshme të natyrës, si veprat e Ostroumova-Lebedeva, por harmonia dhe pastërtia klasike e linjave janë më pak të zakonshme. në gdhendjet e tij, stili i tij i vizatimit është më i lirë dhe disi më i shqetësuar, ngjyrosja është më e nxehtë dhe më piktoresk. Në të njëjtën kohë, aftësia për të përgjithësuar përshtypjet e dikujt dhe për të krijuar një imazh artistik të gjerë me një minimum mjetesh e bën Falileev të ngjashëm me Ostroumova-Lebedeva. Në këtë kuptim, karakteristik është, për shembull, albumi i linocuts me ngjyra të Falileev "Italia", ku artisti, duke i kushtuar vetëm një fletë një qyteti ose një tjetër, në kompozime jashtëzakonisht lakonike, ndonjëherë duke përshkruar vetëm një fragment të një ndërtese, duket se përqendrohet ajo që është më karakteristike në pamjen e qyteteve italiane.
Artisti është gjithashtu i interesuar për natyrën e stuhishme, ai krijon një seri gravurësh "Shirat", të ndryshme në një numër fletësh, duke studiuar pamjen e ndryshueshme të detit, skicat e një valë deti të stuhishme. Në peizazhet me motive stuhish dhe shiu, disa studiues shohin një përgjigje unike të grafikëve ndaj stuhisë revolucionare, por një afrim i tillë ende duket shumë i drejtpërdrejtë. Dhe në Falileev ne nuk do të rrezikojmë të vendosim një marrëdhënie të ngjashme midis komploteve të tij dhe ngjarjeve shoqërore. Por në tërësinë e veprave të tij, në tensionin e veçantë të strukturës së tyre të brendshme, ekziston vërtet një ndjenjë e kompleksitetit të botës shoqërore dhe është më e dallueshme në fletët e peizazhit të tij sesa, për shembull, në linocut "Trupat, ”, sepse Falileev ishte kryesisht një piktor i peizazhit.
I. N. Pavlov (1872 - 1951) ishte gjithashtu përfaqësues i zhanrit të peizazhit në grafikë. Në personin e tij, Moska kishte një poet të përkushtuar dhe nuk lodhej ta lavdëronte, siç kishte Leningradi në personin e Ostroumova-Lebedevës. Pavlov ishte pothuajse në të njëjtën moshë me Ostroumova, por rruga e tij në art filloi në kushte të tjera, më të vështira jetese. Djali i një ndihmësmjeku burgu, më vonë roje në Katedralen e Krishtit Shpëtimtar në Moskë, atij iu desh të "kalonte në sy të publikut" herët, duke u bërë nxënës në një punishte artizanale të gdhendjes. Gdhendjet e riprodhimit nga pikturat e V. Makovsky ishin veprat e para që i sollën sukses. Më pas, Pavlov studioi në Shkollën e Vizatimit Teknik të Stieglitz dhe në punëtorinë Mate, si dhe në shkollën e Shoqatës për Inkurajimin e Arteve, por jo për shumë kohë për shkak të nevojës për të punuar. Artisti arrin aftësi të mëdha në riprodhimin e pikturave, dhe gravurat e tij botohen në revistat e njohura të atyre viteve, duke i njohur lexuesit me veprat e piktorëve kryesorë - nga Repin te V. Makovsky. Megjithatë, fotomekanika po e zëvendëson më tej këtë metodë riprodhimi. Në veprat e Pavlovit shfaqet tema kryesore e punës së tij - qoshet antike të Moskës dhe qyteteve provinciale, peizazhi i Rusisë që tërhiqet në të kaluarën.
Kalimi në krijimin e gdhendjeve origjinale nuk ishte i lehtë për artistin, por puna e palodhur dhe dashuria për subjektin e tij arritën shumë. Që nga viti 1914, filluan të shfaqen albume të gdhendjeve të peizazhit nga I. N. Pavlov. Peizazhet e tij bazoheshin në përshtypjet e natyrës së rajonit të Moskës, nga udhëtimet përgjatë Vollgës dhe Oka. Një perceptim dhomash i natyrës dhe një kërkim për një lloj intimiteti në të i dalluan këto vepra të para. "U përpoqa të zgjidhja qoshet dhe synova t'i shihja gdhendjet e mia si peizazhe të vërteta të humorit. Në një shkallë të gjerë, në natyrën panoramike të imazhit, më dukej se intimiteti dhe qartësia kompozicionale që u përpoqa të arrija mund të zhdukeshin plotësisht. ”, kujtoi artisti më vonë. Duke filluar një seri të madhe peizazhesh të Moskës, Pavlov gjithashtu këtu duket kryesisht për motive lirike të dhomës dhe kap antikitetin. “Kërkova ndërtesat më të rralla të vjetra, oborre, rrugë qorre, shtëpi prej druri qindravjeçare, kisha të arkitekturës së vjetër, nuk anashkalova shumë monumente të shquara të lashtësisë... Ndonjëherë ndërroja të vjetrën me të renë për të theksoni tiparitetin e pjesës së marrë të qytetit”, - lexojmë në kujtimet e tij.
Nga viti në vit, gdhendjet e Moskës nga I. N. Pavlov u grumbulluan, duke përbërë albumet e tij të shumta. Shumëçka ka ndryshuar në një periudhë relativisht të shkurtër kohore në Moskë; qoshet e qeta që pikturoi I. N. Pavlov janë bërë të panjohshme në qytetin e madh modern. Dhe ne i jemi mirënjohës artistit që ruajti për ne komoditetin modest të rrugicave të heshtura dhe miqësinë e shtëpive të vogla (ill. 5). Dhe në qytetet e tjera ruse - Kostroma, Uglich, Ryazan, Torzhok - Pavlov tërhiqet nga arkitektura antike. Ai e ndjeu shumë mirë ekspresivitetin dhe origjinalitetin e saj. Por në përgjithësi, veprat e Pavlovit përmbajnë pakrahasueshëm më pak art dhe bukuri plastike sesa, për shembull, peizazhet e Ostroumova-Lebedeva ose Falileev. Saktësia dokumentare e veprave të tij shpesh kthehet në stil fotografik.
5. I. N. Pavlov. Fletë nga albumi "Moska e Vjetër". Në Varvarka. 1924
Cikli i peizazheve moderne të Pavlovit u zgjerua në vitet 1920 - 1930, kur, pasi u bashkua me Shoqatën e Artistëve të Rusisë Revolucionare, ai, si shumë mjeshtër të artit, shkoi në udhëtime krijuese në qendrat industriale të vendit. Linokuti me ngjyra "Astrakhan" me një tufë të errët anijesh dhe dritat e ndërtesës së madhe të Komisariatit Popullor të Ujit në breg, peizazhi "Në Vollgë" me silueta të zeza të mprehta të anijeve me vela dhe ujë paksa të dridhur, "Baku “, “Balakhna” dhe disa fletë të tjera të realizuara në këto vite u përfshinë në listën e veprave më të mira të artistit. Fleta "Zvenigorod. Periferi", e krijuar nga mjeshtri 78-vjeçar në vitin 1949, gjithashtu magjeps me humorin e saj të gëzueshëm dhe të ndritshëm.
Lavdërimi i papërshtatshëm i punës së Pavlovit nga kritikët në fund të viteve 1940 dhe në fillim të viteve 1950 errësoi të metat e veprave të tij dhe, në mënyrë paradoksale, pengoi zbulimin e meritave të tyre të vërteta. Mohimi i plotë i punës së tij ndeshet shpesh sot. Por ne e vlerësojmë punën e shkëlqyer të artistit dhe përvojën e tij të pasur, të cilën ai e ndau bujarisht me shumë mjeshtër të grafikës sovjetike në fillim të rrugës së tyre krijuese.
Merita e Pavlov - së bashku me V.D. Falileev - është futja e linocut në përdorim nga artistët sovjetikë dhe shpikja e një metode të re të shtypjes së printimeve me bojëra uji - aquatype.
Midis nxënësve të I. N. Pavlovit, M. V. Matorin, një mjeshtër i punimeve me ngjyra në dru dhe një piktor peizazhi, punon me fryt si artist dhe mësues.
Në thirrjen e tij ndaj peizazhit arkitektonik dhe monumenteve antike, I. N. Pavlov nuk ishte i vetëm në vitet 1920. Vl. Iv. Sokolov, një student i Levitan, të cilit i njëjti I.N. Pavlov arriti të interesohej për teknikat e gdhendjes, lëshoi disa albume në 1917 - 1925 kushtuar Sergiev Posadit, Moskës së vjetër dhe Rostovit. Të gjithë këta janë shembuj të mirë të peizazheve antike. Në albumet e litografive të Yuon dhe Kustodiev në vitet 1920 mund të shihet edhe Sergiev Posad, peizazhe ruse, fotografi të jetës së vjetër provinciale të paprekur. Ndërtesat klasike të Shën Petersburgut qëndrojnë në rreshtat e ndjekur të punimeve në dru të P. A. Shillingovsky, albumi i peizazheve të të cilit, i botuar në vitin 1923, edhe pse i quajtur "Petersburg. Rrënojat dhe Rilindja", kryesisht përmbante vetëm foto trishtuese të rrënojave - shkatërrimi i shkaktuar Petrograd nga shkatërrimi ushtarak. Pasi mbërriti më vonë në Armeni, Schillingovsky përsëri pa vetëm tiparet e antikitetit, duke botuar një album me gravurë "Erivan i Vjetër" në 1927. Kështu, peizazhi antik në grafikat e dekadës së parë nuk është një hobi i rastësishëm i mjeshtrave individualë, por një fenomen i tërë.
Vetëm rreth vitit 1927 interesi për të u shua, dhe i njëjti Shillingovsky, një admirues i madh i antikitetit arkitekturor, krijoi albumin "Armenia e Re" në vitin e ardhshëm, 1928, sikur të shënonte në veprën e tij një pikë kthese karakteristike që kishte ndodhur në grafike.
E reja, natyrisht, rritet në thellësi të së vjetrës dhe veprat kushtuar peizazhit modern u shfaqën në grafikë, si të thuash, në thellësitë e tij, midis gjërave tashmë të njohura për ne. Autorët e tyre ishin artistë që dje krijimtarinë e tyre ia kushtuan soditjes së bukurive të përjetshme të arkitekturës dhe natyrës. Për shembull, I. I. Nivinsky (1881 -1933), mjeshtri më i madh i gravurës sovjetike, në albumin "Crimea", botuar në vitin 1925, në mënyrë artistike dhe lehtësisht, megjithëse me një prekje soditjeje, përcjell festën e përditshme të natyrës së bukur jugore. Për 10 vjetorin e tetorit, me urdhër të Këshillit të Komisarëve Popullorë, Nivinsky krijon disa gravurë të mëdhenj "Zages", ku, duke përshkruar një termocentral në Gjeorgji, ai jo vetëm që prezanton një temë të re në peizazhet e tij, por gjithashtu kërkon në mënyrë aktive të reja format e të shprehurit për të.
Gravuari “Monumenti i V. I. Leninit në Zagese” është i suksesshëm, me vizatimin e tij të kujdesshëm dhe monumentin e V. I. Leninit që dominon natyrshëm në peizazhin industrial - krijimi i skulptorit I. D. Shadra (ill. 6). Bukuria e këtij monumenti, silueta e tij madhështore spektakolare bëhet përbërësi kryesor i imazhit të peizazhit këtu. Natyra tashmë konceptohet nga artisti jo vetëm si një objekt soditjeje admiruese, por edhe si një fushë e veprimtarisë së madhe njerëzore. Për herë të parë, shënimet e një qëndrimi aktiv ndaj jetës tingëlluan qartë në peizazhin grafik.
Motive të reja u shfaqën në gjysmën e dytë të viteve 1920 në veprën e artistit I. A. Sokolov (l. 1890). Një student dhe admirues i madh i V.D. Falileev, I.A. Sokolov, që nga fillimi i punës së tij, përshkroi skena të punës në gdhendje. Në fillim, kjo është puna e vështirë dhe e mundimshme shtëpiake e një gruaje nëpër shtëpi, punë artizanale - një botë e ngushtë dhe e kufizuar, e treguar me ngrohtësi dhe dashuri. Një këpucar i përkulur mbi punën e tij, një lavanderi, një gjyshe me nipërit e saj në një dhomë të ngushtë dhe të papërshkrueshme në mbrëmje, silueta e hollë e një dantellare në sfondin e pëlhurës së lehtë me një model të ndërlikuar, padyshim të thurur prej saj - këto janë të Sokolovit veprat e para (ill. 7).
Për nga natyra e tyre janë shumë afër veprave të I. Pavlov, Vl. Sokolov dhe artistë të tjerë që na treguan qoshet e padukshme të qyteteve të mëdha, lashtësinë e tyre të paprekur. "Duket se jeta, e pasqyruar në gdhendjet e I. A. Sokolov, u zhvillua pas mureve të atyre shtëpive të vogla që përshkruan I. N. Pavlov," shkruan me të drejtë biografi i I. A. Sokolov M. Z. Kholodovskaya.
Natyrisht për shkak se artisti ishte gjithmonë afër pikturave të punës, ai ishte një nga të parët që zgjeroi kornizën e ngushtë të temës së tij dhe filloi të përshkruante botën e re të punës industriale - punë në një fabrikë të madhe metalurgjike. Fletët e tij të para, që përshkruajnë bimën e çekiçit dhe drapërit të Moskës, datojnë në vitin 1925. Në këtë kohë, artisti kishte zotëruar tashmë teknikën e linokut me shumë pllaka me ngjyra, dhe pamjet e punëtorive, gërshetimi i dërrasave të fuqishme prej çeliku dhe ndriçimi kompleks i skenave me metal të nxehtë verbues u riprodhuan prej tij me saktësi dhe detaje. Më vonë, tashmë një mjeshtër i pjekur, Sokolov erdhi përsëri në fabrikën e tij të njohur dhe në 1949 krijoi një seri gdhendjesh kushtuar atij. Këtë herë ai fut në serial fletë portreti; njëri prej tyre, që përshkruan çelikun F.I. Sveshnikov, ishte veçanërisht i suksesshëm për artistin. Me maskën e Sveshnikov, duke parë me vëmendje shkrirjen, ai arriti të përçojë modestinë, thjeshtësinë dhe sharmin e një njeriu me përvojë të gjerë jete dhe pune. Por fletët e para "fabrika" të Sokolovit ruajnë rëndësinë e tyre për ne; ato përmbajnë saktësinë e ndërgjegjshme të hapave të parë në një rrugë ende të panjohur për vetë autorin dhe artistët e tjerë.
Gjatë gjithë jetës së tij, I. Sokolov punoi shumë në fushën e peizazhit. Peizazhet e tij të viteve 1920 dhe 1930 u bënë të njohura gjerësisht; Freskia e ftohtë e pranverës së hershme dhe rrobja e zjarrtë e vjeshtës janë fiksuar gjithmonë në to me një vizatim të qartë, preciz, ngjyra të qarta, të pastra. Përmirësimi i teknikës së linoprerjes me ngjyra, duke arritur një transferim të lirë të një gamë të pasur ngjyrash, artisti përdor një numër të madh dërrasash, dhe ndonjëherë rrokulliset në tabelë jo vetëm një, si zakonisht, por disa bojëra. Gdhendja e tij e famshme "Kuzminki, Vjeshtë", që magjeps me ngjyrat e saj të nxehta piktoreske, për shembull, u ekzekutua në shtatë dërrasa me nëntë ngjyra.
Ngjarjet e luftës u pasqyruan nga artisti në seritë e mëdha "Moska në 1942" dhe "Ajo që shkatërroi armiku". Në të parën prej tyre, duke vizatuar tanke që nisen për në pjesën e përparme në rrugët e Moskës, tufa të shtyra në pjesën e pasme, kopshte perimesh në oborre, etj., Artisti i ngop fletët e tij me motive zhanri, por ende mbetet kryesisht një artist peizazhi në zgjidhje përbërjen në tërësi. Në serinë e dytë - peizazh -, detyra dokumentare vihet qëllimisht në plan të parë, por trishtimi i ngjyros edhe këto fletë, duke përshkruar shkatërrimin e dhimbshëm të ansambleve të bukura të periferive të Leningradit. Me të njëjtën detyrë dokumentare përballet artisti në serinë e tij të viteve të pasluftës, në të cilat ai riprodhoi me kujdes dhe me kujdes vende të paharrueshme që lidhen me jetën dhe veprën e V. I. Lenin dhe A. M. Gorky.
Veprat e para për jetën e re, si fletët e Nivinsky ose Sokolov, ishin të pakta në numër. Megjithatë, numri i tyre po rritet gradualisht. Gjatë viteve të planit të parë pesëvjeçar, u organizuan udhëtime të piktorëve dhe grafistëve në ndërtesat e reja më të rëndësishme, gjigantët industrialë dhe në fermat e para kolektive. Artistët iu përgjigjën me entuziazëm këtyre detyrave të reja. E megjithëse mes veprave të krijuara si rezultat i këtyre udhëtimeve kishte ende pak gjëra me meritë të lartë artistike, me këtë vepër hyri në grafikë një rrjedhë e re e freskët, një frymë e jetës së madhe të vendit.
Kompleksiteti i kësaj vepre qëndronte në njohuritë e pamjaftueshme të artistëve për jetën e përditshme të ndërtimit socialist dhe në natyrën e diskutueshme të shumë çështjeve të formës artistike karakteristike të atyre viteve. Grupe të shumta artistike shpesh dilnin me platforma teorike të kundërta dhe në mosmarrëveshjet që lindnin atëherë e drejta e ekzistencës së artit të kavaletit ndonjëherë vihej në pikëpyetje. Nuk duhet harruar se këto vite ishin një periudhë kërkimesh kontradiktore në fushën e edukimit artistik. Shpesh, përgatitja jo e duhur e artistëve në universitete i privonte ata nga themelet e forta të aftësive profesionale dhe grafistit të ri iu desh të grimohej shumë më vonë. Vërtet, veprat e një sërë mjeshtërsh të shkëlqyer të brezit të vjetër, si dhe këshillat që u jepnin të rinjve, shpesh jashtë mureve zyrtare të universitetit, ishin shumë mësimore për ta. Kishte gjithashtu studio të tilla si, për shembull, studio e Kardovsky, në të cilën artistët iu nënshtruan një shkolle të frytshme vizatimi dhe kompozimi realist. Megjithatë, kushtet e punës për artistët ishin të vështira. Ata u përmirësuan vetëm me likuidimin e grupeve artistike në fillim të viteve 1930 dhe bashkimin e të gjitha forcave të shëndetshme krijuese në një platformë të vetme realiste.
Kur grafika u kthye në tema moderne, shpejt u shfaqën disa drejtime kryesore të punës së artistëve. Një prej tyre ishte, siç e pamë në gravurat e I. Sokolovit, përmes një riprodhimi të saktë, disi përshkrues, gati dokumentar të situatës së parë kryesisht industriale të punës. Në veprat e këtij lloji kishte shumë dëshirë të zgjuar dhe të ndershme të autorëve për t'i treguar shikuesit sa më saktë dhe plotësisht ndërtesat dhe fabrikat e reja. Jo më kot shpesh artistët nuk kufizohen në një fletë, por kapin pamje të një fabrike, ndërtimi etj në një seri të tërë të tyre.
Drejtimi i dytë mund të quhet ai i ngrohur nga një ndjenjë lirike, lakonike, duke ruajtur gjallërinë e skicës, por edhe mungesën e qartësisë së saj, arti i peizazhit industrial, i cili u krijua në fund të viteve 1920 - fillim të viteve 1930 nga N. N. Kupreyanov (1894). - 1933), një student i artistëve të tillë të ndryshëm, si Kardovsky, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebedeva, Kupreyanov kaloi një rrugë të shkurtër, por të vështirë në art, plot kërkime të vazhdueshme. Ai punoi në mënyrë interesante jo vetëm në grafikë kavaleti, por edhe në ilustrim librash. Kupreyanov ishte një nga të parët që ia kushtoi veprat e tij revolucionit dhe punimet e tij në dru "Makina e blinduar" (1918) dhe "Cruiser "Aurora" (1923), disi të qëllimshme në këndshmërinë e tyre të theksuar ose lëvizjen e shpejtë të linjave, mbanin në vetvete një grimcë e ngritjes së vërtetë shpirtërore, një përgjigje e gjallë ndaj ngjarjeve të tetorit. Duke lënë së shpejti punimet në dru, Kupreyanov punon kryesisht në stilin e tranzicioneve të lira, plot dritë dhe misterioze dritëhije të vizatimit me bojë dhe bojëra uji. Peizazhe dhome dhe skena të " Seriali Selishchensky", në të cilin është ngrohtësia dhe izolimi i ngushtë i botës familjare, përbëjnë një nga aspektet e punës së tij. Por arti i Kuprejanov arrin herët në hapësirat e vendit të gjerë. Në serialin "Shtigjet hekurudhore" (1927) , furça e tij e shpejtë mbush fletë pas flete me lëvizjet jehonëse të trenave dhe në ritmin e saj të nxituar dëgjohet jehona e jetës së biznesit të vendit. Caspian”, që u ngrit si rezultat i udhëtimeve të artistit atje, tregojnë të njëjtën lehtësi të vizatimit të pakujdesshëm të jashtëm. Pas saj mund të ndjehet kërkimi larg nga përfundimi i imazheve të modernitetit, duke ndërthurur shprehjen e kalimit dhe përmbajtjen e madhe të karakteristikës.
Një vdekje e hershme e shkurtoi punën e artistit në mes të saj.
Drejtimi i tretë në punën e artistëve grafikë mbi temat moderne u shfaq me prirjen e hershme të një prezantimi romantikisht të ngritur të komplotit. Ajo i kthen motivet industriale në një spektakël madhështor, ndonjëherë magjepsës. Duket se këto janë veprat që kanë qasjen më krijuese, emocionale ndaj natyrës. Dhe me të vërtetë, midis tyre ka shpesh gjëra domethënëse dhe të ekzekutuara shumë bukur. Por ngazëllimi i tyre romantik më së shpeshti ka një karakter disi abstrakt dhe subjektiv; ai, ashtu si saktësia përshkruese e veprave të tjera, është rezultat vetëm i kontaktit të parë të artistit me temën. Nuk është pa arsye që, të rrëmbyer nga llojet e përgjithshme të ndërtimeve, punëtoritë e fabrikave, etj., Autorët e të gjitha veprave të hershme industriale u kushtojnë ende një vend shumë modest njerëzve në to. Një shembull i veprave të një natyre romantike është fleta e N. I. Dormidontov "Dneprostroy" (1931; ill. 8). Dormidontov (lindur në 1898) është gjithashtu një nga artistët e parë të temave moderne në grafikë. Tashmë nga mesi i viteve 1920, u shfaq fleta e tij e punës kushtuar punës - në fillim, tepër e saktë dhe e thatë, pastaj më e lirë dhe e bazuar në përbërje. Në vizatimin "Dneprostroy" artisti është mahnitur nga shkalla e madhe e strukturës dhe natyra magjepsëse e figurës së veprave të natës, e ndriçuar nga drita e ashpër e llambave të shumta. Në vizatimet e tij, puna kthehet në një spektakël mahnitës, misterioz, madhështor dhe paksa fantastik.
Një interpretim i ngjashëm i punës mund të shihet në një seri gdhendjesh nga A. I. Kravchenko (1889 - 1940), kushtuar gjithashtu ndërtimit të Hidrocentralit Dnieper (1931). Ajo u krijua nga artisti tashmë në periudhën e tij të pjekur të krijimtarisë, dhe aftësia e tij spektakolare u shfaq qartë në të,
Në gdhendjet e këtij cikli, strukturat e mëdha të digave janë grumbulluar, duke u ngjitur lart, bumet e vinçave ngrihen afër tyre, qielli i lartë rrotullohet me re dhe dielli dërgon rrezet e tij verbuese lart. Kontrastet e ngjyrave të zeza dhe të bardha krijojnë një gamë të ndritshme dhe të shqetësuar gdhendjesh. Spektakli i ndërtimit të Kravchenko është madhështor dhe mbresëlënës. Dhe njerëzit që krijojnë një gjigant të ri industrial në kushte të vështira jepen vetëm si grupe të përsëritura ritmike të figurave identike të silueteve, si bartës abstrakte të lëvizjes. Megjithatë, shumë artistë u tërhoqën kryesisht nga ekspresiviteti i përgjithshëm panoramik i kantierit, punëtorisë, etj. Dhe në gdhendjet e Kravchenkos ajo shprehet vetëm në mënyrë më të talentuar.
Puna e Kravchenkos në përgjithësi përbën një faqe të ndritshme dhe origjinale në historinë e grafikës sonë. Një mjeshtër i printimit, gravurës dhe vizatimit në blloqe druri, shumë i ndjeshëm ndaj temave të konotacionit akute shoqëror në objektet e kavaletit, një shkrimtar i trillimeve shkencore dhe një magjistar në ilustrime, Kravchenko shpejt fitoi famë të gjerë brenda dhe jashtë vendit. I ardhur nga një familje fshatare, ai u arsimua në Shkollën e Pikturës, Skulpturës dhe Arkitekturës në Moskë. Mësuesit e tij ishin piktorët e njohur rusë S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov. Kravchenko filloi karrierën e tij si piktor, por në fushën e vizatimit dhe gdhendjes, të cilës ai iu drejtua gjatë viteve të pushtetit sovjetik, puna e tij është veçanërisht interesante. Udhëtime të shumta në Indi, Francë, Itali, Amerikë dhe Bashkimin Sovjetik përfunduan edukimin artistik të Kravchenkos dhe zgjeruan horizontet e tij. Kravchenko punoi shumë. Ai krijoi një botë të çuditshme imazhesh në ilustrime librash, duke ndërthurur fantazinë dhe groteskun, magjinë drithëruese të ndjenjave dhe energjinë e obsesionit. Ai punoi vazhdimisht në fushën e peizazhit; fletët e tij të ndryshme kapin harmoninë, bukurinë e natyrës modeste të rajonit të Moskës dhe të qyteteve të famshme të Evropës. Ai është një nga grafikët e parë që ka krijuar seri historish, duke iu përgjigjur temave sociale. Seria e gdhendjeve kushtuar funeralit të V.I. Leninit, e realizuar në të njëjtin vit, 1924, ishte një dëshmi e trishtuar e dëshmitarëve okularë dhe tani ka marrë rëndësinë e një vepre historike. Artisti më pas u kthye në temën leniniste edhe një herë, duke përfunduar gdhendjen e ashpër dhe solemne "Mauzoleum" në 1933. Ai gjithashtu bëri një seri gravurash "Jeta e një gruaje në të kaluarën dhe të tashmen" për pavionin sovjetik në Ekspozitën Ndërkombëtare në Paris. Në pikturat e kundërta, artisti riprodhoi fatin e një gruaje-nëne në Rusinë cariste dhe sovjetike; ai veproi këtu si një tregimtar, fjalimi i të cilit ishte emocional dhe i gjallë, por nuk kishte një shprehje të madhe të brendshme dhe plastike në imazhet e tij. Pas serisë "Dneprostroy", Kravchenko nuk e braktisi temën industriale dhe në 1938, duke përdorur materiale nga një udhëtim krijues biznesi, ai krijoi vizatime dhe gravurë kushtuar uzinës Azovstal.
Në gravurën që përshkruan një derdhje çeliku (ill. 9), artisti mbetet i mahnitur nga fuqia e strukturave të mëdha teknike dhe madhështia e figurës së punës. Ai kompozon lirshëm një skenë komplekse, duke e ndriçuar në mënyrë efektive me rryma drite dhe shkëndija. Për më tepër, këtu shfaqet një ritëm i vërtetë i punës, dhe bashkë me të përshtatshmëria e gjithçkaje që ndodh, në vend të patosit disi abstrakt të "Dnieper". Përveç argëtimit spektakolar, fleta fiton edhe përmbajtje të shkëlqyer.
Kjo gravurë monumentale u ekzekutua nga Kravchenko për Ekspozitën Gjithë Bashkimit "Industria e Socializmit". Kjo ekspozitë në artin sovjetik shoqërohet me një tërheqje masive të artistëve ndaj modernitetit. Punimet për të u krijuan gjatë disa viteve, duke filluar nga viti 1936. Pak para fillimit të kësaj vepre, 1500 bateristët e një prej fabrikave më të mëdha shkruan në faqet e Pravda duke iu drejtuar artistëve:
"Ne presim piktura të mëdha nga ju. Ne duam që ato të jenë më shumë se thjesht fotografi të thjeshta. Ne duam që ato të jenë të mbushura me pasion. Ne duam që ato të emocionojnë ne dhe fëmijët tanë. Duam që ata të na rrënjosin gëzimin e luftës dhe etje për fitore të reja. Ne duam që ju t'u tregoni njerëzve të vendit tonë - heronj dhe pjesëmarrës të zakonshëm në projektin tonë të ndërtimit."
Këto fjalë pasionante jo vetëm formulonin mirë detyrat e artit tonë, por pasqyronin edhe atë atmosferë të dashurisë kërkuese të popullit për artin, atë interesim sublim për të të njeriut të punës që ndihmonte artistët në punën e tyre. E organizuar me iniciativën e Sergo Ordzhonikidze dhe e hapur gjatë Kongresit XVIII të Partisë, ekspozita mbuloi gjerësisht jetën e vendit Sovjetik. Këtu u ekspozuan mbi 1000 punime, nga të cilat rreth 340 ishin në departamentin e grafikës (përveç satirike). Midis këtyre fletëve kishte pak vepra me mjeshtëri të madhe dhe pak prej tyre kanë mbijetuar deri më sot. Por temat e reja që sollën, të cilat artistët i panë në jetën reale - në skelat e ndërtesave të reja, në punishtet e një fabrike - ishin një arritje e madhe për artin e grafikës. Dnieprostroy dhe puna në minierat e kaliumit Solikamsk, ndërtimi i metrosë dhe zhvillimi i Arktikut, minierat e arit në taigë dhe puna e një minatori - sa ndryshe nga këto tema janë nga rrethi vicioz i fenomeneve të jetës që ishte i kufizuar në bota e grafikës së kavaletit më herët, sa pak respektim i antikitetit, parimet themelore mbetet në të retrospektivizmi! Këtu kishte ende shumë peizazhe industriale. Por krahas tyre shfaqen edhe skena të lindjes; dhe një person që punon në një fabrikë, në një fushë, në një laborator, në një minierë bëhet për herë të parë heroi i veprave grafike. Artistët ende nuk e njohin mirë botën e tij të brendshme; në fillim ata vetëm ndihen mirë dhe janë në gjendje të përcjellin sjelljen e tij të sigurt në punën e tij, plasticitetin e lëvizjeve të tij profesionale. Kjo është arsyeja pse një gjest i mundimshëm në vizatime mund të jetë më bindës se një shprehje fytyre, dhe disa vepra të mira prishen nga vrazhdësia e jashtme e personazheve.
Artisti A. Samokhvalov (l. 1894), për shembull, në një seri bojërash uji tregoi mirë energjinë dhe optimizmin e "Vajzave të Metrostroy", por gjithashtu theksoi vrazhdësinë e tyre. Një theks i tillë duket se i vendos një kufi njohurive tona për heroinat e Samokhvalov dhe varfëron veprën e tij, megjithëse në tonin e tij, në atmosferën e tij ka tipare që u panë vërtet në jetë. Një burrë punëtor karakterizohet më me mend në bojëra uji nga S. M. Shor (lindur më 1897) "Gruaja Bricjapi" nga seria "Kualifikimet e vjetra dhe të reja të Donbass" (1936; ill. 10). Këtu krijohet imazhi i një gruaje inteligjente dhe energjike, përbërja e saj mendore dhe forca morale hamendësohen me ndjeshmëri. Jo më kot S. Shor më pas u bë mjeshtër i portreteve grafike, më së shpeshti të realizuara prej saj duke përdorur teknikën e gravurës.
Në vitet e paraluftës, u shfaqën fletë pune kushtuar I. A. Lukomsky (lindur 1906). Në vizatimin e tij të sepisë “Punëtori” (1941; ill. 11), theksi kalon nga individualja dhe karakteristike në tipiken, e paraqitur e theksuar, sikur në afërsi. Liria e brendshme dhe krenaria për punën e dikujt mund të shihen në fytyrën e punëtorit.
Një ngjarje e rëndësishme për grafikën në vitet 1930 ishte përgatitja e një ekspozite me ilustrime për historinë e partisë. Ai përqendroi interesin e shumë artistëve për temat historike dhe i bëri ata të rimendonin rrugën e ndjekur nga shteti ynë. Tema historiko-revolucionare filloi jetën e saj në grafikë tashmë në fillim të viteve 1920. Megjithatë, në atë kohë këto ishin vetëm punime individuale, kryesisht gravura, në të cilat dekorativiteti abstrakt dhe skematizmi shpesh konsideroheshin ende një aspekt integral i teknikës së gdhendjes. Më vonë, në vitin 1927, si një kontrast i plotë me këto vepra, imazhi i heroit të betejave të Perekopit, i mbuluar me patos revolucionar, shfaqet nën daltën e artistit ukrainas V. I. Kasiyan. V. I. Kasiyan (lindur në 1896) - një vendas i Ukrainës Perëndimore, i arsimuar në Akademinë e Arteve të Bukura të Pragës - një artist i një shpirti kërkues, një mënyrë të ndritshme temperamenti. Puna e tij është e ndritshme dhe emocionale, por ai mbetet ende i vetëm në tabelën e këtyre viteve.
Shumica e veprave të krijuara për ekspozitën e përmendur fituan një karakter kavaletor dhe jo ilustrues. E hapur në vitin 1941, para luftës, ajo u quajt "Ekspozita e veprave të reja të grafikës sovjetike" dhe përfshinte një sërë veprash të mira. Shumë prej tyre i përkisnin mjeshtrave të grafikës së librit. Ilustruesit sollën në sferën e vizatimit të kavaletit natyrën psikologjike të imazheve dhe saktësinë e mjediseve historike, të cilat atëherë ishin arritje të fundit dhe të habitshme të artit të tyre. Këto ishin fletët e kolektivit artistik Kukryniksy - "Në barrikadat", "Chkalov në ishullin Udd", "Prija politike", Kibrik - "Khalturin dhe Obnorsky", Shmarinov "Funerali i Bauman" dhe të tjerë.
Interesimi i grafistëve për temat historike në vitet 1920 dhe 1930 kishte edhe një aspekt tjetër që lidhej me letërsinë.
Imazhet e frymëzuara të Pushkin dhe Lermontov tërhoqën vëmendjen krijuese të artistëve për shumë vite. N.P. Ulyanov (1875 - 1949) bëri shumë punë në serinë e tij Pushkin. Një nga piktorët kryesorë sovjetikë të brezit të vjetër, një student i ngushtë i V. A. Serov, Ulyanov ishte një mjeshtër i pikturës historike dhe portreteve, si dhe një artist teatri.
Vizatimet e Ulyanov tregojnë për periudha të ndryshme të jetës së poetit të madh - nga ditët e liceut deri në muajt e fundit tragjikë; ato plotësohen në shkallë të ndryshme - disa janë më të plota, të tjera duken si skica, si faqe kërkimesh intensive dhe të papërfunduara, por në të gjitha gjëja kryesore për artistin është jeta e zjarrtë e shpirtit të Pushkinit. Një nga më të mirët është një vizatim i ekzekutuar në lidhje me pikturën "Pushkin me gruan e tij para një pasqyre në një top fushë". Pamja krenare, e bukur e Pushkinit shfaqet këtu në linjat lakonike të një vizatimi të frymëzuar si Serov.
Tema Pushkin merr një interpretim tjetër në grafikë - në peizazhin e vendeve të paharrueshme. Artisti L. S. Khizhinsky (lindur në 1896) punon në këtë zhanër. Në bizhuteritë e tij, prerje druri të ekzekutuara me mjeshtëri që përshkruajnë skenat e Pushkinit dhe Lermontovit, ai arrin një kombinim të vështirë të saktësisë dokumentare dhe poezisë emocionale. Pa këtë kombinim, suksesi i një peizazhi përkujtimor, i cili gjithmonë ndërtohet mbi nëntekst delikate dhe asociacione individuale, është i pamundur.
Në vitet 1930, momentet e reja në zhvillimin e grafikës u ndjenë shumë fuqishëm. Ato konsistojnë jo vetëm në drejtime të reja në punën e artistëve, të cilat, siç e pamë - të mbështetura nga aktivitete ekspozitore! - po marrin një shtrirje të madhe, por edhe në përmbajtjen e re të zhanreve tradicionale të portretit dhe peizazhit, si dhe në pamjen. vepra të rëndësishme të artistëve të republikave të Unionit. Kështu, V.I. Kasiyan, i përmendur tashmë më lart, krijoi gdhendje kushtuar Shevchenkos në këto vite, plot mendime serioze. Artisti gjithashtu vuri shumë zjarr shpirtëror në veprën e tij të mëvonshme për kobzarin e madh, duke përshkruar Shevchenkon e zemëruar të pandërprerë në sfondin e episodeve të luftës së popullit (ill. 12).
Veprat më të rëndësishme të këtyre viteve përfshijnë peizazhe dhe portrete të mjeshtrit armen M. Abegyan, litografi kushtuar Moldavisë nga ukrainasi G. Pustoviit, një gravurë monumentale nga artisti gjeorgjian D. Kutateladze që përshkruan S. Ordzhonikidze dhe S. M. Kirov. Gjatë kësaj periudhe, artisti i famshëm Azerbajxhan A. Azimzade, një karikaturist, vizatues dhe artist poster, krijoi gjërat më interesante në fushën e grafikës së kavaletit. Fotot e së kaluarës janë riprodhuar në fletët e tij në një mënyrë origjinale, të detajuar, me një prekje të dizajnit ornamental. Çfarë e re shfaqet në portretin dhe peizazhin e viteve 1930? Intimiteti i dikurshëm i këtyre zhanreve po zhduket dhe mjeshtrit e tyre po ecin gjithnjë e më me guxim drejt jetës, njohin njerëz të rinj, zgjerojnë shtrirjen gjeografike të veprave të peizazhit. Kjo e fundit vlen jo vetëm për mjeshtrat e peizazheve industriale, por edhe të zakonshme. Nëse më parë vetëm E. E. Lanceray, i cili studionte pa u lodhur natyrën dhe jetën e popujve të Kaukazit, dhe Shillingovsky, i cili pikturoi Armeninë, devijuan nga tradita e vendosur Moskë-Leningrad në peizazh, tani një galaktikë e tërë mjeshtrash krijon veprat e tyre jashtë saj të ngushtë. kufijtë. Artistët përshkruajnë natyrën e Rusisë qendrore, veriut, Krimesë, Kaukazit dhe Azisë Qendrore. Peizazhi bëhet një zonë e përdorimit të shkëlqyer të teknikës së akuarelit. Veprat e grafistëve L. Bruni, A. Ostroumova-Lebedeva, piktorëve S. Gerasimov, A. Deineka, P. Konchalovsky dëshmojnë për lulëzimin e vërtetë të peizazheve me bojëra uji. Veprimtaria e botëkuptimit të autorit është një tipar i ri i këtyre veprave. Ndoshta është e dukshme me qartësi të veçantë në peizazhet e atyre artistëve që kanë ndodhur të vizitojnë jashtë vendit gjatë këtyre viteve.
Një vizion i mprehtë i kontrasteve të realitetit të huaj është i natyrshëm, për shembull, në peizazhet pariziane dhe romake të A. A. Deineka (ill. 13). Artisti nuk mund t'i dorëzohet sharmit të qetë të arkitekturës dhe statujave madhështore, siç ndodhi më shumë se një herë në seritë e huaja para-revolucionare të grafikëve; në këtë sfond të bukur, syri i tij vë re si figurën e një njeriu të papunë, ashtu edhe figurat e liga e të sigurta në vetvete të shërbëtorëve të kishës. Pikërisht në rrethin e veprave si fletët e Deinekës lind pasioni gazetaresk dhe mospërputhja politike karakteristike e grafikës sovjetike.
Këto cilësi u shfaqën me forcë të madhe edhe në "Seria spanjolle" e vizatimeve të Leningrader Yu. N. Petrov (1904 - 1944). Seriali i Petrov ishte kontributi i grafikës së kavaletit në luftën kundër fashizmit, i cili në ato vite u zhvillua tashmë në mënyrë aktive si nga mjeshtrit e karikaturës ashtu edhe nga artistët politikë të posterëve. Arti i Yu.Petrovit, hartues dhe ilustrues, ishte arti i kulturës së madhe dhe ndjenjave të thella. Petrov ishte pjesëmarrës në luftën kundër fashizmit në Spanjë, ai e njihte dhe e donte këtë vend, njerëzit e tij, shkrimtarët dhe artistët e tij të mëdhenj të së kaluarës, dhe vizatimet e tij pasqyronin këtë dashuri dhe nderim. Spanja, peizazhet e saj malore, shtëpitë e shkatërruara nga bombat, njerëzit e saj të rezervuar, krenarë dhe të zjarrtë - ushtarë të Ushtrisë Popullore, gra dhe fëmijë që humbën shtëpitë e tyre - janë kapur në kompozime lakonike, paksa të trishtuara dhe të guximshme. Disa faqe të serisë së Petrovit duken si skica, por vizatimi i butë me modelim të butë përshkruan me aq saktësi plasticitetin e formave dhe planeve të peizazhit, një jetë kaq nderuese i mbush ato saqë mendueshmëria e madhe e secilës fletë bëhet e dukshme. Ky serial mbetet ende një nga gjërat më me përvojë dhe më të sinqertë në grafikën tonë. Autori i saj vdiq më pas në një post luftarak gjatë Luftës së Madhe Patriotike dhe arti i tij, i cili premtoi shumë, nuk pati kohë të arrinte zenitin e tij.
Lufta e Madhe Patriotike, e cila filloi në 1941, ndryshoi në mënyrë dramatike natyrën dhe ritmin e zhvillimit të të gjitha llojeve të artit. Ai gjithashtu shkaktoi ndryshime të mëdha në grafikat e kavaletit. Efikasiteti i grafikës dhe thjeshtësia krahasuese e teknikave të saj tani janë bërë cilësi veçanërisht të çmuara. Nevoja e zjarrtë për të thënë fjalën e tyre në orën e sprovave të njerëzve, për t'iu përgjigjur shpejt hidhërimit dhe heroizmit të ditës që kishte ardhur, çoi shumë artistë drejt vizatimit, akuarelit dhe ndonjëherë gravurës. Së bashku me mjeshtrit e saj të njohur, disa piktorë dhe gjithashtu, me shumë sukses, ilustrues, tani filluan të punojnë në grafikë të kavaletit.
Që në vitin e parë të luftës, së bashku me posterat dhe karikaturat, grafika e kavaletit u shndërrua në një nga format më aktive të artit që emocionoi thellë zemrat e shikuesve. Mjeshtrit e vizatimit dhe gdhendjes krijuan shumë gjëra të bukura, të lindura nga zemërimi dhe frymëzimi. Në këtë varg veprash dallohen maja individuale, të dalluara për mjeshtërinë e tyre të veçantë plastike. Por niveli i përgjithshëm i grafikës ushtarake është i lartë. Artistët krijuan vizatimet e tyre në radhët e Ushtrisë së Kuqe dhe në Leningradin e rrethuar, në qytetet nëpër të cilat kaloi një valë e rëndë tërheqjeje, në pjesën e pasme, ku gjithçka ishte në varësi të detyrave të frontit dhe jashtë kufijve tanë. vend gjatë periudhës së fundit të betejës kundër fashizmit. Grafikat na treguan anët e ndryshme të luftës, aspekte të ndryshme të jetës gjatë kësaj periudhe vendimtare në historinë e Atdheut tonë - nga përgjumja e shpejtë e një infermiereje të lodhur deri te panorama e një beteje të madhe. Në të njëjtën kohë, u pasqyrua qartë edhe dallimi në talentet dhe të menduarit imagjinativ të artistëve. Në veprat e njërës, lufta shfaqet si rrugë të gjata ushtarake, shpesh të pakëndshme, dhe nganjëherë aq shumë të këndshme për syrin me bukurinë e papritur të pyllit të mbijetuar. Në fletët e një tjetri, ndjek një sërë skenash të thjeshta të jetës së ushtrisë, të skicuara me nxitim, por me saktësi. Në vizatimet e të tretit, është në shprehjen e veçantë të syve të një luftëtari apo partizani që ka takuar vdekjen më shumë se një herë. Guximi dhe patriotizmi i popullit sovjetik, i cili u shfaq aq qartë gjatë viteve të luftës, u lavdërua nga artistët në këto vepra të natyrës së ndryshme. Punimet grafike janë plot me atë ndjesinë e veçantë të bukurisë së jetës sonë sovjetike, të rënduar nga lufta, e cila shënoi gjërat më të mira në të gjitha llojet e artit.
Një tipar karakteristik i grafikës ishte shfaqja e një numri të madh skicash. Artistët ndonjëherë i interpretonin ato në situatat më të vështira luftarake, duke u përpjekur t'u tregojnë njerëzve më saktë dhe plotësisht për luftën dhe të mbledhin materiale për kompozimet e ardhshme. Në parathënien e albumit të vizatimeve “Ditari i përparmë” i grafistit të Moskës P. Ya. Kirpichev, Heroi i Bashkimit Sovjetik S. Borzenko shkruan: “Njëra pas tjetrës ka piktura, të skicuara në gjurmët e freskëta të luftës, që kalojnë. siç i pa artisti në momentin e ngjarjeve... "Atë nuk e ndaluan asnjë rrezik apo vështirësi. Ai u nis për në objektivat e tij të preferuar midis fushave të minuara dhe punoi atje nga mëngjesi në mbrëmje, me frikë të humbiste momentin, nga frika se mos zjarret do të shuheshin dhe ekipet e kapura do të merrnin armët dhe tanket e dëmtuara”. Ky përshkrim i punës së vijës së parë të artistit është shumë tipik, sepse shumë artistë grafikë të kavaletit kanë punuar si Kirpichev gjatë luftës. Skicat përbëjnë fondin e çmuar të artit tonë, i cili është larg nga botimi i plotë. Autorët e tyre janë N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Japaridze, N. N. Zhukov, P. Ya. Kirpichev, A. V. Kokorii, D. K-Mochalsky, E.K. Okas, U. Tansykbaev, S.S. jeta e përditshme ushtarake, një poezi për një njeri në luftë që mbron atdheun e tij nga fashizmi.
Pavarësisht rrjedhshmërisë që i dallon skicat, ato tashmë tregojnë veçoritë e talentit të secilit artist - dhe jo vetëm mjeshtrit të tij të vizatimit, por edhe një gamë të caktuar fenomenesh që e prekin atë më së shumti.
Kështu, A. V. Kokorin (lindur në 1908), për shembull, nuk do të kalojë kurrë nga një skenë piktoreske që ai pa papritur; në ditarin e tij grafik ai skicon shalë të varura në një armë dhe një kamion të thyer me çizmet që dalin nga poshtë nga tre anët. e ushtarëve që e riparonin atë, dhe një ushtar i kolonës që qep me qetësi diçka në një makinë qepëse pikërisht në fushë, dhe figura e një prifti me një çantë shpine të madhe duke folur me një ushtar sovjetik. Karakteristika e përgjithshme e pamjes së njerëzve është kapur me saktësi nga Kokorin dhe pas skenave të tij të thjeshta ndjen gjithmonë një buzëqeshje dhe dashuri të lehtë për heronjtë e tij. Pikërisht në këto skica Kokorin grumbulloi përvojën e tij si mjeshtër i peizazhit arkitektonik, i aftë të përvijojë pamjen e qytetit, konturet kryesore të arkitekturës së tij dhe jetën e rrugës - cilësi që u zhvilluan në pasluftën e artistit. Vizatime indiane.
Ngrohtësia dhe lirizmi dallojnë skicat dhe vizatimet e D. K. Mochalsky. Edhe në situatën më të papërshtatshme për këtë, në ngutje dhe nxitim të rrugëve të vijës së parë që të çojnë direkt në Berlin në fazën e fundit të luftës, ose tashmë në Berlin - kështjella e fashizmit që trupat tona sapo kanë marrë - ngrohtësia e jeta, rrezja e saj e gëzueshme, në një formë të butë do të ndizet padyshim në çarçafët e Mochalsky, vajzat kontrolluese të trafikut, në vështrimin e luftëtarit të fiksuar mbi një grua me një karrocë fëmijësh.
N. N. Zhukov (lindur në 1908) shfaqet si një artist fizionomist që mund të shohë shumë te një person në skicat e tij ushtarake. Një interes i vazhdueshëm për botën e brendshme të një personi i bën kuptimplotë edhe vizatimet e tij më të përcipta në dukje. Peizazhet, skicat e ushtarëve dhe skenat e zhanrit alternohen në fletët e tij. Stili i vizatimit me laps të Zhukov-it, pa asnjë hije dukshmërie të jashtme, duket se pasqyron përthithjen e këtij artisti në natyrë, qasjen e tij të menduar ndaj saj. Veprat e Zhukovit fituan famë edhe para luftës, kur ai pikturoi një sërë ilustrime për biografinë e Karl Marksit. Më pas, Zhukov nuk e braktisi punën e tij për këtë temë të rëndësishme. Ai bëri shumë punë në krijimin e një serie vizatimesh "V.I. Lenin". Fletët e saj më të suksesshme janë të dizajnuara në formën e një skice të lehtë, duke kapur një moment të shkurtër në një zinxhir të tjerësh, në formën e një lloj skice portreti. Por ishte pikërisht gjatë krijimit të skicave ushtarake që u forcuan fuqitë e vëzhgimit të artistit dhe aftësia e tij në skicimin e shpejtë, të cilat ishin të dobishme për të më vonë - si në një seri të gjerë vizatimesh kushtuar fëmijëve, të njohura nga shikuesit, ashtu edhe në portrete. Mbi të gjitha, përvoja e punës së kohës së luftës u pasqyrua në ilustrimet për "Përrallën e një njeriu të vërtetë" të B. Polevoy, krijuar nga Zhukov menjëherë pas luftës.
Duhet thënë se përvoja e punës ushtarake ka luajtur rol në punën ilustruese të artistëve të tjerë. Kjo përvojë e ndihmoi O. G. Vereisky të krijonte vizatime për "Vasily Terkin" nga A. Tvardovsky, dhe për një kohë të gjatë e afroi A. V. Kokorin, më vonë ilustruesin e "Tregimeve të Sevastopolit" nga L. N. Tolstoy, më afër temës ushtarake. Rruga e A.P. Livanov nga seriali "Partizanët", të cilin ai krijoi menjëherë pas luftës, deri në ilustrimin e "Chapaev" nga D. A. Furmanov, ishte gjithashtu logjike.
Një tipar tjetër karakteristik i grafikës së kohës së luftës ishte kthimi i artistëve në formën e një serie, domethënë një seri fletësh të bashkuara nga një koncept dhe një mënyrë e vetme ekzekutimi. Mund të shihnim që serialet ishin krijuar nga artistë më parë, por gjatë viteve të luftës ata u bënë një fenomen kryesor në grafikë. Një serial është i mirë vetëm kur shikuesi mëson diçka të re me çdo faqe, kur artisti drejton përshtypjet e tij, duke alternuar fletët në një mënyrë të caktuar, domethënë duke i dhënë serialit një përbërje të qartë. Ne gjithmonë hasim konceptin e "kompozimit" kur analizojmë një vepër të veçantë artistike. Por në realitet ekziston edhe një përbërje e një serie të tërë grafike si një model i brendshëm i alternimit të fletëve të saj, midis të cilave lindin lidhje të ndryshme. Duke ndërtuar qartë kompozimin e serialit, artisti gjen në të një mjet të ri të shprehjes së madhe. Autori i serisë kryen në thelb një vepër shumërrokëshe, shumëplanëshe, secila faqe e së cilës duhet të tingëllojë e plotë dhe e fortë dhe njëkohësisht të jetë pjesë përbërëse e së tërës së krijuar, sikur me një frymë të vetme. Sigurisht, kjo detyrë nuk është e lehtë. Dhe shpesh shuma e fletëve që artisti i quan seri nuk është në thelb një.
Përbërja e serisë ndryshon. Kështu, një seri mund të ndërtohet në një krahasim të kundërt të fletëve, ose, përkundrazi, në tingullin e tyre të barabartë, identik. Në një rast tjetër, autori mund të fillojë tregimin e tij serial, duke rritur gradualisht tensionin e tij emocional, duke krijuar në një ose disa faqe një lloj kulmi veprimi e ndjenjash dhe duke e mbyllur me një fund.
Kështu, për shembull, u përpilua një cikël i madh litografish nga A. F. Pakhomov "Leningrad në ditët e rrethimit dhe çlirimit", botuar me një tekst të poetit N. S. Tikhonov në 1946. Ky cikël ishte shfaqja e parë madhore në grafika e kavaletit nga A. F. Pakhomov (lindur më 1900), mjeshtër i librave për fëmijë, i njohur për ilustrimet e tij për veprat e N. A. Nekrasov dhe I. S. Turgenev. Litografitë e Pakhomov janë rrëfime të dëshmitarëve okularë dhe na prekin me të vërtetën e asaj që u pa, me dritën e solidaritetit dhe guximit të madh njerëzor.
Seriali hapet me fletën “Dalja e milicisë së popullit.” Na çon menjëherë në një atmosferë ankthi, konfuzioni të një jete të lumtur të ndërprerë. Ngjarjet e mëtejshme zhvillohen shpejt, jeta e qytetit ndryshon, bombardimet dhe bombardimet bëhen pjesë integrale e tij. Leningradasit ndërtojnë bunkerë në rrugë, qëndrojnë roje në çati gjatë alarmit dhe shpëtojnë të plagosurit nga shtëpitë e shkatërruara. E gjithë kjo tregohet në litografi, duke zëvendësuar shpejt njëra-tjetrën, të detajuara, si një histori, por plot tension të brendshëm. Në to, koha është e ngjeshur dhe e ngopur, njerëzit veprojnë pa humbur asnjë minutë dhe luftojnë me guxim armikun.
Faqja tjetër e albumit - “To the Neva for Water” (ill. 14) na nxjerr nga ritmi i shpejtë i këtyre episodeve. Këtu koha kalon ngadalë - është shkelja e rëndë e ditëve të ftohta dhe të uritura të bllokadës së Leningradit. Një vajzë me një kovë të rëndë të padurueshme po lëviz ngadalë në shkallët. Kjo heroinë Pakhomova është një nga imazhet më të forta jo vetëm të serialit, por të të gjitha grafikave ushtarake. Vështrimi i shikuesit ndalet para së gjithash te fytyra e vajzës - kështu është strukturuar kompozimi i litografisë, kështu dikton ekspresiviteti i jashtëzakonshëm i kësaj fytyre. Artisti zhvilloi shprehjet e tij të fytyrës në detaje - sytë e errët që shprehin lodhje të thellë duken veçanërisht të mëdha në fytyrën më të hollë, vetullat e vrenjtura janë tërhequr së bashku në një lëvizje të mprehtë, buzët pa gjak të gojës gjysmë të hapur janë aq të zbehta saqë pothuajse e bëjnë. nuk bie në sy në fytyrë dhe artisti konturon pak konturin e tyre me një vijë. Duket se imazhi i kësaj vajze do të ishte mishërimi i lodhjes dhe vuajtjes. Por gjëja më e shquar tek ai është kombinimi i këtyre tipareve të lodhjes fizike dhe rraskapitjes me qëndrueshmërinë mendore.
Qëndrueshmëria dhe mosbindja e heroinës së Pakhomov është një shkrirje komplekse e shumë aspekteve të jetës së saj shpirtërore, cilësive të saj të brendshme, dhe në të njëjtën kohë kjo është cilësia e saj kryesore që mbizotëron mbi të gjitha të tjerat. Këtu, së bashku me thjeshtësinë e zakonshme të Pakhomov dhe qartësinë pa art të imazhit, lindin shkathtësia dhe thellësia e tij. Pakhomov është gjithmonë veçanërisht afër imazheve të fëmijëve. Dhe në këtë litografi ai mundi të tregonte shumë, duke treguar se si një vajzë derdh ujë nga një kazan; Për të, kjo është një çështje në të cilën ajo është zhytur plotësisht - një domosdoshmëri dhe në të njëjtën kohë një lojë. Ky kombinim përmban dhimbje të dhimbshme, përmban jetën e vërtetë nën rrethim me notat e tij të tragjedisë akute në mes të jetës së përditshme. Hapësira me borë e lumit dhe ajri i pastër i ngrirë i dimrit përcillen mirë në litografi. Kjo fletë, si vizatimi tjetër "Për në spital", është më i fuqishmi, i mbushur me ndjenjë. Ato përbëjnë, si të thuash, kulmin e serialit. Më tej, historia e artistit tregohet më me qetësi dhe, në përputhje me ritmin e ngjarjeve, fletët e tij bëhen më të lehta dhe më të gëzueshme: "Krovelitsytsy", "Viti i Ri" dhe të tjerët. Seriali përfundon logjikisht me një foto të shfaqjes së fishekzjarreve më 27 janar 1944 për nder të Ushtrisë Sovjetike duke thyer bllokadën e qytetit, një shfaqje fishekzjarre që emocionon aq thellë dhe me gëzim njerëzit, duke ngjallur një varg të tërë kujtimesh dhe shpresash. Nën dritat e fishekzjarreve, njerëzit gëzohen në mënyra të ndryshme: me zhurmë, duke u dorëzuar plotësisht në triumfin e ndritshëm të këtij momenti dhe me mendime, duke u tërhequr paksa në kujtime dhe thellë, me gjithë zemër, duke ndjerë sigurinë e fëmijëve të tyre. Eksitimi dhe gëzimi i bashkojnë, dhe përbërja e ngushtë e fletës e bën këtë soliditet të dukshëm dhe të dukshëm.
Shumë vepra të artistëve të tjerë i kushtohen Leningradit të kohës së luftës. Le të përmendim edhe një sërë linocuts nga S. B. Yudovin (1892 - 1954). Ne pamë sesi në serinë e Pakhomov teknika e litografisë i lejoi artistit të paraqiste në detaje çdo foto që konceptonte, duke u thelluar në detaje, duke kombinuar hollësinë e tyre lineare me piktoreskitetin e hapësirave të shkrira të peizazhit dimëror. Seria e Yudovin është ekzekutuar në linocut. Yudovin karakterizohet nga ndjenja të shtuara, shënimet tragjike tingëllojnë fuqishëm në fletët e tij. Dhe e gjithë struktura figurative e fletëve të tij dhe mënyra e ekzekutimit i nënshtrohen kësaj ndjenje të tragjedisë së asaj që po ndodh. Ngjyra e zezë e rëndë dhe shkëlqimi i ftohtë i borës mbretërojnë në gdhendjet e tij. Në heshtjen e ngrirë të qytetit, njerëzit vrapojnë me vështirësi, duke u përkulur nën peshën e barrës, nën barrën e halleve të rrethimit. Figurat e tyre, të cilat zakonisht shihen si nga lart, bien në sy në sfondin e rrugëve me borë. Dizajni këndor, dritë e pamëshirshme, që rrëmben sienat nga errësira; jeta e përditshme që u bë korniza e tragjedisë - këto janë gdhendjet e Yudovin. Është e kotë të qortosh artistin për vërtetësinë e ashpër, për mungesën e optimizmit. Natyra e talentit të Judovinit e lejoi atë të shprehte me ndjeshmëri të veçantë aspektet tragjike të luftës së Leningradasve me armikun.
Por grafika në tërësi karakterizohej nga një pamje më e ndritshme e botës, madje edhe kur përshkruanin sprovat që i ndodhën popullit Sovjetik. Këtë mund ta shihnim tashmë në serinë e Pakhomov dhe do të gjejmë një konfirmim të ri për këtë duke u njohur me serinë e vizatimeve të D. A. Shmarinov "Nuk do të harrojmë, nuk do të falim!" Shmarinov (lindur në 1907) është një nga ata artistë, me përpjekjet e të cilit ilustrimi i librave sovjetikë arriti sukses të madh në vitet 1930. Ai mori një trajnim të mirë profesional në studiot e artit të Prahovit në Kiev dhe Kardovskit në Moskë. Talenti i tij si psikolog dhe kultura e madhe e brendshme i dallojnë veprat e tij librash. Gjatë viteve të luftës, Shmarinov krijoi postera dhe vizatime me kavalet. Seriali "Nuk do të harrojmë, nuk do të falim!" u realizua prej tij në vitin 1942 në një kohë të shkurtër, por koncepti i tij u formua gjatë gjithë vitit të parë të luftës.
Historia e artistit fillon jo gradualisht, por që në fillim - ai menjëherë na trondit me tragjedinë e lartë të vizatimit "Ekzekutimi". Fotot e sprovave dhe mundimeve të luftës vijojnë njëra pas tjetrës, por tema e ndritshme e guximit të popullit sovjetik, e cila u ngrit nga faqja e parë e serialit, fiton edhe në faqet e saj më të hidhura. Një nga vizatimet më të mira të këtij cikli është fleta "Kthimi" (ill. 15). Mijëra fermerë kolektivë sovjetikë ishin të njohur në jetën e tyre me situatën në të cilën ndodhet gruaja e përshkruar nga artisti. Shmarinov e pikturoi atë në momentin kur pamja e shtëpisë së saj të rrënuar dhe të shkatërruar u hap për herë të parë në sytë e saj, duke e detyruar atë të ndalonte në një lloj hutimi të mendimit të pikëlluar dhe të indinjuar. Eksitimi i saj i thellë pothuajse nuk manifestohet nga jashtë. Ky është frenimi i një personi të fortë që nuk i lejon vetes një shpërthim ndjenjash, një moment dëshpërimi. Dhe sa shumë i tregon peizazhi shikuesit këtu! Pastërtia transparente e ajrit, shkëlqimi i shkëlqimit të diellit dhe hijeve që rrëshqasin nëpër tokën e shkrirë - kjo pamje e pranverës së hershme, plot hijeshi, sjell gëzim në nëntekstin kompleks të skenës. Liszt fillon të tingëllojë si një histori lirike, dhe kjo është shumë karakteristike për talentin e Shmarinov. Vizatimet e Shmarinovit, të realizuara me qymyr dhe akuarel të zi, kalojnë nëpër shumë faza në procesin e punës. Por ata me kënaqësi shmangin plotësinë e jashtme të thatë, duke ruajtur gjallërinë nderuese të goditjeve, sikur ato të ishin hedhur sapo artisti.
Vetëm në dy faqet e fundit të serialit - "Kthimi" dhe "Takimi" - nuk ka imazhe të fashistëve, dhe megjithëse gëzimi është ende shumë larg këtu, atmosfera bëhet më e ndritshme, heronjtë marrin frymë më lehtë. Jeta e ashpër e vitit të parë të luftës, ngjarjet e së cilës artisti përmblodhi, i sugjeroi atij përbërjen e serialit - tensionin e pandërprerë tragjik të shumicës së faqeve të saj dhe shënimet e ndritshme të vizatimeve të fundit.
Gjatë viteve të luftës, V. A. Favorsky (lindur në 1886), një nga artistët më të vjetër sovjetikë dhe një mjeshtër i madh i gdhendjes në dru, iu drejtua gjithashtu grafikës së kavaletit. Gjatë gjithë karrierës së tij, ilustrimi i librave tërhoqi vëmendjen e tij në masën më të madhe. Dhe tani shikuesit sovjetikë dhe të huaj admirojnë, para së gjithash, botën harmonike epike të gdhendjeve të tij për "Përrallën e fushatës së Igorit", tragjedinë dhe thellësinë e ilustrimeve për "Boris Godunov", shumësilabike, plot përgjithësime filozofike dhe ndonjëherë. hije të ashpra, ndonjëherë magjepsëse të jetës në një seri gdhendjesh për "Tragjeditë e vogla" të Pushkinit. Por tashmë në fund të viteve 1920, Favorsky krijoi gjithashtu një portret të mrekullueshëm të F. M. Dostoevsky - një gjë krejtësisht e pavarur, megjithëse, natyrisht, e lidhur ngushtë me librat e shkrimtarit. Drita dhe hija janë në kundërshtim në këtë gjethe shqetësuese; imazhi i një njeriu të pushtuar nga një vorbull mendimesh të dhimbshme është skalitur me kujdes dhe fuqishëm. Këtu biem në kontakt me një jetë shpirtërore me intensitet të jashtëzakonshëm, dallojmë një botë të brendshme plot kontradikta dhe luftë. Një aftësi e madhe ndihet në shumëllojshmërinë e lirë të goditjeve dhe përdorimin e mençur të ngjyrës.
Në vitet 1940, Favorsky krijoi fletët "Minin dhe Pozharsky", "Kutuzov". Artisti nuk ishte i vetëm në thirrjen e tij krijuese në faqet e lavdishme të historisë së Atdheut tonë; Ata natyrshëm tërhoqën vëmendje të veçantë nga piktorët dhe grafistët gjatë viteve të luftës. Në një seri linocuts ritmikisht delikate të ekzekutuara në të njëjtën kohë në Samarkand, rrjedha e jetës së përditshme kapet me hirin dhe lakonizmin e pangutur. Sfondi i bardhë, i cili luan një rol të madh në të gjitha fletët e saj, thekson hirin e siluetave dhe muzikalitetin e kompozimeve të thjeshta, por të menduara.
Artisti më vonë iu drejtua më shumë se një herë grafikave të kavaletit (fleta "Flying Birds", 1959; shih ballinën, etj.), por ilustrimi i librit e pushtoi atë në një masë jashtëzakonisht të madhe.
Një vend të spikatur në grafikën e kohës së luftës i përket veprave të L. V. Soifertis (lindur më 1911). Soyfertis më parë ka punuar në fushën e grafikës satirike të revistave, ndërsa tani shfaqet shpesh në faqet e revistës Krokodil. Gjatë luftës, ai mori pjesë në betejat në Sevastopol, Novorossiysk dhe Odessa. Soyfertis iu desh të shihte shumë gjëra të vështira në luftë, vdekja i ishte afër më shumë se një herë, por talenti i tij i ndritshëm dhe i lehtë nxirrte nga kjo skena beteje jo të ashpra, jo tragjedi dhe vdekje, por buzëqeshja e jetës, duke mbetur vetë. nën bombardime. Një zgjuarsi dhe dëfrim e veçantë karakterizojnë situatat e përshkruara prej tij. Marinari nxiton në vijën e parë të Sevastopolit të rrethuar, dhe djemtë - së bashku për shpejtësi - shkëlqejnë me zell këpucët e tij. "Një herë e një kohë" quhet kjo fletë. Ka një betejë ajrore mbi qytetin në qiellin me diell, gratë po e shikojnë atë, dhe gruaja e moshuar po qep diçka me qetësi, e ulur pikërisht atje në një karrige në portë. Detarët në dritaren e gazetës po lexojnë lajmet më të fundit, duke qëndruar në një grup të ngushtë, me bajonetë pushkësh (Fig. 16), një marinar dhe një fotograf ndodhen në një krater bombë - atyre u duhet një fotografi për një dokument partie. E gjithë kjo, padyshim, mund të quhet episode e përditshme, por kjo është përditshmëri e vendosur dy hapa larg vijës së parë, dhe skenat më të thjeshta, madje edhe qesharake në shikim të parë, këtu janë të mbushura me frymën e guximit dhe heroizmit të madh. Hiri i vërtetë i dallon vizatimet e Soifertis. Dhe nëse në "Seria Samarkand" e Favorsky, linjat e ndjekura dhe siluetat e linokutave ishin të këndshme, te Soyfertis linjat e lehta, të brishta, në dukje të pakujdesshme të një vizatimi konturor dhe mbushjeje transparente me bojëra uji të gjallë, frymëmarrëse, paksa me ngjyra janë të këndshme dhe të bukura.
Soifertis mbetet një artist i buzëqeshjeve kalimtare dhe i simpatisë së madhe për njerëzit në vizatimet e tij të viteve 1950. Seriali i tij "Metro" është një seri skenash të zhanrit që vërehen në rrëmujën e pallateve nëntokësore të Moskës, dhe vizatimet dhe gravurat kushtuar fëmijëve ende shihen çuditërisht në mënyrë vigjilente, ende të ndriçuara nga një interes kërkues për njeriun. Herë prekëse dhe qesharake, herë tallëse e madje paksa groteske, duke fituar ashpërsi në krahasime, këto fletë na zbulojnë gjithmonë disa tipare të reja të jetës, diçka të re në rrjedhën e zakonshme të përditshmërisë.
Një sasi e madhe e materialit të grumbulluar gjatë luftës nuk u fut në heshtje në arkivat e artistëve. Shumë prej tyre vazhduan të punojnë në tema ushtarake pas përfundimit të luftës. Sidomos shumë vizatime dhe gravura për luftën u shfaqën në ekspozita në vitet e para të paqes. Në të njëjtën kohë, puna e grafistëve ndoqi natyrshëm rrugën e përgjithësimit të njohurive dhe përshtypjeve të tyre pamore, përgjatë rrugës nga një skicë dhe skicë në një fletë kavaleti dhe një seri të tërë grafike. Kështu, disa seri litografish të bazuara në materiale nga skicat e tij ushtarake u ekzekutuan në vitet 1946 - 1950 nga artisti V. V. Bogatkin (l. 1922). Gjatë viteve të luftës, Bogatkin sapo kishte filluar punën e tij krijuese. Ai vizatoi shumë; një nga vizatimet e tij, që përshkruan një ushtar të ri në brigjet e Tisza (1945), fitoi famë të konsiderueshme. Por fusha kryesore e punës së tij ishte peizazhi. Heshtja e rrugëve të shkreta të Leningradit të rrethuar, Moska e errësuar, Berlini në ditët e rënies së fashizmit, malet me pajisje të prishura në rrugët e tij, tanket sovjetike në Portën e Brandenburgut janë kapur nga Bogatkin në litografitë e tij. Me kalimin e viteve, saktësia e asaj që pamë që përmbanin këto fletë, të krijuara në vazhdën e nxehtë të luftës, vlerësohet gjithnjë e më shumë nga ne.
Në fund të viteve 1940 dhe në fillim të viteve 1950, tabloja e zhvillimit të grafikës së kavaletit ishte komplekse dhe kryesisht kontradiktore. Artistët arritën të vënë re dhe të përcjellin disa aspekte shumë domethënëse të jetës sonë dhe, mbi të gjitha, të tregojnë një person që ka kaluar luftën, gëzimin e rikthimit të tij në punë dhe etjen e tij të zjarrtë për krijimtari. Kjo ishte veçanërisht e dukshme në disa vepra kushtuar punës së fermës kolektive; në to ndihej bukuria e fushave të qeta të Atdheut tonë si një trashëgimi e sapogjetur, e pushtuar. Në të njëjtën kohë, në rrjedhën e vizatimeve që përshkruanin njerëzit sovjetikë dhe punën e tyre, pasqyroheshin qartë tiparet e ilustrativitetit dhe varfërisë së mendimeve dhe ndjenjave. Dokumentacioni prozaik pengoi shumë artistë në këto vepra të ngriheshin në nivelin e përgjithësimit poetik të jetës sonë. Shumë vizatime dhe gravura u shfaqën në tema historike dhe revolucionare, artistët i kushtuan forcën dhe talentin e tyre për t'i krijuar ato, por ndikimi i kultit të personalitetit ishte veçanërisht i rëndë mbi ta. Ajo i pengoi artistët të krijonin vepra me intensitet të madh ideologjik dhe çoi në disa vepra në pasqyrimin e gabuar të rolit të popullit si krijues i historisë.
Grafika e këtyre viteve u zhvillua në mënyrë të njëanshme në aspektin teknik. Shumë teknika grafike nuk përdoreshin me vështirësi; mbizotëronte boja, qymyri dhe vizatimet me bojëra uji të zezë. Vetëm në fushën e peizazheve ishin të zakonshme pikturat e vërteta me bojëra uji dhe disa lloje gdhendjesh. Por shumëllojshmëria e teknikave shpesh bashkëjetonte në peizazh me pasivitetin e brendshëm të gjërave.
Nga ana tjetër, gjatë këtyre viteve u krijuan edhe vepra me meritë të madhe artistike. Kështu, gjatë kësaj periudhe, u zhvillua talenti origjinal dhe i fortë i B. I. Prorokov, tani një nga mjeshtrit kryesorë të grafikës sovjetike. Puna e Prorokov është e lidhur ngushtë me vitet e luftës, me atë që artisti pa dhe përjetoi në atë kohë. Por Prorokov jo vetëm që u kthye gjatë gjithë këtyre viteve me kujtimin e zemrës së tij në luftë, ai arriti të thoshte me artin e tij fjalët më të nevojshme për paqen.
B.I. Prorokov lindi në 1911 në Ivanovo-Voznesensk. Prirja e tij për vizatim filloi herët, në shkollën e mesme. Vizatimet e tij shkollore, të dërguara në konkursin e gazetës Komsomolskaya Pravda, u vlerësuan me çmimin e parë. Kjo i dha autorit të tyre të drejtën për të marrë një biletë për në Institutin e Lartë të Artit dhe Teknik (Vkhutein). Sidoqoftë, studimi atje i dha Prorokov pak dhe zgjati më pak se dy vjet. Për Prorokovin ishin shumë të vlefshme vetëm këshillat e mjeshtrit më të madh të grafikës politike, D. S. Moor, i cili jepte litografi. Pa marrë ndonjë arsim special, Prorokov kaloi një shkollë të mirë - politike dhe artistike - ndërsa punonte në Komsomolskaya Pravda dhe më pas në revistën Krokodil. Në detyrat për gazetën, ai udhëtoi shumë nëpër vend; si gazetar, ai mësoi të bënte një sasi të madhe skicash për përdorim në të ardhmen, në mënyrë që të përfundonte shpejt çdo detyrë. Shumica e veprave të Prorokovit të paraluftës janë karikatura me tema vendase dhe ndërkombëtare. Afishet individuale, të realizuara gjithashtu prej tij, dhe në veçanti një fletë ku ekspozonte natyrën shtazarake antihumaniste të fashizmit, parashikonin tashmë intensitetin, pasionin dhe mprehtësinë gazetareske të veprave të tij të ardhshme.
Që në muajt e parë të luftës, Prorokov punoi në gazetën e garnizonit të Gadishullit Hanko, i cili i rezistoi heroikisht rrethimit të armikut.
"Ndonjëherë kemi turp të flasim për veprën e një njeriu të artit aq me zë të lartë sa për arritjen e një ushtari apo komandanti, derisa një shkrimtar apo artist ndodh të zëvendësojë një komandant të vrarë në betejë dhe të udhëheqë mbrojtjen e një lartësie," shkruante. një pjesëmarrës në mbrojtjen e Hankos, i cili foli për të në tregimin "Gangutians." Vl. Rudny. - Por nuk e imagjinoj një luftë të vazhdueshme të marinarëve të Gangut * ( * Gadishulli Hanko u quajt Gangut gjatë kohës së Pjetrit I) në vitin e dyzet e një pa të qeshura e satira profetike, pa fejletet e tij të përditshme piktoreske, gdhendjet, portretet, të prera për shkak të mungesës së zinkut për klishe në linoleum, të shqyer nga dyshemetë e shtëpive të shkatërruara nga lufta." e la Hankon me çetat e fundit të “detarët. Kronstadt dhe Leningrad nën rrethim, Malaya Zemlya pranë Novorossiysk, Berlin dhe Port Arthur - këto janë pikat kryesore të udhëtimit të tij ushtarak. Dhe kudo, edhe në kushtet më të vështira dhe pikërisht në vijën e parë, artisti pikturoi shumë.
Seriali i parë i pasluftës i Prorokov, "Në Kinë Kuomintang", u krijua nga ai në bazë të asaj që pa në Lindjen e Largët menjëherë pas humbjes së militaristëve japonezë. Me volum të vogël, ai përshkruan vetëm disa veçori të jetës së popullit kinez, që ende përjeton shtypjen koloniale dhe lufton për çlirimin e tyre kombëtar. Por pasioni i autorit për jetën është pasqyruar tashmë plotësisht këtu. Me simpati, artisti përshkruan partizanin kinez - një djalë të ri të thjeshtë, modest dhe trim, me urrejtje dhe tallje - amerikanët elegantë që organizuan gara çnjerëzore rickshaw; Ai ndan, na duket, si furinë e një folësi të furishëm në një mbledhje, ashtu edhe lodhjen e rëndë të një makine tërheqëse të strukur nën diellin përvëlues pranë një karroce. Në veprat e radhës të Prorokovit do të ndiejmë, si të thuash, zërin e autorit të tij, indinjatën ose dashurinë e tij gjithmonë të zjarrtë, prandaj veprat e tij do të na magjepsin me forcë të veçantë.
Në ciklet pasuese të vizatimeve "Ja ku është, Amerika!" dhe "Për paqe!" Zëri i publicistit Prorokov u bë më i fortë. Jeta e përditshme në faqet e tij fiton fuqinë e zemëruar të ekspozimit politik të imperializmit. Në vizatimin "Tanket e agresorit deri në fund", artisti në një imazh emocionues, patetik tregon vullnetin e punëtorëve për paqe, forcën e solidaritetit të tyre. Një shpërthim indinjate pushtoi forcat dhe mblodhi një grup monolit njerëzish duke hedhur një tank në ujë. Liszt është lakonik në kompozim, plot patos të luftës; mund t'i rezistojë lehtësisht zmadhimit të lartë dhe më shumë se një herë përkrahësit e paqes jashtë kufijve të vendit tonë e mbanin atë si poster në demonstrata. Seriali "Ja ku është, Amerikë!" u interpretua nga Prorokov si një ilustrim për një libër me pamflete dhe ese për Amerikën. Por në thelb u shndërrua në një cikël kavaleti - përmbajtja e fletëve të tij është kaq e pavarur, e qartë dhe pa tekst. Në të njëjtën mënyrë, ilustrimet e mëvonshme të Prorokov për librin "Mayakovsky on America" fituan tipare të kavaletit. Apeli për Majakovskin ishte thellësisht logjik në veprën e Prorokov. Artisti është shumë afër intensitetit pasionant të poezive të Majakovskit dhe alternimit të tyre karakteristik të zemërimit dhe sarkazmës, imazheve të guximshme alegorike dhe vlerësimit të detyrueshëm politik të fenomeneve.
Në të gjitha veprat e tij të kryera pas luftës, Prorokov lufton për paqen, ekspozon imperializmin, çnjerëzimin e politikave të tij koloniale dhe planet e tij militariste. Por deklarata më e fuqishme e artistit për paqen ishte seriali i tij "Kjo nuk duhet të ndodhë përsëri!", në të cilin për herë të parë pas përfundimit të luftimeve ai preku vizione lufte që nuk i kishin dalë nga zemra.
Dy fletë të humorit të kundërt theksohen në serinë e tij: në njërën - "Hiroshima" - një fytyrë e dënuar ende na shikon nga ferri i një shpërthimi atomik, nga ana tjetër - një nënë e re, me një armë në duar që mbron një fëmijë , duke mbrojtur një jetë të ndritshme në tokë. Midis këtyre dy fletëve, si në një kornizë, ka një varg tablosh lufte. Në to njerëzit luftojnë me vdekjen që sjell fashizmi; dhe në orën e vdekjes ata përçmojnë armikun, ashtu si një e re përçmon xhelatët, në sytë e të cilëve ka një vegim të përgjakshëm të Babyn Yar (ill. 17). Nuk ka detaje për të zhdukur tensionin e madh, çdo fletë është ndjenja e marrë në momentin e saj më të lartë, kjo është dhimbje që ende nuk është e destinuar të marrë fund. Këtu si teknika të detyrueshme artistike zgjidhen silueta të mprehta dhe pamje nga afër. Vetëm një artist me guxim të madh dhe besim të zjarrtë te njerëzit mund të na përsëriste me kaq fuqi mahnitëse të vërtetën mizore për luftën e kaluar. Faqet e tij të mbushura me dhimbje, zemërim dhe vuajtje nuk lënë askënd indiferent. Testamenti i komunistit çek J. Fucik “Njerëz, jini vigjilentë!” tingëllon përsëri për ne në këtë serial të artistit sovjetik.
Ndër veprat kushtuar V.I.Leninit, spikasin vizatimet e mjeshtrit më të madh të ilustrimit të librit, E.A. Kibrik (lindur më 1906). Në fletët individuale të serisë, artisti, i cili studioi me kujdes materialet që lidhen me aktivitetet e Leninit në vitin e revolucionit, jo vetëm që zotëroi të vërtetën e parë të ngjashmërisë së jashtme, por edhe u zhvendos më tej në thellësinë e karakteristikave të brendshme.
Fleta "V.I. Lenini në Underground" (ill. 18) riprodhon ditët e korrikut të vitit 1917, kur Lenini, që jetonte në Petrograd, u detyrua të fshihej nga gjakderdhjet e Qeverisë së Përkohshme. Si e imagjinoi vetë artisti komplotin e këtij vizatimi? Sipas tij, këtu ai donte t'i tregonte Leninit teoricienin, shkencëtarin, mendimtarin, që fliste përditë në ato ditë me artikuj që armatosnin partinë në luftën e saj për diktaturën e proletariatit; artisti e përshkroi momentin specifik që duhej të përshkruhej si më poshtë: “...Lenini, siç ishte tipike për të, ecte nëpër dhomë, duke menduar mbi materialin e madh që sillte jeta çdo ditë dhe në të cilin duhej të kuptonte më të rëndësishmet. gjë, çfarë "Ne duhet të synojmë partinë me një artikull tjetër në Pravda. Pasi gjeti këtë gjë kryesore, ai u ul shpejt në tryezë, duke harruar menjëherë gjithçka në botë dhe u zhyt në punë." Është karakteristikë që Kibriku imagjinon një imazh në lëvizje dhe, duke tërhequr një moment të vetëm në një zinxhir të tjerësh, merr parasysh atë paraardhësin. Heshtja e një dhome të vogël e të veçuar është plot me tensionin e punës së madhe. Artisti ishte në gjendje të përcillte mirë angazhimin dhe thithjen e Levinit në punën e tij përmes shprehjes së përqendruar të fytyrës së tij dhe pozës së tij si një njeri që shkruante shpejt.
Vizatimi "V.I. Lenin në Razliv" ka një humor të ndryshëm: ka eksitim, një impuls të përmbajtur. Rrjedha e mendimeve të Leninit është larg nga rrethina, dhe hapësirat e peizazhit buzë liqenit gjithashtu duket se zgjerojnë kufijtë e faqes. Në librin e cituar më sipër, Kibrik përshkruan në detaje procesin e punës së tij në këto kompozime dhe kushdo që është i njohur me vizatimet e tij do të jetë i interesuar të lexojë këto faqe,
Nga mesi i viteve 1950, gjëra të mrekullueshme për modernitetin tonë u shfaqën në grafikë. Artisti Yu. I. Pimenov - piktor, grafist dhe dekorues i teatrit - me serialin e tij të madh "Rajoni i Moskës" hapi për ne një botë të tërë të madhe, plot gëzimin e ndritshëm të jetës. Pimenov ka një dhuratë të rrallë për përshkrimin poetik të jetës së përditshme, aftësinë për të parë bukurinë e jetës së përditshme. Dhe bukuria, e vërejtur në të zakonshmen, gjen gjithmonë shtigjet e saj veçanërisht të afërta me zemrën e shikuesit. Ajri i nxehtë i një dite të nxehtë në rajonin e Moskës dhe figura e një vajze në një urë me dërrasa, punëtorë të guximshëm në vendin e ndërtimit të shtëpive të reja dhe shkëlqimi i shiut në një shesh në periferi të Moskës - këto janë temat e thjeshta të vizatimeve të Pimenov. dhe bojëra uji. “Për një artist zhanri, më duket, - shkruante ai, - gjetjet më të çmuara janë ato pjesë autentike të jetës, ku në raste të zakonshme, të paimagjinuara, reale të çdo dite zbulohet e vërteta e madhe e vendit. Ritmi i shpejtë i punës së kohës sonë, bukuria e tij e veçantë, energjike dhe e ngjashme me biznesin jetojnë në veprat e artistit (shih kopertinën). Aktiviteti, aktiviteti, mund të jetë sharmi kryesor i imazheve të Pimenov, dhe në veçanti, heroinat e tij të vazhdueshme - gratë që punojnë në kantieret e ndërtimit, të zëna me rinovimin e apartamenteve, qepjet dhe punët e shtëpisë. Ngjyrosja e lehtë dhe e lehtë e bojërave të tij uji i shton një prekje festive edhe skenave dhe gjërave më të zakonshme në dukje. Artisti sjell një piktoresk të madh edhe në teknikën e akuarelit të zi dhe qymyrit. Me shkallëzimin e ngjyrës së zezë, ai është në gjendje të përcjellë thellësinë e hijeve të hedhura nga pemët mbi ujë, të ftohtin transparent të pranverës së hershme dhe freskinë e shiut në platformën e stacionit dhe komoditetin rrëshirë të një rruge pyjore. Pimenov është një artist shumë i kompletuar. Këndi i tij i shikimit mbi botën, rrethi i subjekteve të tij të preferuara mbetet i njëjtë në një sërë gjërash piktoreske nga vitet 1940 - 1950 - skena të zhanrit, natyra të qeta, të cilat tregojnë kaq thjesht dhe poetikisht për bashkëkohësin e tij, dhe në grafikat e tij, dhe madje edhe në prozë - në një libër për rajonin e Moskës, shkruar nga me pasion të zjarrtë, shpejt, me hijeshi dhe lehtësisht, me një vizion thjesht artistik të jetës në pamjet e saj vërtet të bukura, shumëngjyrësh.
Jeta në lëvizje, e re dhe e gëzueshme, e lindur çdo ditë, Pimenov nxiton ta kapë në serialin e tij të mëvonshëm "Lagje të reja".
Pasi kishte vizituar jashtë vendit më shumë se një herë në vitet 1950, Pimenov krijoi një seri të tërë pikturash dhe skicash të vogla bazuar në përshtypjet e tij nga këto udhëtime ose drejtpërdrejt gjatë udhëtimeve të tij. Vështrimi i tij këtu mbetet, para së gjithash, vështrimi i një njeriu të dashuruar pas bukurisë; gazetaria nuk është karakteristikë e tij. Por tekstet e mbuluara me trishtim të disa prej veprave të tij të huaja tingëllojnë padashur si një kontrast me lumturinë kumbuese të çarçafëve të tij, kushtuar ditëve dhe çështjeve të zakonshme të jetës sonë.
Veprat e huaja të Pimenov nuk ishin të vetme në orarin tonë. Në vitet 1950 e më tej, kur lidhjet kulturore ndërkombëtare të vendit tonë u zgjeruan dhe shumë artistë vizituan vende të ndryshme të botës, u shfaq një grup i tërë serialesh bazuar në përshtypjet nga këto udhëtime. Ato zakonisht përmbanin skena të jetës së rrugës, peizazhe dhe fletë portrete individuale. Artistët folën për atë që kishin parë, duke treguar kënde piktoreske të natyrës, monumente të famshme të arkitekturës dhe skulpturës, tipare të përditshmërisë që hasin në udhëtimet e njerëzve. Rrjedhshmëria e detyruar karakterizonte shumicën e këtyre veprave. Por si rezultat i udhëtimit u krijuan seriale të plota në të cilat reportazhi dhe skicimi u zëvendësuan nga përgjithësimi i vërtetë artistik. Nga njohja me cikle të tilla, shikuesi mori jo vetëm një zinxhir përshtypjesh të gjalla turistike, por edhe njohuri të reja për një vend të caktuar dhe kënaqësi estetike.
Një nga këto gjëra ishte seriali i N. A. Ponomarev (lindur në 1918) "Vietnam i Veriut", krijuar në 1957. Imazhi i këtij vendi, i parë nga artisti, është plot sharm: një qiell i lartë gri-blu, hapësira ujërash të qeta, fusha orizi dhe një zinxhir shkëmbinjsh jargavan në horizont, ndonjëherë qartësisht të dukshëm, nganjëherë shkrihen në një mjegull perla. . Në këto fletë jeton poezia e qetë, paksa soditëse e përditshmërisë. Njerëzit përshkruhen me simpati të thellë - populli modest, punëtorë i Vietnamit - peshkatarë, minatorë, gra që shkojnë në treg (ill. 19), duke pritur për kalimin në gji. Ngjyrosja delikate dhe delikate u jep ekspresivitet vizatimeve. Seriali Vietnam ishte në shumë mënyra një pikë kthese për autorin e saj. Artisti e filloi karrierën e tij me vizatime me qymyr dhe gouache të zezë kushtuar minatorëve të Donbass (1949-1950). Kishin shumë ndërgjegje dhe punë dhe më pak frymëzim krijues. Duke pikturuar Vietnamin, artisti zbuloi në punën e tij jo vetëm nota të reja poetike, por edhe aftësitë e një koloristi që di të shohë harmoninë dhe dekorueshmërinë e teknikave të përziera të gouache dhe pastel.
Nga seritë e realizuara në bazë të përshtypjeve të huaja, interesante ishin edhe veprat e O. G. Vereisky (lindur më 1915). O. Vereisky, tani një ilustrues i shquar i librave të shkrimtarëve sovjetikë dhe një grafist i kavaletit, njohuritë e tij të para për artin ia detyron babait të tij G. S. Vereisky. Ai gjithashtu studioi në Akademinë e Arteve në Leningrad. Me liri të barabartë, O. Vereisky zotëron si tonin e butë piktorial të vizatimit me bojëra uji ose bojë të zezë, ashtu edhe kontrastet e ndritshme të një teknike vizatimi të qartë e të përcaktuar me stilolaps. Kohët e fundit, artisti është interesuar për disa teknika gdhendjeje dhe ka përsëritur disa nga vizatimet e tij, të realizuara si rezultat i udhëtimeve në Egjipt, Siri dhe Liban, në printime. Një nga më të mirat ndër to është një fletë e quajtur "Pusho në rrugë. Siri" (ill. 20). Është e bukur në ngjyrë dhe përbërje lakonike, por hijeshia e saj kryesore është në imazhin e një gruaje. Bukuria e hollë dhe trishtimi i lehtë i fytyrës, butësia e përmbajtur e gjestit dhe hiri natyror i gruas riprodhohen nga artisti me kënaqësi të vërtetë estetike. Faqet e “Serialit Amerikan” të O. Vereisky, i cili pa vetëm ceremoniale, por edhe hijen, tiparet e përditshme të jetës amerikane, janë gjithashtu plot me vëzhgime të sakta.
Njohuritë tona për këtë vend plotësohen edhe nga skicat elegante, lineare të V. Goryaev, një artist me një mënyrë të mprehtë, disi sarkastike, një ilustrues i Mark Twain dhe një bashkëpunëtor i rregullt në revistën Crocodile.
Grafikat e pasluftës u karakterizuan nga suksese të mëdha të artistëve nga republikat e Bashkimit. Ekipet më të forta grafike janë formuar tani në Ukrainë, Estoni, Lituani dhe Letoni. Si vizatimi ashtu edhe bojëra uji kanë artistët e tyre të mëdhenj në këto republika, dhe arti i printimit u zhvillua këtu dhe kur ishte në rënie në fund të viteve 1940 dhe fillim të viteve 1950 në RSFSR.
Si shembull i grafikëve të kavaletit ukrainas, mund të përmendet seria "Duma dhe këngët kombëtare të Ukrainës" nga M. Deregus. I konceptuar gjerësisht, duke përfshirë fletë me humor dhe tema të ndryshme, ky cikël karakterizon pjekurinë e grafikës ukrainase, megjithëse në veprën e vetë Deregus - një piktor peizazhi dhe ilustrues par excellence - ai qëndron disi larg. Trishtimi dhe shpresa e faqes "Mendimi i Marus Boguslavka" dhe tragjedia e vetmisë, besimi i mashtruar te njerëzit në faqen e "Mendimi i tre vëllezërve Azov" zëvendësohen nga poezia e guximshme e ditëve tona në kompozimin " Mendimi i Partizanëve” me imazhin qendror të Kovpakut. Artistët e rinj ukrainas V. Panfilov, i cili ia kushtoi gdhendjet e tij punëtorëve të çelikut, dhe I. Selivanov, i cili krijoi fletë me tema historike dhe revolucionare, po punojnë me sukses në printim. Një zhanër tipik për grafikën ukrainase është peizazhi industrial, i ekzekutuar zakonisht në teknikat e gdhendjes. Mjeshtrit e saj janë V. Mironenko, A. Pashchenko, N. Rodzin e të tjerë.
Në republikat baltike, grafika e peizazhit është shumë e larmishme. Këtu vërehet një rrymë e fortë e peizazhit lirik të dhomës, emocionale dhe me hijeshi të madhe. Krijuesit e tij janë artistët estonezë, gdhendësit R. Kaljo, A. Kaerend, L. Ennosaar, akuarelisti K. Burman (junior), grafistët letonezë A. Junker, lituanez N. Kuzminskis etj. Veprat e tyre përmbajnë reflektime lirike, komunikim të ngushtë shpirtëror me natyrën dhe çdo herë një kuptim të ri të bukurisë së fushave të tyre të lindjes, Talinit të lashtë piktoresk, etj.
Në veprën e hartuesit më të vjetër estonez G. Reindorf, imazhet e peizazhit marrin një ngjyrim më filozofik. Tani është e vështirë për ne të imagjinojmë plotësisht rrugën e gjatë krijuese të këtij artisti, pasi pothuajse të gjitha veprat e tij të paraluftës humbën gjatë Luftës së Madhe Patriotike. Por edhe periudha e pasluftës e veprimtarisë së tij ishte e frytshme. Reindorf lindi në 1889 në Shën Petersburg. Pasi u diplomua me sukses në Shkollën e Vizatimit Teknik Stieglitz, ai mori të drejtën për të udhëtuar jashtë vendit dhe shkoi në Francë. Periudha e shkurtër e daljes në pension jashtë vendit u ndërpre nga Lufta e Parë Botërore. Pas kthimit në vendlindje, Reindorf punon në fushën e grafikës së aplikuar dhe peizazhit dhe merret me veprimtari mësimore. Interesat e tij kryesore krijuese në vitet 1940 - 1950 ishin peizazhi dhe, pjesërisht, ilustrimi i librave. Punimet e tij i realizoi gjatë këtyre viteve kryesisht në formë vizatimi; Më parë, artisti krijoi edhe fletë gdhendje ekspresive. Dëshira e Reindorf për saktësinë objektive të përshkrimit ndonjëherë vjen në kurriz të pasurisë emocionale të fletëve të tij, por në veprat e tij më të mira këto dy parime kombinohen. Më karakteristike në këtë drejtim janë fletët e tij “Në ditët e nxehta të gushtit” (1955). Një harmoni e veçantë bashkon gjithçka që jeton në këtë peizazh rural dhe teknika mjeshtërore e vizatimit me laps grafiti u jep fletëve një pasuri tonaliteti dhe një filigran të veçantë ekzekutimi.
Ekziston gjithashtu një linjë e peizazhit romantik në grafikat baltike, të ngopur me patosin e ndjenjave njerëzore të stuhishme, të shqetësuara. Në gravurat e artistëve letonezë P. Upitis, O. Abelite dhe në fletët individuale të M. Ozoliņš, imazhet e natyrës janë të ngjyrosura me emocionalitet të mprehtë dhe janë plot tension të brendshëm.
Në gravurët e banorit të Rigës E. Anderson, peizazhi bëhet mjedisi ku shpaloset veprimi madhështor i punës.
Shumë artistë balltikë veprojnë edhe si piktorë peizazhesh edhe si autorë të veprave tematike, dhe kjo vetëm sa i pasuron veprat e tyre. Në veprën e gjithanshme të artistit estonez E. K. Okas (l. 1915), për shembull, mund të gjesh piktura peizazhi, portrete dhe gjëra tematike. Okas lindi në Talin në një familje të klasës punëtore dhe studioi atje - fillimisht në Shkollën Shtetërore të Artit dhe Industrisë, dhe më pas në Shkollën e Lartë Shtetërore të Artit. Gjatë Luftës së Madhe Patriotike ai punoi si artist i vijës së parë. Okas është edhe piktor edhe mjeshtër i ilustrimit të librave. Por nëse imazhet që ai krijoi për faqet e librave ndonjëherë ndahen nga ne me dekada dhe shekuj, heronjtë e veprave të tij me kavalet jetojnë gjithmonë në modernitet, duke marrë frymë larg atmosferës së tij të qetë. Një ndjenjë e kompleksitetit të botës moderne me kontradiktat e saj të mprehta sociale mbush, për shembull, fletët e serive holandeze dhe italiane të skicave të udhëtimit nga Okas, të ekzekutuara në thelb prej tij në teknika të ndryshme gdhendjeje. Vigjilente dhe brutalisht të vërteta, këto gravura tingëllojnë si gazetari e vërtetë. Artisti lituanez V. Jurkunas (lindur më 1910) gjithashtu punon si në grafika të librit ashtu edhe në kavalet. Ai u diplomua në Shkollën e Arteve në Kaunas në vitin 1935 dhe është vazhdimisht i angazhuar në veprimtari mësimore. Në gdhendjet e tij, njerëzit duken veçanërisht të lidhur ngushtë me natyrën e tyre amtare, tokën e tyre amtare. Këta janë heronjtë e poemës së Maironis (1960; ill. 21), riprodhuar prej tij, i tillë është fermeri i vogël kolektiv që ka fituar simpatinë e shumë shikuesve - imazhi i rinisë që ecën përgjatë një toke të bukur, mendjemprehtë të thjeshtë dhe të gjallë. , mahnitëse me integritetin unik të ndjenjave ("I'll Be a Milkmaid", 1960). Teknika e linoprerjes në fletët e V. Jurkunas është sa lakonike, aq edhe fleksibël, ajo i shërben natyrshëm krijimit të imazheve të tij të ndritshme dhe optimiste.
Trafikantët balltikë punojnë me pasion në fushën e portreteve, dhe nëse në mesin e veprave të artistëve të RSFSR-së kemi tani, përveç shfaqjeve pa ndryshim të suksesshme, por tashmë të rralla të G. S. Vereisky, vetëm portretet me gravurë të mprehtë karakteristike të M. Feigin, në Baltik do të jemi të kënaqur me mjeshtërinë delikate dhe të larmishme të një numri piktorësh portretesh.
Artisti estonez E. Einmann (lindur më 1913) arriti shumë në këtë zhanër. Ai u shkollua në Shkollën Shtetërore të Arteve të Aplikuara dhe në Shkollën e Lartë të Arteve në Talin.Rruga e tij krijuese filloi gjatë Luftës së Madhe Patriotike. Tani në një seri të gjatë të veprave të tij dallohen qartë tiparet e talentit të tij. Qëndrimi i artistit ndaj botës së brendshme të modeleve të tij është i menduar dhe i kujdesshëm. Respekti për njerëzit është tipar karakteristik i punës së tij. Gjithmonë shfaqet, pavarësisht nëse artisti pikturon një peshkatar të vjetër apo një student të ri të një shkolle profesionale, një infermiere apo një aktore. Në të njëjtën kohë, përvoja e drejtpërdrejtë e autorit dhe vlerësimi i modelit mbeten diku mënjanë; gjëja kryesore bëhet një histori e përmbajtur dhe objektive për të. Portretet e Einmann-it magjepsin me finesën e stilit të tyre grafik, të huaj ndaj efekteve të jashtme. Kjo hollësi dallon fletët e tij, të realizuara me grafit ose laps italian, akuarel dhe litografi.
Puna e portretit të artistit estonez A. Bach-Liimand, i cili është veçanërisht i mirë në portretizimin e grave dhe fëmijëve, duket emocionale dhe lirike. Portretet dhe autoportreti i artistit lituanez A. Makunaite, i cili punon në linocut, janë plot mendime serioze. Portretet me qymyr të krijuar nga hartuesja e re letoneze F. Pauluk janë ekspresive.
Grafika në Ukrainë dhe në shtetet baltike ka tradita të gjata dhe për këtë arsye sukseset e saj janë në shumë mënyra të natyrshme. Por edhe në republika të tilla si, për shembull, Kirgistani apo Kazakistani, ku arti grafik është shumë i ri, ai tashmë ka bërë përparim të dukshëm.
Grafiku kryesor në Kirgistan është i diplomuar në Institutin e Shtypshkronjës në Moskë, i cili prej shumë vitesh punon në qytetin e Frunzes, L. Ilyina (lindur më 1915). Monumentaliteti, format e mëdha, lakonizmi janë tiparet karakteristike të linoprerjeve të saj. Vitet e fundit, Ilyina, duke u larguar disi nga ilustrimi i librave, ka prodhuar shumë vepra kavalete, në veçanti serinë e peizazhit të punimeve në dru "Toka amtare" (1957) dhe një seri të madhe linocuts me ngjyra kushtuar gruas së republikës së saj. Veçoritë e së resë që dallojnë jetën tonë janë ndoshta veçanërisht të dukshme në fatet e grave të treguara nga artisti kirgistan. Puna nuk i përkul gratë tani, por vetëm i jep madhështi dhe rëndësi qëndrimit të tyre. Një qëndrim i lirë dhe i relaksuar dallon si vajzën që rrit panxharin (1956) dhe delegatët e të largëtit Tien Shan, që dëgjojnë me vëmendje folësin (1960). Linocuts nga L. Ilyina janë plastike, vëllimi është skalitur lirshëm në to me një goditje të gjallë, të ashpër, njolla të mëdha ngjyrash. Në të njëjtën kohë, dekorativiteti i siluetit të fletës ruhet gjithmonë (ill. 22).
Në Azerbajxhan, artisti M. Rahman-zadeh (lindur më 1916) po punon në mënyrë interesante në fushën e litografisë me ngjyra, duke përshkruar fushat e naftës në det të hapur në Detin Kaspik. Ajo di të prezantojë në serinë e saj një sërë motivesh që duken të ngjashme dhe, në të njëjtën kohë, çdo herë duke zbuluar diçka të re në peizazhin industrial. Fleta "Mbikalimi" nga veprat e saj të vitit 1957 spikat ndër të tjera për harmoninë e kompozicionit, kombinimin tingëllues të tonit të verdhë të ndezur të ujit dhe hapjes së zezë të strukturave. Këto janë disa nga arritjet e gdhendësve dhe hartuesve republikanë.
Grafikat e sotme janë shumë të ndryshme nga ato të dekadës së parë të pasluftës. Çfarë e re, kaq e ndryshme nga ajo e mëparshme, u shfaq në të? Nëse moderniteti më herët kapej me një përgjithësim të vërtetë poetik vetëm në gjërat individuale, tani veçoritë e tij të gjalla janë të shpërndara në shumë vepra grafike. Kthimi masiv i artistëve drejt modernitetit po jep rezultate. Moderniteti po zotërohet në tiparet e tij jo të jashtme, të thella; artistët po zbulojnë, si të thuash, një fytyrë të re të vendit tonë, të popullit sovjetik. Në shumë mënyra, grafika e viteve të fundit ka diçka të përbashkët me pikturën. Artistët e këtyre arteve shohin fytyrën e ashpër dhe të shpejtë të kohës, një botëkuptim i veçantë aktiv përshkon punën e tyre. Dhe dëshira për forma të reja artistike, të paprovuara, po ashtu rezulton të jetë e zakonshme për ta. Në grafikë, e gjithë kjo lidhet kryesisht me printimin. Rritja e saj filloi në mesin e viteve 1950, dhe tani mund të flasim për lulëzimin e saj të vërtetë. Ky lulëzim lidhet kryesisht me fluksin e forcave të reja të reja në gdhendjen e kavaletit. Por për të kontribuan edhe artistë tashmë me përvojë. Në peizazhet e A. Vedernikovit, për shembull, Leningradi, i ngarkuar me shumë tradita të përshkrimit të tij, shfaqet papritur në një pamje kaq të re, që shkëlqen me ngjyra të pastra, sa duket se shihet për herë të parë. Teknika e litografisë me ngjyra të Vedernikov nuk imiton as vizatimin me laps me ngjyra, as pikturën e detajuar me bojëra uji. Artisti operon me forma të përgjithësuara, kombinime të guximshme të disa toneve të pastra. Kërkimi i tij për dekorueshmërinë në litografinë me ngjyra është një nga shumë që tani është karakteristikë e printimit.
Ndër sukseset e shtypshkronjës përfshijmë punimet në dru të F. D. Konstantinov për punën rurale, dhe veçanërisht fletën e tij të peizazhit "Pranvera në fermën kolektive" (1957; ill. 23), dhe peizazhet e artistit armen M. M. Abegyan - "Bregu shkëmbor e Zangit”, “Në malet e Bjnit” (1959) dhe shumë vepra të tjera të artistëve të brezit të vjetër dhe të mesëm.
Por e reja, e cila dallon shtypshkronjën moderne, ndihet veçanërisht qartë në gjërat e të rinjve. I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zakharov, Y. Manukhin, I. Resets, L. Tukachev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov - një galaktikë e tërë të rinjsh i cili performoi shkëlqyeshëm në shtyp. Ne shohim peizazhe të zakonshme periferike në "Seeing Off Suite" nga A. Ushin (lindur më 1927), student i Shkollës së Artit dhe Pedagogjisë të Leningradit (ill. 24). Në faqet e tij, asnjë ngjarje nuk ndodh, vetëm trenat elektrikë nxitojnë në heshtje, dhe në të njëjtën kohë, shumë ndodh këtu - ngrihen lart kafazet e çelikut që mbështesin telat, tufat e dritës nga dritarja e trenit grisin errësirën e dendur të natës, të bardhë rrufeja e shiut e përshkon atë dhe retë grumbullohen në një grumbull verbues në qiejt e zinj - jeta po vazhdon, unike, e gjallë, e ndjerë shumë fort, në gjendjen e saj më aktive, intensive. Është ky perceptim i mprehtë, aktiv i jetës në dinamikën e saj të vazhdueshme që dallon shumë nga veprat e të rinjve. Ajo bashkon veprat e tyre. Por, përveç kësaj, të rinjtë janë shumë individualë në krijimtarinë e tyre. Secili prej artistëve të përmendur tashmë ka fytyrën e tij në art, gjykimin e tij për jetën, kuptimin e tij të gjuhës së gdhendjes.
Peizazhet e bollshme dhe skenat lirike të G. Zakharov me ritmin e tyre të theksuar të goditjeve dhe pikave të mëdha bardh e zi tingëllojnë unike. Janë të detajuara peizazhet-romanet e menduara, pak ironike të I. Golitsyn, ku çdo shtëpi është një histori e tërë për jetën e një qyteti të madh dhe një kryqëzim rrugësh shpalos për ne në një vizion të menjëhershëm dhe disi pesimist, një rrotull të përditshmërisë njerëzore. . Teknika fleksibël e gdhendjes në argjend të Golitsyn-it u ndikua kryesisht nga Favorsky. Hollësia e punimeve në dru, pasuria e saj tonale, aq e nënshtruar ndaj Favorskyt, dukej se i zgjeronte horizontet e Golitsyn-it, një artisti i teknikës më të madhe, më mashkullore të linocut (ill. 25),
Pak e ashpër, domethënëse dhe në manifestimet e saj më të zakonshme jeta rrjedh 24. A. A. Tek gomat. Shiu. 1960 e një qyteti të madh në gravurë nga Leningraderi V. Volkov. I çliruar nga ngutja dhe ngutja e gjërave të vogla, fletët e tij monumentalizojnë realitetin, sikur të zbulojnë ritmin e tij të guximshëm, madhështor në rrjedhën e jetës së përditshme. Dhe njerëzit tregohen nga artisti në një aspekt, por thelbësor - këta janë njerëz të ashpër, të heshtur të punës.
Artisti gjeorgjian D. Nodia sheh në mënyrë aktive dhe dinamike peizazhin industrial dhe skenat e punës. Bota transparente e rinisë, një shkrirje e mrekullueshme e qartësisë fëminore të shpirtit dhe hollësisë së të rriturve të lëvizjeve mendore, zbulohet nga Ya. Manukhin në imazhin e brishtë të "Blaade of Grass" e tij popullore.
I njëjti artist, në një gravurë kushtuar luftës për paqen, arrin një shprehje të veçantë të një imazhi që mishëron zemërimin dhe dhimbjen e Hiroshimës. Në të njëjtën kohë, Manukhin mësoi shumë nga afërsia e fletës së tij të kavaletit me artin e posterave (ill. 26).
V. Popkov (ill. 27), i cili ka folur interesant vitet e fundit si piktor, flet me detaje dhe me entuziazëm për punën e punëtorëve të transportit në një sërë gravurash dhe gouache. Në të gjitha këto vepra, artistët e rinj na zbulojnë aspekte të ndryshme të modernitetit tonë, të parë në mënyrën e tyre dhe shumë të freskët.
Sigurisht, jo gjithçka në printim është e suksesshme tani. Këtu gjenden edhe shkrime të vogla të jetës së përditshme dhe arti ilustrativ. I ndeshim shpesh në seri kushtuar punës, si dhe me protokoll të mërzitshëm në peizazhin industrial. Ka edhe gjëra, kuptimi i të cilave është i rraskapitur nga dekorativiteti i tyre i jashtëm. Nga ana tjetër, gjërat e reja që u zbuluan vitet e fundit në printim lindën edhe në vizatim, megjithëse një grup kaq i fuqishëm të rinjsh nuk u shfaq këtu. Tregues në këtë drejtim është rruga krijuese e V. E. Tsigal (lindur më 1916). Filloi në vitet e para të pasluftës me një sërë vizatimesh me bojë dhe me bojëra uji, në të cilat jeta dhe vepra e popullit sovjetik u shfaq në mënyrë autentike, shpesh lirike dhe ngrohtësisht, por ende pa zbulime të mëdha artistike. Tsigal u pengua pjesërisht në këtë nga aktiviteti i tij i tepruar, dëshira e tij për të mbuluar me artin e tij një gamë shumë të gjerë të fenomeneve të jetës. Tsigal punoi shpejt, seri të mëdha të fletëve të tij u shfaqën pothuajse në të gjitha ekspozitat kryesore. Por përqendrimi i vërtetë krijues erdhi tek ai vetëm kur, pasi filloi të udhëtonte dhe studionte jetën e fshatarëve në fshatrat malore të Dagestanit, ai u magjeps për një kohë relativisht të gjatë me këtë temë, e cila, natyrisht, ishte mjaft shpërblyese për artist. Kështu u shfaq seriali i tij "Dagestan" (1959 - 1961), i cili ishte një hap i madh përpara për Tsigal. Në këtë cikël ka hijeshinë e pahumbur të risisë së jetës së malësorëve që i zbulohet artistit, dhe disa tipare shumë të fshehura të përditshme të vërejtura nga një vështrim miqësor dhe një ndjenjë e veçantë harmonie midis njeriut dhe natyrës. Faqet e tij janë ndërtuar mbi një krahasim delikate të motiveve që janë të zakonshme në Dagestan, por që befas na zbulojnë qartë specifikat e mënyrës së jetesës dhe të marrëdhënieve midis njerëzve, të përjetshme dhe në të njëjtën kohë disi të pakapshme moderne (ill. 28).
Në ngritjen aktuale të grafikës së kavaletit, arti kompleks/delikat i akuarelit ka gjetur gjithashtu vendin e tij. Në bojëra uji ju nevojitet veçanërisht syri i djathtë dhe një dorë e shpejtë dhe e saktë. I bën rregullimet pothuajse të pamundura, dhe lëvizja e furçës me bojë dhe ujë është jashtëzakonisht e lehtë dhe kërkon disiplinë të rreptë nga artisti. Por mundësitë koloristike të akuarelit janë të pasura, dhe tejdukshmëria e letrës nën një shtresë transparente bojë i jep asaj një lehtësi dhe hijeshi unike. "Bojëra uji është një pikturë që fshehurazi do të donte të bëhej grafik. Bojëra uji është një grafikë që bëhet pikturë me mirësjellje dhe delikatesë, duke ndërtuar arritjet e saj jo mbi letrën vrasëse, por në zbulimin e çuditshëm të sipërfaqes së saj elastike dhe të paqëndrueshme", një prej tyre. dikur shkroi ekspertët më të mëdhenj të grafikës sovjetike A. A. Sidorov. Mjeshtrit e akuarelit tani, si në vitet 1930, janë kryesisht piktorë të peizazhit. Veprat e S. Boym, N. Volkov, G. Khrapak, S. Semenov, V. Alfeevsky, D. Genin, A. Mogilevsky dhe shumë të tjerë tregojnë jetën e një qyteti modern, natyrën në pasurinë e ngjyrave të saj, në diversiteti i saj i bukur. Dhe përshkrueshmëria pasive e gjen shtëpinë e saj gjithnjë e më rrallë në peizazh.
Këto janë disa nga veçoritë e grafikës moderne sovjetike. Sidoqoftë, fotografia e saj është aq komplekse dhe e pasur sa që sigurisht meriton një përshkrim të veçantë. Qëllimi ynë ishte vetëm njohja me punën e mjeshtrave më të njohur të grafikës së kavaletit dhe momente të caktuara të historisë së saj.
Artisti Yu. I. Pimenov, vizatimet e të cilit u diskutuan më lart, shkroi: "Rruga e artistit është rruga e magjepsjes me jetën dhe rruga e shprehjes së saj, plot zhgënjime dhe dështime. Por në çdo gjë të sinqertë shfaqet një kokërr, një mikrogrimcë e dëshiruar, dhe ajo gjen diku - pastaj një jehonë, diku një valë e kësaj ndjenje pranohet dhe lulëzon." Për hir të kësaj “kokërr të asaj që dëshirohet”, për hir të valës së reagimit të ndjenjës, e cila është absolutisht e nevojshme për artistin, realizohet e gjithë puna e tij e vështirë dhe e gëzueshme.
Nëse mendoni se të gjithë artistët e mëdhenj janë në të kaluarën, atëherë nuk e keni idenë se sa gabim e keni. Në këtë artikull do të mësoni për artistët më të famshëm dhe më të talentuar të kohës sonë. Dhe, më besoni, veprat e tyre do të mbeten në kujtesën tuaj jo më pak thellë se veprat e maestros nga epokat e kaluara.
Wojciech Babski
Wojciech Babski është një artist bashkëkohor polak. Ai përfundoi studimet në Institutin Politeknik Silesian, por u lidh me. Kohët e fundit ai pikturon kryesisht femra. Përqendrohet në shprehjen e emocioneve, përpiqet të marrë efektin më të madh të mundshëm duke përdorur mjete të thjeshta.
I pëlqen ngjyra, por shpesh përdor nuancat e zezë dhe gri për të arritur përshtypjen më të mirë. Nuk keni frikë të eksperimentoni me teknika të ndryshme të reja. Kohët e fundit ai po fiton popullaritet në rritje jashtë vendit, kryesisht në Britaninë e Madhe, ku shet me sukses veprat e tij, të cilat tashmë mund të gjenden në shumë koleksione private. Përveç artit, ai është i interesuar për kozmologji dhe filozofi. Dëgjon xhaz. Aktualisht jeton dhe punon në Katovicë.
Warren Chang
Warren Chang është një artist bashkëkohor amerikan. I lindur në 1957 dhe i rritur në Monterey, Kaliforni, ai u diplomua me nderime në Kolegjin e Dizajnit të Art Center në Pasadena në 1981, ku mori një BFA. Gjatë dy dekadave të ardhshme, ai punoi si ilustrues për kompani të ndryshme në Kaliforni dhe Nju Jork përpara se të fillonte një karrierë si artist profesionist në vitin 2009.
Pikturat e tij realiste mund të ndahen në dy kategori kryesore: piktura biografike të brendshme dhe piktura që përshkruajnë njerëz në punë. Interesi i tij për këtë stil të pikturës daton që nga puna e artistit të shekullit të 16-të Johannes Vermeer dhe shtrihet në tema, autoportrete, portrete të anëtarëve të familjes, miqve, studentëve, ambienteve të brendshme të studiove, klasave dhe shtëpive. Qëllimi i tij është të krijojë humor dhe emocion në pikturat e tij realiste përmes manipulimit të dritës dhe përdorimit të ngjyrave të heshtura.
Chang u bë i famshëm pasi kaloi në artet e bukura tradicionale. Gjatë 12 viteve të fundit, ai ka fituar çmime dhe nderime të shumta, më prestigjiozja prej të cilave është Master Signature nga Oil Painters of America, komuniteti më i madh i pikturës së vajit në Shtetet e Bashkuara. Vetëm një person nga 50 i jepet mundësia për të marrë këtë çmim. Warren aktualisht jeton në Monterey dhe punon në studion e tij, dhe ai gjithashtu jep mësim (i njohur si mësues i talentuar) në Akademinë e Artit të San Franciskos.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni është një artist italian. Lindur në Blair, 15 tetor 1955. Ka marrë një diplomë për skenografi nga Instituti i Artit në Spoleto. Si artist është autodidakt, pasi në mënyrë të pavarur “ndërtoi shtëpinë e dijes” mbi themelet e hedhura në shkollë. Ai filloi të pikturojë me vaj në moshën 19-vjeçare. Aktualisht jeton dhe punon në Umbria.
Pikturat e hershme të Brunit i kanë rrënjët në surrealizëm, por me kalimin e kohës ai fillon të fokusohet në afërsinë e romantizmit lirik dhe simbolizmit, duke e përmirësuar këtë kombinim me sofistikimin dhe pastërtinë e hollë të personazheve të tij. Objektet e animuara dhe të pajetë fitojnë dinjitet të barabartë dhe duken pothuajse hiper-realiste, por në të njëjtën kohë ato nuk fshihen pas një perde, por ju lejojnë të shihni thelbin e shpirtit tuaj. Shkathtësia dhe sofistikimi, sensualiteti dhe vetmia, mendimi dhe frytshmëria janë shpirti i Aurelio Brunit, i ushqyer nga shkëlqimi i artit dhe harmonia e muzikës.
Aleksander Balos
Alkasander Balos është një artist bashkëkohor polak i specializuar në pikturën në vaj. I lindur në vitin 1970 në Gliwice të Polonisë, por që nga viti 1989 jeton dhe punon në SHBA, në Shasta të Kalifornisë.
Që fëmijë studioi për art nën drejtimin e babait të tij Janit, artist dhe skulptor autodidakt, ndaj që në moshë të vogël veprimtaria artistike mori mbështetjen e plotë të të dy prindërve. Në vitin 1989, në moshën tetëmbëdhjetë vjeç, Balos u largua nga Polonia për në Shtetet e Bashkuara, ku mësuesja e tij e shkollës dhe artistja me kohë të pjesshme Katie Gaggliardi inkurajoi Alkasander të regjistrohej në shkollën e artit. Balos më pas mori një bursë të plotë në Universitetin e Milwaukee, Wisconsin, ku studioi pikturë me profesorin e filozofisë Harry Rosin.
Pas diplomimit në 1995 me një diplomë bachelor, Balos u transferua në Çikago për të studiuar në Shkollën e Arteve të Bukura, metodat e të cilit bazohen në punën e Jacques-Louis David. Realizmi figurativ dhe portreti përbënin pjesën më të madhe të punës së Balos në vitet '90 dhe në fillim të viteve 2000. Sot, Balos përdor figurën njerëzore për të nxjerrë në pah karakteristikat dhe të metat e ekzistencës njerëzore, pa ofruar asnjë zgjidhje.
Kompozimet lëndore të pikturave të tij synohen të interpretohen në mënyrë të pavarur nga shikuesi, vetëm atëherë pikturat do të fitojnë kuptimin e tyre të vërtetë kohor dhe subjektiv. Në vitin 2005, artisti u zhvendos në Kaliforninë Veriore, që atëherë lënda e punës së tij është zgjeruar ndjeshëm dhe tani përfshin metoda më të lira të pikturës, duke përfshirë abstraksionin dhe stile të ndryshme multimediale që ndihmojnë në shprehjen e ideve dhe idealeve të ekzistencës përmes pikturës.
Alyssa Monks
Alyssa Monks është një artiste bashkëkohore amerikane. Lindur në vitin 1977, në Ridgewood, New Jersey. Fillova të interesohem për pikturën kur isha ende fëmijë. Ajo studioi në New School në Nju Jork dhe në Universitetin Shtetëror Montclair dhe u diplomua në Kolegjin e Bostonit në vitin 1999 me një diplomë bachelor. Në të njëjtën kohë, ajo studioi pikturë në Akademinë Lorenzo de' Medici në Firence.
Më pas ajo vazhdoi studimet në programin master në Akademinë e Arteve të Nju Jorkut, në degën e Artit Figurativ, duke u diplomuar në vitin 2001. Ajo u diplomua në Kolegjin Fullerton në 2006. Për disa kohë ajo dha leksione në universitete dhe institucione arsimore në të gjithë vendin, duke dhënë mësim pikturë në Akademinë e Artit të Nju Jorkut, si dhe në Universitetin Shtetëror Montclair dhe Kolegjin e Artit në Akademinë Lyme.
“Duke përdorur filtra si qelqi, vinili, uji dhe avulli, unë shtrembëroj trupin e njeriut. Këta filtra ju lejojnë të krijoni zona të mëdha të dizajnit abstrakt, me ishuj ngjyrash që përshkojnë - pjesë të trupit të njeriut.
Pikturat e mia ndryshojnë pamjen moderne të pozave dhe gjesteve tashmë të vendosura tradicionale të grave që lahen. Ata mund t'i tregonin një shikuesi të vëmendshëm shumë për gjëra të tilla në dukje të vetëkuptueshme si përfitimet e notit, kërcimit etj. Personazhet e mi shtypen pas xhamit të dritares së dushit, duke shtrembëruar trupin e tyre, duke kuptuar se në këtë mënyrë ndikojnë në vështrimin famëkeq mashkullor ndaj një gruaje të zhveshur. Shtresat e trasha të bojës përzihen për të imituar qelqin, avullin, ujin dhe mishin nga larg. Megjithatë, nga afër, vetitë e mahnitshme fizike të bojës së vajit bëhen të dukshme. Duke eksperimentuar me shtresat e bojës dhe ngjyrës, gjej një pikë ku penelata abstrakte bëhet diçka tjetër.
Kur fillova për herë të parë të pikturoja trupin e njeriut, u magjepsa dhe madje u fiksova pas tij dhe besova se pikturat e mia duhej t'i bëja sa më realiste. Unë "profesova" realizmin derisa filloi të zbërthehej dhe të zbulonte kontradikta në vetvete. Tani jam duke eksploruar mundësitë dhe potencialin e një stili pikture ku piktura përfaqësuese dhe abstraksioni takohen – nëse të dy stilet mund të bashkëjetojnë në të njëjtin moment në kohë, unë do ta bëj këtë.”
Antonio Finelli
Artisti italian – “ Vëzhguesi i Kohës” – Antonio Finelli ka lindur më 23 shkurt 1985. Aktualisht jeton dhe punon në Itali midis Romës dhe Campobasso. Punimet e tij janë ekspozuar në disa galeri në Itali dhe jashtë saj: Romë, Firence, Novara, Xhenova, Palermo, Stamboll, Ankara, Nju Jork dhe mund të gjenden gjithashtu në koleksione private dhe publike.
vizatime me laps " Vëzhguesi i Kohës“Antonio Finelli na çon në një udhëtim të përjetshëm nëpër botën e brendshme të përkohshmërisë njerëzore dhe analizës skrupuloze të kësaj bote, elementi kryesor i së cilës është kalimi në kohë dhe gjurmët që ajo lë në lëkurë.
Finelli pikturon portrete të njerëzve të çdo moshe, gjinie dhe kombësie, shprehjet e fytyrës së të cilëve tregojnë kalimin në kohë, dhe artisti gjithashtu shpreson të gjejë prova të pamëshirshmërisë së kohës në trupat e personazheve të tij. Antonio i përkufizon veprat e tij me një titull të përgjithshëm: "Autoportret", sepse në vizatimet e tij me laps ai jo vetëm përshkruan një person, por lejon shikuesin të mendojë rezultatet reale të kalimit të kohës brenda një personi.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni është një artiste italiane 37-vjeçare, vajza e një diplomati. Ajo ka tre fëmijë. Ajo jetoi në Romë për dymbëdhjetë vjet, dhe për tre vjet në Angli dhe Francë. Ajo mori një diplomë në histori arti nga Shkolla e Artit BD. Më pas ajo mori një diplomë si restauruese arti. Para se ta gjente thirrjen e saj dhe t'i përkushtohej tërësisht pikturës, ajo punoi si gazetare, koloriste, stiliste dhe aktore.
Pasioni i Flaminias për pikturën lindi në fëmijëri. Mjeti i saj kryesor është vaji, sepse i pëlqen të "coiffer la pate" dhe gjithashtu të luajë me materialin. Ajo njohu një teknikë të ngjashme në veprat e artistit Pascal Torua. Flaminia është frymëzuar nga mjeshtra të mëdhenj të pikturës si Balthus, Hopper dhe François Legrand, si dhe nga lëvizje të ndryshme artistike: arti i rrugës, realizmi kinez, surrealizmi dhe realizmi i rilindjes. Artisti i saj i preferuar është Caravaggio. Ëndrra e saj është të zbulojë fuqinë terapeutike të artit.
Denis Chernov
Denis Chernov është një artist i talentuar ukrainas, i lindur në 1978 në Sambir, rajoni Lviv, Ukrainë. Pas mbarimit të shkollës së artit në Kharkov në vitin 1998, ai mbeti në Kharkov, ku jeton dhe punon aktualisht. Ai gjithashtu studioi në Akademinë Shtetërore të Dizajnit dhe Arteve në Kharkov, Departamenti i Arteve Grafike, duke u diplomuar në 2004.
Ai merr pjesë rregullisht në ekspozita arti; për momentin ka pasur më shumë se gjashtëdhjetë prej tyre, si në Ukrainë ashtu edhe jashtë saj. Shumica e veprave të Denis Chernov mbahen në koleksione private në Ukrainë, Rusi, Itali, Angli, Spanjë, Greqi, Francë, SHBA, Kanada dhe Japoni. Disa nga veprat u shitën në Christie's.
Denis punon në një gamë të gjerë teknikash grafike dhe pikture. Vizatimet me laps janë një nga metodat e tij më të preferuara të pikturës; lista e temave në vizatimet e tij me laps është gjithashtu shumë e larmishme; ai pikturon peizazhe, portrete, nudo, kompozime zhanre, ilustrime librash, rindërtime letrare dhe historike dhe fantazi.
Ne kemi planifikuar për një kohë të gjatë të bëjmë një vlerësim të veprave më të shtrenjta në letër nga artistë në orbitën e artit rus. Motivi më i mirë për ne ishte një rekord i ri për grafikët ruse - 2.098 milion paund për një vizatim nga Kazimir Malevich më 2 qershor
Kur publikojmë vlerësimet tona, na pëlqen shumë të shtojmë lloje të ndryshme mohimesh përgjegjësie për të parandaluar pyetjet e mundshme. Pra, parimi i parë: vetëm grafika origjinale. Së dyti: ne përdorim rezultatet e ankandeve të hapura për veprat e artistëve të përfshirë në orbitën e artit rus, sipas bazës së të dhënave të faqes së internetit (ndoshta shitjet e galerisë ishin me çmime më të larta). Së treti: Sigurisht, do të ishte joshëse për të vendosur vendin e parë të Arshile Gorky prej 3.7 milionë dollarësh në Housatonic. Ai vetë, siç dihet, u përpoq në çdo mënyrë të mundshme për t'u konsideruar artist rus, pa iu shmangur mistifikimit, mori një pseudonim për nder të Maxim Gorky, etj.; në vitin 2009, veprat e Gorka u shfaqën nga Muzeu Rus dhe Galeria Tretyakov në ekspozitën "Artistët Amerikanë nga Perandoria Ruse", ne e përfshimë atë në bazën e të dhënave të rezultateve të ankandit AI, por fillimi i vlerësimit të grafikëve ruse me të është i padrejtë mbi baza formale. Së katërti: një fletë - një rezultat. Për këtë vlerësim ne zgjodhëm vetëm punime të përbëra nga një fletë letre; një qasje formale do të na detyronte të merrnim parasysh tre artikuj të tjerë, secila prej të cilave u shit si një pjesë e vetme: 122 vizatime origjinale me bojë për "Libri i Markezit" nga Konstantin Somov, dy dosje me 58 vizatime dhe gouache për " Vëllezërit Karamazov” nga F. M. Dostoevsky nga Boris Grigoriev dhe pjesë e koleksionit Yakov Peremen. Së pesti: një autor - një vepër. Nëse do të merrnim zyrtarisht top 10 sipas çmimit (duke përjashtuar rezultatet e Gorka-s dhe pjesët e parafabrikuara), atëherë do të kishte pesë fletë të Kandinsky, tre të Chagall dhe një secila nga Malevich dhe Serebryakova. E mërzitshme. Së gjashti: analizojmë periudhën nga viti 2001 deri në ditët e sotme. Së shtati: vlerësimi i çmimeve u përpilua në dollarë, rezultatet në monedha të tjera u konvertuan në dollarë me kursin e këmbimit në ditën e tregtimit. E teta: të gjitha rezultatet jepen duke marrë parasysh komisionin e shitësit.
Vizatimi i Kazimir Malevich "Koka e një fshatari", i cili është një skicë përgatitore për pikturën e humbur "Funerali i fshatit" të vitit 1911, me shumë gjasa u bë pjesa kryesore e ankandit rus në Sotheby's më 2 qershor 2014 në Londër. Veprat e Malevich shfaqen në tregun e artit jashtëzakonisht rrallë; "Kreu i një fshatari" është vepra e parë e nxjerrë në ankand që nga shitja e "Suprematist Composition" për 60 milionë dollarë në Sotheby's në vitin 2008, dhe një nga veprat e fundit të rëndësishme të artistit në mënyrë private. koleksionet. Kjo skicë ishte një nga 70 veprat e ekspozuara nga artisti në Berlin në vitin 1927, dhe më pas u la në Gjermani për t'i shpëtuar nga ndalimi dhe harresa artificiale që do t'i priste në mënyrë të pashmangshme në Rusi. Vepra doli në ankandin e Sotheby's nga një koleksion i fuqishëm privat gjerman i avangardës ruse. Pothuajse të gjitha pjesët në këtë koleksion kaluan mbi vlerësimin e tyre, por vizatimi i Malevich ishte thjesht përtej konkurrencës. Ata i dhanë trefishin e vlerësimit - 2.098 milion paund. Kjo është deri tani puna grafike më e shtrenjtë e një artisti rus.
Lista e veprave grafike më të shtrenjta të Wassily Kandinsky përfshin deri në 18 vizatime origjinale me vlerë më shumë se një milion dollarë. Akuarelët e tij nuk janë aspak inferiorë ndaj pikturave të tij në mesazhin e tyre abstrakt. Le të kujtojmë se është nga vepra grafike e Kandinsky - "Akuareli i parë abstrakt" i vitit 1910 - që zakonisht llogaritet historia e artit abstrakt modern. Siç thotë legjenda, një ditë Kandinsky, i ulur në gjysmëerrësirën e studios së tij në Mynih dhe duke parë veprën e tij figurative, nuk mund të dallonte asgjë mbi të, përveç njollave dhe formave me ngjyra. Dhe më pas ai kuptoi se duhej të braktiste objektivitetin dhe të përpiqej të kapte "lëvizjet e shpirtit" përmes ngjyrës. Rezultati ishte një vepër pa asnjë lidhje me botën e jashtme - "Bojëra uji i parë abstrakt" (Paris, Qendra Georges Pompidou).
Kanavacat e Kandinsky janë të rralla në treg dhe janë shumë të shtrenjta, por grafika do të përshtatet në mënyrë të përkryer në çdo koleksion dhe do të duket e mirë në të. Ju mund të përballoni grafika të qarkullimit për disa mijëra dollarë. Por për një vizatim origjinal, i cili, për shembull, është një skicë për një pikturë të famshme, do të duhet të paguani shumë herë më shumë. Akuareli më i shtrenjtë deri më sot, "Untitled" i vitit 1922, u shit gjatë bumit të artit të vitit 2008 për 2.9 milionë dollarë.
Marc Chagall ishte një artist jashtëzakonisht produktiv për kohën e tij. Sot Damien Hirst dhe Jeff Koons ndihmohen nga një ushtri asistentësh dhe Mark Zakharovich krijoi i vetëm mijëra vepra grafike origjinale gjatë 97 viteve të jetës së tij, për të mos përmendur veprat e prodhuara në masë. Baza jonë e të dhënave të rezultateve të ankandit Chagall përfshin më shumë se 2000 vepra origjinale në letër. Ky artist po rritet vazhdimisht në çmim, dhe perspektivat e investimit për blerjen e veprave të tij janë të dukshme - gjëja kryesore është që vërtetësia e veprës konfirmohet nga Komiteti Chagall. Përndryshe, vepra pothuajse mund të digjej (kjo është pikërisht ajo që Komiteti Chagall kërcënon pronarin, i cili së fundmi dërgoi një pikturë në Paris për ekzaminim që doli të ishte false). Pra, zgjedhja duhet të bëhet vetëm në favor të grafikës pa kushte autentike. Çmimi i tij mund të arrijë në 2.16 milion dollarë - kjo është sa paguan në maj 2013 për vizatimin "Riders" (letër në karton, gouache, pastel, lapsa me ngjyra).
Pasteli "Nuk i shtrirë" nuk është vetëm vepra grafike më e shtrenjtë e Zinaida Serebryakova, por edhe vepra e saj më e shtrenjtë në përgjithësi. Tema e trupit të zhveshur femër ishte një nga ato kryesore në punën e artistit. Nudot e Serebryakova evoluan nga imazhet e banjove dhe bukurosheve ruse në një banjë në periudhën ruse të krijimtarisë, deri tek zhveshja e nudove më shumë në frymën e artit evropian në periudhën pariziane. Duke parë nudot e bukura, sensuale, të idealizuara të Serebryakova, është e vështirë të imagjinohet se sa tragjik ishte fati i artistes - burri i saj vdiq nga tifoja, duke e lënë atë me katër fëmijë në krahë; Më duhej të jetoja nga dora në gojë dhe, në fund, të emigroja në Paris (siç doli më vonë, përgjithmonë), duke i lënë fëmijët në Rusi (vetëm dy u transportuan më vonë në Francë, dy të tjerët duhej të ndaheshin për më shumë se 30 vjet).
Zinaida Serebryakova kultivoi bukurinë e përsosur, të përjetshme, klasike në veprat e saj. Pastel në një farë mënyre përcjell më mirë butësinë dhe ajrosjen e imazheve të saj femërore, në të cilat pothuajse gjithmonë ka diçka nga vetë artistja dhe fëmijët e saj (vajza Katya ishte një nga modelet e saj të preferuara).
Një pastel mjaft i madh, Reclining Nude, u ble gjatë bumit të artit në qershor 2008 për 1.07 milion £ (2.11 milion dollarë). Asnjë vepër tjetër që atëherë nuk ka arritur të mposhtë këtë rekord. Është interesante se në 10 shitjet më të mira të ankandeve të Zinaida Serebryakova ka vetëm nudo, dhe tre nga veprat janë vetëm pastel.
Në ankandin e Sotheby's në Londër më 27 nëntor 2012, kushtuar pikturave dhe grafikëve të artistëve rusë, pjesa kryesore nuk ishte një pikturë, por një vizatim me laps në letër - "Portreti i Vsevolod Meyerhold" nga Yuri Annenkov. Tetë pjesëmarrës debatuan për punën në sallë dhe në telefon. Si rezultat, vizatimi, i vlerësuar në 30-50 mijë paund, i kushtoi pronarit të ri disa dhjetëra herë më shumë se vlerësimi. Rezultati prej 1.05 milion paund (1.68 milion dollarë) brenda natës e bëri "Portreti i Vsevolod Meyerhold" grafikën më të shtrenjtë të autorit dhe zuri vendin e tretë në listën e çmimeve më të larta të ankandit për veprat e Annenkov në përgjithësi.
Pse interesimi për portretin ishte kaq i fortë? Annenkov është një piktor i shkëlqyer portretesh që la imazhe të figurave më të mira të epokës - poetë, shkrimtarë, regjisorë. Veç kësaj, ai ishte shumë i talentuar në grafikë: stili i tij ndërthurte teknikat e vizatimit klasik me elementët avangardë të kubizmit, futurizmit, ekspresionizmit... Ai ia doli si artist teatri dhe filmi, si ilustrator librash. Vëmendja e publikut sigurisht tërhoqi nga personaliteti i modeles në portret - regjisori i famshëm Vsevolod Meyerhold. Epo, në krye të të gjithave, ky vizatim vjen nga koleksioni i kompozitorit Boris Tyomkin, me origjinë nga Kremenchug, i cili emigroi në SHBA dhe u bë një kompozitor i famshëm amerikan, katër herë fitues i Oskarit për punë muzikore në filma.
Një nga artistët kryesorë të shoqatës World of Art, Lev (Leon) Bakst, natyrisht, duhet të ishte në listën tonë të artistëve grafikë më të suksesshëm komercial. Veprat e tij të sofistikuara teatrale - dizajne kostumesh për kërcimtarët më të mirë të epokës, skena për produksione - na japin sot një ide se çfarë spektakli luksoz ishin stinët ruse të Diaghilev.
Vepra grafike më e shtrenjtë e Bakst, "Sulltana e Verdhë", u krijua në vitin kur baleti i Diaghilev shkoi për herë të parë në turne në Shtetet e Bashkuara. Në atë kohë, Bakst ishte tashmë një artist i njohur, stili i njohur i veprave të tij teatrale ishte bërë një markë dhe ndikimi i tij u ndje në modë, dizajn të brendshëm dhe bizhuteri. Nudo sensuale "Sulltana e Verdhë", e cila u rrit nga skicat e tij teatrale, shkaktoi një betejë të ashpër midis dy telefonave në ankandin e Christie's më 28 maj 2012. Si rezultat, ata arritën shifrën prej 937,250 paund ( 1 467 810 dollarë) duke marrë parasysh komisionin, pavarësisht se vlerësimi ishte 350-450 mijë paund.
Në veprat e Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov shfaqet bota e foleve fisnike që veniten në harresë, parqet e mjegullta të feudali dhe zonjat e reja të këndshme që ecin përgjatë rrugicave. Disa e quajnë stilin e tij "elegji në pikturë"; ai karakterizohet nga ëndërrimtaria, melankolia e qetë dhe trishtimi për një epokë të shkuar. Për Borisov-Musatov, pronat fisnike ishin bota e së tashmes, por ka diçka tjetër të botës në reflektimet e tij të kësaj bote; këto parqe, veranda dhe pellgje duket se janë ëndërruar nga artisti. Sikur të kishte një parandjenjë se së shpejti kjo botë nuk do të ekzistonte më dhe ai vetë nuk do të ekzistonte më (një sëmundje e rëndë e largoi artistin në moshën 35-vjeçare).
Viktor Borisov-Musatov preferoi pastel dhe bojëra uji në pikturë me vaj; ata i dhanë atij butësinë e nevojshme të penelit dhe mjegullës. Shfaqja e pastelit të tij "Dita e fundit" në ankandin rus në Sotheby's në 2006 ishte një ngjarje, pasi veprat kryesore të Borisov-Musatov janë në muze, dhe vetëm rreth një duzinë veprash janë ofruar në ankande të hapura ndër vite. Pasteli “Dita e fundit” vjen nga koleksioni i V. Napravnik, djalit të dirigjentit dhe kompozitorit rus Eduard Napravnik. Ky pastel u përshkrua në "Portreti i Maria Georgievna Napravnik" nga Zinaida Serebryakova, i ruajtur tani në Muzeun e Artit Chuvash. Në monografinë "Borisov-Musatov" (1916), N. N. Wrangel përmend "Ditën e Fundit" në listën e veprave të artistit. Pra, siç pritej, artikulli padyshim origjinal arriti një çmim rekord për artistin prej 702,400 paund, ose 1,314,760 dollarë.
Alexander Deineka ishte një grafik i shkëlqyer; në fazat fillestare të karrierës së tij krijuese, grafika e tërhoqi atë edhe më shumë sesa piktura, para së gjithash, për potencialin e saj propagandistik. Artisti punoi shumë si ilustrues i librave dhe revistave dhe krijoi postera. Më vonë, kjo "punë e posterit të revistave" e lodhi, ai filloi të punonte gjithnjë e më shumë në pikturë, në artin monumental, por aftësitë e fituara të një vizatuesi doli të ishin shumë të dobishme - për shembull, kur krijonte skica përgatitore për piktura. "Vajza që lidh një fjongo në kokë" - një skicë për pikturën "Bather" (1951, koleksioni i Galerisë Tretyakov). Kjo vepër më e shtrenjtë e Deineka deri më sot daton në periudhën e vonë të krijimtarisë, kur stili i artistit nga kërkimet avangarde të viteve 1920-30 tashmë kishte evoluar fuqishëm drejt realizmit socialist. Por Deineka ishte e sinqertë edhe në realizmin socialist. Fuqia dhe bukuria e një trupi të shëndetshëm njerëzor është një nga temat e preferuara të Deinekës në punën e tij. "Vajza që lidh një fjongo" na referon nudot e tij, të ngjashme me perëndeshat greke - Venuset sovjetike që gjejnë lumturinë në punë dhe sport. Ky është një vizatim nga libri shkollor Deineka, dhe për këtë arsye nuk është për t'u habitur që ai u shit për një rekord 27,500,000 rubla (1,012,450 dollarë) në ankandin Sovcom.
Boris Dmitrievich Grigoriev emigroi nga Rusia në 1919. Ai u bë një nga artistët më të famshëm rusë jashtë vendit, por në të njëjtën kohë ai u harrua në atdheun e tij për shumë dekada, dhe ekspozitat e tij të para në BRSS u zhvilluan vetëm në fund të viteve 1980. Por sot ai është një nga autorët më të kërkuar dhe më të vlerësuar në tregun rus të artit; veprat e tij, si piktura ashtu edhe grafika, shiten për qindra mijëra e miliona dollarë. Artisti ishte jashtëzakonisht efikas; ai besonte se mund të trajtonte çdo temë, çdo porosi.
Ndoshta më të famshmit janë ciklet e tij "Gara" dhe "Fytyrat e Rusisë" - shumë të afërta në frymë dhe ndryshojnë vetëm në atë që i pari u krijua para emigrimit, dhe i dyti tashmë në Paris. Në këto cikle, na paraqitet një galeri e llojeve (“fytyrave”) të fshatarësisë ruse - pleq, gra dhe fëmijë shikojnë të turbullt shikuesin, ata tërheqin syrin dhe në të njëjtën kohë e zmbrapsin atë. Grigoriev nuk ishte aspak i prirur për të idealizuar ose zbukuruar ata që pikturonte; përkundrazi, ndonjëherë ai sjell imazhe në grotesk. Një nga "fytyrat", e ekzekutuar me gouache dhe bojëra uji në letër, u bë vepra grafike më e shtrenjtë e Boris Grigoriev: në nëntor 2009, në ankandin e Sotheby's ata paguan 986,500 dollarë për të.
Dhe së fundi, autori i dhjetë në listën tonë të veprave më të shtrenjta të grafikës ruse është Konstantin Somov. Djali i kuratorit të koleksioneve të Hermitage dhe një muzikant, një dashuri për artin dhe gjithçka të bukur iu rrënjos që nga fëmijëria. Pasi studioi në Akademinë e Arteve nën Repin, Somov shpejt e gjeti veten në shoqërinë Bota e Artit, e cila promovoi kulti i së bukurës që e kishte pranë. Kjo dëshirë për dekorim dhe "bukuri" ishte veçanërisht e dukshme në vizatimet e tij të shumta të bazuara në imazhe të epokës galante, interesi për të cilin u vu re në punën e artistëve të tjerë botërorë (Lanceret, Benois). Markezët "Somov" dhe zotërinj galantë në takime sekrete, skena pritjesh shoqërore dhe maskaradash me harlekinët dhe zonjat me paruke na referojnë në estetikën e barokut dhe rokokos.
Çmimet për veprat e Somov në tregun e artit filluan të rriten me një ritëm fenomenal dhe jo gjithmonë të kuptueshëm që nga viti 2006; disa nga pikturat e tij tejkaluan vlerësimin me 5, apo edhe 13 herë. Pikturat e tij kushtojnë miliona paund. Sa i përket grafikës, rezultati më i mirë i Somov deri më tani është 620,727 dollarë - ky është vetëm një nga vizatimet e serisë "galante" "Masquerade".
Më 22 prill 2010, 86 vepra - piktura dhe grafika - nga pothuajse dy duzina autorë u shitën si një pjesë e vetme nr. 349 në Sotheby's në Nju Jork. Kjo shitje, meqë ra fjala, krijon konfuzion në statistikat e ankandeve të atyre artistëve, veprat e të cilëve u përfshinë në këtë lot. Po, koleksioni është shumë i vlefshëm në vetvete, ka një histori të gjatë, komplekse dhe tragjike dhe, nga njëra anë, është mirë që koleksioni ra në të njëjtat duar. Por, nga ana tjetër, nëse një ditë pronari vendos të shesë vepra individuale, atëherë për shumicën e autorëve thjesht nuk ka nivel çmimi. Pas "përgatitjes së artit" shurdhues që i parapriu shitjes së koleksionit, mund të ishte shfaqur, por jo, dhe pas rishitjes do të ishte një minus i madh.
Më poshtë do të paraqesim artistë të famshëm në mbarë botën falë aftësisë së tyre për të vizatuar me një laps të rregullt. Secila prej tyre ka stilin, personalitetin e vet, si dhe temat e preferuara për kreativitet. Për më tepër, emri i secilit autor është gjithashtu një lidhje me galerinë personale në internet të artistit, ku mund të studioni më në detaje vizatimet me laps dhe biografinë e secilit prej tyre.
Ndërsa shikoni imazhet, do të vini re disa veçori interesante në pikturat e të gjithëve. Disa dallohen nga linjat e buta, tranzicionet e lëmuara të dritës dhe hijes dhe forma të efektshme. Të tjerët, përkundrazi, përdorin linja të forta dhe goditje të qarta në krijimtarinë e tyre, të cilat krijojnë një efekt dramatik.
Më parë, në faqen tonë të internetit, ne kemi publikuar tashmë imazhe të disa mjeshtrave. Këtu është një listë artikujsh ku mund të shihni vizatime po aq tërheqëse me laps.
- Një album me ilustrime të jashtëzakonshme nga Mattias Adolfsson;
JD Hillberry
Aftësitë natyrore dhe një dëshirë e fortë për të tërhequr vëmendjen ndaj punës së tij u shfaqën në JD Hillberry si fëmijë. Dëshira dhe talenti e bënë mjeshtrin një nga artistët më të mirë të vizatimit me laps në botë. Ndërsa studionte ende në Wyoming, ai filloi të zhvillonte teknikën e tij, duke përzier qymyr druri dhe grafit për të arritur një efekt foto-realist në vizatimet e tij. JD përdor dritën monokromatike për të tërhequr vëmendjen e shikuesit përmes lojës së dritës dhe hijes dhe teksturës. Gjatë gjithë karrierës së tij, ai u përpoq të shkonte përtej realizmit dhe shprehjes. Pasi u transferua në Kolorado në 1989, Hillberry filloi të eksperimentonte me vizatime trompe l'oeil. Tradicionalisht, kjo lloj pune bëhet në vaj, por ai e përcolli me sukses realizmin e komplotit duke përdorur laps. Shikuesi, duke parë imazhe të tilla, mashtrohet duke menduar se objekti është në një kornizë, ose në një dritare, megjithëse në fakt të gjithë këta elementë janë të vizatuar. Duke punuar nga studioja e tij në Westminster, Kolorado, JD Hillberry vazhdon të zgjerojë perceptimin e publikut me vizatimet e tij.
Brian Duey
Brian është një nga artistët më të mrekullueshëm të lapsit që punon bukur me lapsin për të krijuar vepra arti frymëzuese. Ja çfarë thotë ai për punën e tij dhe veten:
"Emri im është Brian Duey. Unë kam lindur dhe jam rritur në Grand Rapids, Michigan. Kam ndjekur shkollën publike në një fshat të vogël të quajtur Granville, ku u njoha për herë të parë me artin. Nuk kam menduar kurrë për seriozitetin e hobit tim, por zbulova një tërheqje e fortë për vizatimin e lapsit në moshën 20. Isha ulur vetëm në shtëpinë time dhe nga mërzia vendosa të marr një laps dhe të filloj të vizatoj.Menjëherë rashë në dashuri me vizatimin dhe doja ta bëja gjatë gjithë kohës . Me çdo vizatim bëhesha gjithnjë e më mirë. Kam zhvilluar teknikën time dhe truket origjinale ndërsa punoj. Përpiqem të krijoj vizatime realiste dhe të shtoj idetë e mia konceptuale. Më pyesin shpesh se çfarë më frymëzon dhe ku kam mësuar të vizatoj. mund të them hapur se jam autodidakt.
Ilustrimet e mia janë botuar në libra dhe kartolina, në kopertina CD dhe në revista të ndryshme. Unë kam marrë punë komerciale që nga viti 2005 dhe gjatë kësaj kohe kam marrë klientë në të gjithë botën. Shumica e porosive të mia vijnë nga Shtetet e Bashkuara, Britania e Madhe dhe Kanadaja, por punoj edhe me klientë nga Irlanda. Pikturat e mia janë shfaqur në galeri në të gjithë Shtetet e Bashkuara. Në vitin 2007, më kërkuan të pikturoja një portret të Britney Spears që ishte përfshirë në një galeri arti në Hollywood, Kaliforni. Ngjarja u pasqyrua në MTV dhe unë fitova famë botërore. Nuk do të ndalem me kaq dhe do të vazhdoj të punoj. Kam ide dhe plane të reja. Një nga qëllimet e mia për të ardhmen është të publikoj një tutorial vizatimi.
T. S. Abe
Edhe pse nuk gjetëm shumë nga veprat e Abe, nga ilustrimet e saj duket qartë se ajo është një artiste e klasit të lartë. Artistja shkëlqen me lapsin dhe përshkruan me mjeshtëri ide komplekse duke përdorur teknikat e saj. Pikturat e Abe janë harmonike dhe të balancuara, komplekse dhe në të njëjtën kohë të thjeshta për t'u perceptuar. Ajo është një nga artistet më të talentuara të vizatimit me laps të kohës sonë.
Cesar Del Valle
Artisti përdor një teknikë të veçantë unike të vizatimit me laps në veprat e tij. Ilustrimet e Cezarit jo vetëm që tregojnë talentin e tij, por pasqyrojnë edhe perceptimin delikate të autorit për mjedisin.
Henrik
Puna e Henrikut është paraqitur në Galerinë e Arteve Deviant. Vizatimet e tij janë një shembull interesant i artit me laps. Mjeshtri përdor mrekullisht tonet bardh e zi për të përcjellë imazhe origjinale dhe ide të pazakonta.
Djema, ne vendosëm shpirtin tonë në sit. Faleminderit per ate
që po e zbuloni këtë bukuri. Faleminderit për frymëzimin dhe nxitjen.
Bashkohuni me ne Facebook Dhe Në kontakt me
Pikat e ndritshme, spërkatjet e dritës, ajri me gaz - këta artistë e shohin botën si prekëse të bukur dhe me ngjyra të këndshme.
faqe interneti ofron një vështrim të botës përmes syve të këtyre magjistarëve. Ne sjellim në vëmendjen tuaj një përzgjedhje të pikturave të impresionistëve bashkëkohorë që zotëruan me mjeshtëri ngjyrën dhe dritën.
Veprat e artistit bullgar Tsviatko Kinçev në stilin impresionist janë piktura dixhitale: ato janë bërë në një kompjuter në Photoshop. Krijimet tepër të harlisura të artistit nxjerrin në pah bukurinë dhe shkëlqimin e botës përreth.
Artisti holandez William Henrits punon me bojëra uji, akrilike dhe pastel. Krijimet e tij janë butësia e mahnitshme, ajri kumbues që thithin ngjyrat e tij, linjat e tij të këndshme. Puna e William është e njohur në mbarë botën në formën e posterave dhe litografive me cilësi të lartë.
Yuri Petrenko ka lindur në Soçi. Ai ka rreth 20 vite që merret me pikturë profesionale. Ngjyra të pasura, shtëpi të lezetshme, anije dhe det. Pikturat e tij ndjellin diellin e nxehtë dhe erën e kripur. Veprat e tij gjenden në koleksione private pothuajse në të gjitha vendet e botës.
Artisti armen Hovik Zohrabyan lindi në familjen e artistit dhe skulptorit të famshëm Nikoghos Zohrabyan. Pas goditjeve karakteristike të impresionizmit, del në pah stili unik i vetë artistit. Qytetet e tij komode me ngjyra dhe shtëpitë e ndritshme janë të mbushura me diell dhe lumturi.
Linda Wilder është një artiste kanadeze. Lindës i pëlqen të pikturojë peizazhe dhe thika e paletës është një nga mjetet e saj të preferuara. Me penelata të ndritshme, precize, nuanca dhe linja delikate, pikturat e Lindës gjenden në koleksione të korporatave dhe private në Kanada dhe në mbarë botën.
Artisti kinezo-amerikan Ken Hong Lung ka një sens të mprehtë të ngjyrave dhe di si të përcjellë magjinë e paqes. Fshatrat e tij të peshkimit dhe peizazhet bregdetare u bënë një sensacion në qarqet e artit të Hong Kongut. Ken konsiderohet si një nga artistët më të mirë neo-impresionistë në botë. Ai quhet mjeshtër i peizazheve të magjepsura, disponimeve ëndërrimtare dhe reflektimeve magjike të dritës dhe ngjyrës.
Johan Messeli jeton dhe punon në Belgjikë. Pikturat e tij pasqyrojnë botën komode të oborreve provinciale me hije, portave të vjetra dhe dritareve të mira. Johan di si të përcjellë paqen dhe lumturinë e qetë me goditje të pakujdesshme. Artisti punon në vajra dhe pastel.
Jill Charuk është një artiste bashkëkohore kanadeze. Ajo punoi në industrinë e veshjeve dhe të brendshme për njëzet vjet. Ajo pëlqen të ekzagjerojë ngjyrat dhe të përmirësojë kontrastet. Pikturat e saj të gjalla kanë marrë vlerësim ndërkombëtar dhe janë përfshirë në koleksionet e artit bashkëkohor në Amerikën e Veriut, Meksikë dhe Evropë. Jill pikturon kryesisht me vajra dhe akrilike.