원제 : Argenteuil의 양귀비

제작연도: 1873년

파리 오르세 미술관.

오스카 클로드 모네(Oscar Claude Monet, 1840년 11월 14일 ~ 1926년 12월 5일)는 프랑스 화가이자 인상주의 창시자 중 한 명입니다.

첫 번째 인상파 전시회에 전시된 양귀비 들판(1873)은 아르장퇴유에 있는 집 근처 들판에서 모네의 아내 카미유와 아들 장을 묘사하고 있습니다. 모네의 다른 많은 작품과 마찬가지로 카미유는 손에 우산을 들고 그려져 있으며, 그 우아한 윤곽이 그림에 특별한 매력을 더해줍니다. 움직이는 느낌을 전달하기 위해 모네는 언덕 꼭대기에 두 번째 인물 쌍(역시 Camille과 Jean을 기반으로 함)을 추가했습니다. 그들은 잔디를 통과하여 거의 눈에 띄지 않는 길을 통해 전경에 있는 인물들과 연결되어 있습니다. 모네는 야외에서 작은 휴대용 캔버스에 "양귀비의 들판"을 그렸습니다. 그림은 자연스럽고 즉흥적인 느낌을 전달하면서도 세심하게 구성되어 있다. 이는 작가가 그림을 두 번 반복했다는 사실뿐만 아니라 구성의 왼쪽을 채우는 밝은 양귀비가 대각선으로 위치하도록 설정된 각도 선택에서도 표현됩니다. 카미유와 진은 그림 너머로 떠나듯 걸어간다. 그림의 이 영역을 채우는 풍부한 색상과 움직임은 집의 테라코타 지붕이 배경과 구성의 전경을 능숙하게 연결하는 캔버스 오른쪽 상단 가장자리의 차분한 톤과 세심한 대조를 이룹니다.

클로드 모네의 그림 "양귀비"에 대한 설명(아르장퇴유에서)

모네의 작품 "양귀비"(아르장퇴유의 양귀비 들판)는 1873년에 작가가 그렸습니다. 그림 속 양귀비 밭의 풍경은 작은 나무 능선이 마치 하늘과 땅을 가르듯, 언뜻 단순한 줄거리의 느낌을 준다. 하지만 사진을 자세히 들여다보면 첫인상이 기만적이었다는 것을 깨닫게 됩니다.

그림은 두 개의 수직선에 의해 비유적으로 네 부분으로 나눌 수 있습니다. 거칠고 또렷하게 윤곽이 잡힌 듯 수평선은 살짝 보이는 가상의 수직선을 잘라낸다. 캔버스에 묘사 된 집은 구성을 하나의 전체로 연결하는 일종의 두 선의 교차 중심입니다.

이 그림은 언덕 꼭대기와 경사면에 위치한 자녀를 둔 여성의 실루엣으로 표현되는 의미론적, 감각적 부하로 주목할 만합니다. 그림의 전경에 보이는 여자와 소년은 바로 작가의 아내와 아들이다. 특이한 구성은 그림 속의 그림에 대한 환상적인 시각을 제공합니다. 반복되는 실루엣의 이미지는 마치 눈에 띄지 않는 길을 따라 움직이는 여성과 아이들의 느낌을 준다. 언덕 위로 솟아오른 나무는 이 부분의 작업의 충만함과 중요성을 더욱 높여줍니다.

거의 무색에 가까운 오른쪽 부분은 꽃이 만발한 양귀비 밭의 배경과 대조를 이루며, 그림의 인접 영역이 교차하는 지점에 묘사된 여성의 실루엣을 위한 배경입니다.

몇 번의 붓질만으로 예술가는 하늘의 윤곽을 그렸습니다. 물감이 닿지 않은 캔버스 부분은 작가가 캔버스의 윗부분에 집중하기를 꺼리는 모습을 보여준다.

종합하면, 이 그림은 가장 중요한 지상 가치에 대한 헌신으로 인식됩니다. 자신에게 주어진 문제를 해결하기 위해 작가는 그림의 스토리 라인에 대한 자신의 비전을 전달하기 위해 가능한 모든 가능성에 의지했습니다.

클로드 모네. 양귀비. 1773년 파리 오르세 미술관

클로드 모네의 가장 유명한 작품 중 하나인 '양귀비'를 에서 보았습니다. 그런데 그때는 제대로 보지 못했어요. 팬으로서 저는 이 박물관에 있는 모든 걸작들에 그저 깜짝 놀랐습니다!

물론 나중에는 <포피>도 제대로 봤다. 그리고 나는 박물관에서 몇 가지 흥미로운 세부 사항을 발견하지 못했다는 것을 발견했습니다. 그림을 좀 더 자세히 살펴보면 아마도 적어도 세 가지 질문이 있을 것입니다.

1. 양귀비는 왜 그렇게 큰가요?
2. 모네는 왜 거의 동일한 두 쌍의 인물을 묘사했습니까?
3. 작가는 왜 그림에 하늘을 그리지 않았나요?

이 질문들에 순서대로 답변하겠습니다.

1. 양귀비는 왜 그렇게 크나요?

양귀비는 매우 크게 묘사되어 있습니다. 대부분은 묘사된 아이의 머리만큼 큽니다. 그리고 배경에서 양귀비를 가져와 전경에 있는 인물에 더 가까이 가져가면 묘사된 어린이와 여성의 머리보다 완전히 커질 것입니다. 왜 그런 비현실적인가?

내 생각에 모네는 의도적으로 양귀비의 크기를 늘린 것 같다. 이렇게 그는 묘사된 대상의 사실성보다는 생생한 시각적 인상을 전달하기 위해 다시 한번 선택했다.

그런데 여기에서 그의 후기 작품에서 수련을 묘사하는 그의 기술과 유사점을 그릴 수 있습니다.

명확성을 위해 다양한 연도(1899-1926)의 수련 그림 조각을 살펴보세요. 위쪽 작품은 초기(1899년), 아래쪽이 최신(1926년)이다. 확실히, 시간이 지나면서 수련은 점점 더 추상화되고 덜 상세해졌습니다.

분명히 "양귀비"는 모네의 후기 그림에서 추상화주의가 우세하다는 점을 보여주는 것일 뿐입니다.

클로드 모네의 그림. 1. 왼쪽 위: 수련. 1899 G. 개인 소장품. 2. 오른쪽 상단: 수련. 1908 G. 개인 소장품. 3. 중앙: 수련이 있는 연못. 1919 뉴욕 메트로폴리탄 미술관. 4. 하단: 백합. 1926 넬슨-앳킨스 미술관, 캔자스시티.

2. 왜 그림에는 동일한 인물이 두 쌍 있습니까?

모네가 자신의 그림에서 움직임을 보여주는 것도 중요했다는 것이 밝혀졌습니다. 그는 마치 두 쌍의 인물 사이에 밟힌 것처럼 꽃 사이 언덕에 거의 눈에 띄지 않는 길을 묘사하는 특이한 방식으로 이것을 달성했습니다.

양귀비가 피어 있는 언덕 아래에는 그의 아내 카밀과 아들 진이 있습니다. 카밀라는 전통적으로 그림 "우산을 쓴 여인"처럼 녹색 우산을 들고 있는 모습으로 묘사됩니다.

언덕 위에는 또 다른 한 쌍의 여자와 아이가 있는데, 카밀라와 그녀의 아들도 포즈를 취했을 가능성이 높습니다. 그만큼 두 커플은 닮은꼴이다.

언덕 위에 있는 이 한 쌍의 인물은 아마도 모네가 그토록 노력했던 움직임의 시각적 효과만을 위해 묘사되었을 것입니다.

3. 모네는 왜 하늘을 그리지 않았나요?

또 다른 주목할만한 점은 뒤에 남겨진 캔버스의 맨 아래 부분까지 하늘이 얼마나 형편없이 그려졌는지 확인하는 것입니다.

인상주의는 1860년대 프랑스에서 등장하여 회화에 대한 전통적인 생각을 뒤집었습니다. 이 운동 예술가들의 화창하고 생명력이 넘치며 빛이 가득한 그림을 보면 그들의 작품이 오랫동안 인정을받지 못하고 고전 회화의 표준에서 벗어난 것으로 간주되었다고 믿기 어렵습니다. "세계 일주"는 프랑스를 여행하며 인상파 예술가들의 작품에 프랑스의 다양한 지역이 어떻게 묘사되어 있는지 확인하도록 여러분을 초대합니다.

클로드 모네. "아르장퇴유의 양귀비 밭"(1873)

"양귀비 들판..."이라는 그림은 파리에서 불과 10km 떨어진 아르장퇴유에서 모네가 그린 그림으로, 19세기에는 수도 주민들이 가장 좋아하는 휴양지였습니다. 모네와 그의 가족은 이 교외에서 7년 동안 살면서 밝고 다채로운 그림을 많이 그렸습니다.

Argenteuil에서 작가는 야외에서 많은 작업을 했습니다. 그는 항상 특정 시간, 행동 및 공간 조각을 캔버스에 묘사할 수 있는 기회에 매료되었습니다. 그림 "아르장퇴유의 양귀비 들판"은 예술가의 또 다른 열정, 즉 꽃에 대한 사랑을 반영합니다. 모네는 한때 자신의 정원을 자신의 주요 걸작이라고 부르기도 했습니다.

이 그림은 명확하게 여러 부분으로 나누어져 있는데, 그 중 가장 중요한 부분은 캔버스의 비어 있는 오른쪽 부분과 대조되는 주홍색 꽃을 묘사한 부분입니다. 우리는 또한 화가의 아내 카미유와 그의 장남 진을 그린 두 커플을 볼 수 있습니다. 그들의 배열은 그림의 공간을 구조화하고 포착된 움직임을 전달하는 데 도움이 됩니다.

그림 작업을 하는 동안 모네는 물감을 섞지 않고 인간의 눈이 다른 색조로 인식하는 다양한 색상의 획을 적용했습니다. 동시에 작가는 더 의미 있는 것들을 더 세심하게 그렸다. 따라서 여기에서는 전경에 있는 꽃과 인물의 윗부분에 중점을 두는 반면, 그림 오른쪽의 들판과 하늘은 덜 명확하게 정의됩니다.

피에르 오귀스트 르누아르. "Chatou의 다리"(1875)

Chatou는 새로운 운동의 예술가들에게 사랑받는 프랑스의 또 다른 그림 같은 곳입니다. 이곳은 흔히 인상파의 섬이라고 불립니다. 이 지점에서 센강이 두 갈래로 나뉘기 때문입니다. 이웃 아르장퇴유처럼 19세기 샤투 마을도 밝고 편안하고 시끄러운 분위기를 풍겼습니다.

사람들은 수영을 하고, 보트를 타고, 소풍을 즐기기 위해 이곳에 왔고, 이러한 단순한 풍경이 인상파 화가들의 그림에 반영되었습니다. 샤투 다리 아래에 있는 푸르네즈 신부의 식당은 하룻밤을 보낼 수 있을 뿐 아니라 방을 빌릴 수도 있는 곳으로 르누아르가 가장 좋아하는 장소였습니다. 예술가가 자신의 지인과 친구들을 묘사 한 그림 "The Rowers 'Breakfast"를 만든 곳이 바로 이곳이었습니다. 1990년에 Maison Fournaise 레스토랑이 복원되었으며 현재는 작은 박물관이 있습니다.

그림 "Bridge at Chatou"는 대부분의 르누아르 작품과 다릅니다. 모네와는 달리 작가는 사람을 훨씬 더 많이 묘사하는 것을 좋아했으며 더 채도가 높은 색상 팔레트를 선호했습니다. 그러나 <샤투의 다리>는 사람들이 흐릿하고 어두운 형상으로 나타나는 풍경이다. 다리는 다른 요소보다 세심하게 그려져 있으며, 여기에는 인기 있는 뱃놀이도 그려져 있습니다. 풍경은 흐릿한 선과 연기가 자욱한 가벼운 공기 환경이 특징입니다. 명확하게 정의된 인물의 부재는 거리감을 만들어내고, 빛과 색상 팔레트는 평범함 속에서 즐거움을 보는 데 도움이 됩니다.

프레데릭 바질. "레즈강변의 풍경"(1870)

바질의 풍경 덕분에 우리는 프랑스 중부에서 남쪽, 작가의 고향으로 여행합니다. 바질의 이름은 28세의 나이로 세상을 떠났기 때문에 그의 친구인 모네와 르누아르의 이름보다 훨씬 덜 알려져 있습니다. "레즈 강변의 풍경"은 작가의 마지막 작품 중 하나입니다. 캔버스 작업을 마친 직후 Basil은 프랑스-프로이센 전쟁에 자원하여 곧 사망했습니다.

작가는 기록적인 시간 안에 풍경을 완성했는데, 완성하는 데 꼬박 두 달이 걸렸다. 일하는 동안 Basil의 친척들은 자리를 비웠고 그가 그림을 그리는 데 방해가 되지 않았습니다. 게다가 그는 그 지역을 잘 알고 있었다. 그래서 그는 형에게 보낸 편지에서 자신이 묘사한 장소를 정확히 표시했습니다. "Navilau 근처 방앗간 근처의 Lez 강둑과 Clappier로 가는 길."

그림은 모네와 르누아르의 풍경과는 매우 다릅니다. Basil은 태양을 정점에 그리는 것을 선호했고 친구의 캔버스에 있는 무중력 및 연기가 자욱한 빛과는 다른 거친 빛을 묘사했기 때문입니다. 바질 역시 밝고 대비되는 색상을 사용하며, 그림의 디테일을 작업할 때 더욱 정확하고 철저합니다. 덕분에 우리는 캔버스 “레즈강변의 풍경”에서 프랑스 남부 지역의 특징적인 나무와 식생을 알아볼 수 있습니다.

카미유 피사로. 비오는 날 루앙의 부일디외 다리(1896)

카미유 피사로는 도시 풍경의 대가로서 인상주의 역사에 이름을 남겼습니다. 그는 프랑스 북부에 위치한 루앙을 묘사한 여러 그림을 그렸습니다. 피사로는 루앙 대성당에 헌정된 클로드 모네의 대작을 보고 이 도시로 갔습니다.

피사로는 모네처럼 캔버스를 만들 때 빛과 공기를 사용합니다. 그는 도시를 끊임없이 움직이는 살아있는 유기체로 묘사할 수 있는 가능성에 매료되었습니다. 그는 더 어두운 색상과 더 두꺼운 붓터치를 사용하지만 그의 그림은 더 사실적으로 보입니다. 특이한 관점은 피사로가 호텔 창문에서 그림을 그렸다는 사실로 종종 설명됩니다.

작가는 도시의 모습에서 점차 드러나는 산업적 특성을 캔버스에 투영하고자 했다. 이것이 바로 피사로가 루앙에 대해 흥미를 갖게 만드는 이유입니다. 루앙은 아름다운 건축물에도 불구하고 19세기 말 항구 도시이자 산업 중심지가 되었습니다.

폴 세잔. "Estac에서 마르세유만의 전망"(1885)

폴 세잔의 풍경은 다시 우리를 프랑스 남부로 데려가지만 동시에 이미 논의된 그림과는 완전히 다릅니다. 훈련받지 않은 관객에게도 세잔의 캔버스는 다른 인상파의 작품보다 더 대담해 보입니다. 작가가 종종 현대 미술의 아버지로 불리는 것은 우연이 아닙니다.

남부에서 태어난 세잔은 자신의 그림에 남부의 풍경을 자주 묘사했습니다. 어촌 마을인 Estac 주변은 그가 풍경화에서 가장 좋아하는 주제 중 하나가 되었습니다. 1880년대에 세잔은 가족 문제를 피하기 위해 에스타크에 와서 마르세유 만을 묘사한 약 10점의 그림을 그렸습니다.

"Estac에서 본 마르세유만의 풍경"은 이 시대의 정점에 달하는 작품 중 하나로, 파블로 피카소에게 영향을 준 세잔 그림의 특징을 엿볼 수 있게 해줍니다. 우리는 주로 작가의 특별한 촘촘한 수평 획과 주황색-노란색과 같은 깊고 풍부한 색상의 사용에 대해 이야기하고 있습니다. 세잔은 다양한 파란색 음영과 녹색, 보라색 내포물을 사용하여 물의 3차원 이미지를 구현했습니다. 다른 인상파와 마찬가지로 세잔도 바다, 하늘, 산을 그리는 것을 좋아했지만 그의 이미지에서는 그것들이 더 조밀하고 명확하게 정의된 것처럼 보입니다.

캐나다의 도시 정글 한가운데에 갑자기 꽃이 피었다는 것을 상상할 수 있습니까? 양귀비 밭? 말도 안되는 소리지만 미술계에 불가능한 것은 없습니다. 그리고 이미 선례가있었습니다. 얼마 전 몬트리올의 Zweibrücken에 양귀비가 나타났습니다. 이것은 이미 꽃 전통의 일종의 연속입니다.

“꽃” 설치 작품의 창작자 – 예술가이자 건축가인 클로드 코미에(Claude Cormier), 인상주의의 열렬한 찬사. 캔버스에 대한 사랑 클로드 모네이미 한때 그에게 영감을 주어 꽃이 만발한 등나무를 닮은 작품을 만들었습니다. 현재 몬트리올에 있는 작품은 위대한 예술가의 "양귀비 들판"에 대한 찬사와 존경의 작품입니다. 클로드 모네(Claude Monet)가 진홍색 꽃이 점재하는 지베르니(Giverny)의 녹색 지역을 지칠 줄 모르고 그렸다는 것을 기억합시다. 그의 그림에서 전체 "양귀비"주기를 만들 수 있습니다.

이 설치물을 만들기 위해서는 미술관 앞 골목에 점으로 표시되는 빨간색, 녹색, 흰색 마커 5,060개가 필요했습니다. Claude Cordier의 작품은 연례 전시회의 일부입니다. 아스팔트 바다 한가운데 펼쳐지는 호화로운 양귀비 밭은 누구나 감탄할 수 있을 것입니다.

그건 그렇고, 유명한 인상파의 작품이 예술가들에게 영감을 주어 예술 작품을 만든 것은 이번이 처음이 아닙니다. 우리는 이미 독자들에게 잔담의 청와대를 연상시키는 디자인과 일련의 광고 포스터를 소개했습니다. 그 중 하나는 모네와 또 다른 좋아하는 꽃인 수련을 묘사합니다.