Портрет в изобразительном искусстве 20-го века Презентацияученика 6А класса
школы №1
г.Топки
Мальгичёва Константина

Жанр портрета

Особенности портретов 20-го века

Портреты, написанные в 20-ом веке знаменитыми художниками

Русский художник Петров-Водкин Портрет Анны Ахматовой

Французский художник Анри Матисс (портрет Делекторской)

Испанский художник Пабло Пикассо (портрет Ольги)

Огюст Ренуар (французский художник) Портрет Клода Моне (художника)

Итальянский художник Амадео Модильяни (Жоан Эбютерн)

Голландский художник Винсент ван Гог (Автопортрет с трубкой)

величайший живописец в истории искусств- испанский художник Сальвадор Дали. (слева АВТОПОРТРЕТ,справа фотография самого

САЛЬВАДОР ДАЛИ (портрет ГАЛЫ с бивнями носорога)

Древнейшие живописные портреты

В Древнем Египте, Древней Греции и Древнем Риме по прихотям Музы скульптура была популярнее живописи. К живописным работам относятся Фаюмские портреты, найденные в Среднем Египте — изображения красивейших жителей римского Египта I-IV веков н.э.: египтян, греков, нубийцев, евреев, сирийцев, римлян.

Лица Средневековья

Во времена Средневековья портрет начинает небольшими вкрадчивыми шажками проникать и в станковую живопись. Первая (и потому самая известная) из сохранившихся работ этого типа — «Портрет Иоанна Доброго» (около 1349 г.).

За пределами Европы

Поразительной конкретностью отличается средневековый китайский портрет (особенно периода Сун, X—XIII вв.). Несмотря на подчинение строгому типологическому канону, светила средневековой живописи из Поднебесной создали немало ярких индивидуализированных психологических портретов. Кроме того, высокие образцы портретной миниатюры (правда, немного непривычные европейскому глазу) были созданы мастерами Средней Азии, Азербайджана, Афганистана, Ирана, Индии.

Портрет Возрождения

Во времена Ренессанса наступил перелом в портретном искусстве, которое снова вышло на видные позиции, наверстывая упущенное за времена неврастенического средневекового мракобесия. Ренессансный человек ослабил путы религии и уверовал в силу личности, стал считать себя мерой всех вещей, забыв горький урок с Вавилонской башней.

Новая идеология требовала новой структуры портрета. Портретисты Ренессанса во многом идеализировали модель, но при этом непременно старались постигнуть сущность изображаемого человека — а это было семимильным шагом вперед. Изображая своего героя в определённой среде, художник более находил своей модели место в пространстве. Смена режиссеров влечет за собой смену декораций: на смену условному, ирреальному фону Средневековья приходят интерьер или пейзаж. Общение изображаемого человека с вымышленными персонажами (мифологическими и евангельскими) становится нормой. В монументальных росписях среди других героев картины художник также нередко изображает и себя, от былой средневековой стыдливости не осталось и следа. Наконец, финальным штрихом стало возникновение техники масляной живописи, которая сделала письмо более тонким и психологичным.

Человек – центральная фигура в портретном творчестве мастеров Высокого Возрождения. Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто ещё в большей мере углубляют содержание портретных образов и существенно обновляют средства художественной выразительности. Среди них — воздушная перспектива Леонардо да Винчи, колористические открытия Тициана.

Знаменитых итальянцев опередили голландцы: Ян ван Эйк, Ганс Мемлинг, Робер Кампен с присущей им духовной заострённостью и предельной точностью изображения. Если художники «сапога» часто словно возносили своего героя над миром, то здесь портретируемый — скорее неотъемлемая частичка мироздания. Чтобы добиться такого эффекта, творцы подробнейшим образом прописывали среду вокруг человека. Кроме того, от их зоркого взгляда не ускользала ни одна морщинка на лице модели.

Портрет маньеризма

В искусстве маньеризма (XVI век) ясность ренессансных образов сдает свои позиции. Все тревожнее и драмматичнее воспринимает художник свою эпоху, все острее и духовно насыщеннее становится композиционный строй. Наглядный пример тому — портреты итальянцев Понтормо и Бронзино и испанца Эль Греко.

В эту эпоху в разных странах возникают новые формы группового портрета — теперь персонажи живее, крепче связаны друг с другом. Застывшие портретные группы Средневековья медленно, но верно сменяются многофигурными композициями.

Портрет XVII века

Как всегда, всё идет из глубин коллективной психологии эпохи. Личность испытывала кризис, взгляд на действительность больше не был гармоничным, внутренний мир человека усложнялся. Возникали более сложные связи с внешним миром, стремление к более глубокому самопознанию набирало силу. Отсюда и изменения в традициях написания портретов: создатели пытаются раскрыть характер модели более «многослойно», объемно и сложно.

В XVII веке основных высот в этом жанре достигли нидерландцы, которые к этому времени разделились на два лагеря — фламандскую и голландскую школы. На пике моды групповой и семейный портрет и, кроме того, на холстах наконец один за другим появляются простые люди из народа. Такая «демократизация» живописи выходит за пределы Голландии (Хальс), образами бедняков не пренебрегает испанец Диего Веласкес.

Впрочем, это никому не мешает продолжать живописать довольные жизнью аристократические лица, более достойные, по меркам того времени, быть изображенными на полотне. Яркий пример — Питер Пауль Рубенс.

Новую жизнь обретает автопортрет — всё благодаря тяге человека к самопостижению: Рембрандт, его ученик Карел Фабрициус, Антонис ван Дейк, Николя Пуссен — вот главные любители селфи в реалиях XVII века.

Портрет XVIII века

С исходом XVII века жанр деградировал и был без малейших сожалений отодвинут его на второй план. Достижения реалистического портрета забыты, эталонным становятся официозные и напыщенные портреты — парадные или же мифологизированные. Кроме нарядности и красоты модели художников мало что заботит, поэтому лица становятся «кукольными».

Но свои правила диктует только-только начавшаяся эпоха Просвещения с ее идеями гуманизма, поэтому утверждается новый реалистический портрет — жанр спасен. Пока в Испании творит знаменитый Франсиско Гойя, из закулисья с помпой выходит Россия в лице Дмитрия Левицкого и Владимира Боровиковского, которые делают упор на точность социальных характеристик, тонкость психологического анализа, раскрытие внутреннего мира и богатство эмоций.

Портрет 1-й половины XIX века

Призрак бродит по Европе, призрак классицизма, главного жанра Великой Французской революции. Портрет теряет пышность и слащавость XVIII века и становится более строгим и холодным, что видно, например, по работам Жака Луи Давида.

Следующим «измом» становится романтизм, и здесь нельзя не упомянуть имена Теодора Жерико и Эжена Делакруа (Франция), у Ореста Кипренского и Карла Брюллова, отчасти Тропинина (Россия), Филипп Отто Рунге (Германия).

Но классицизм не сдается под натиском нового направления, а, напротив, переходит на новый виток своего развития — за это отдельное спасибо Доминику Энгру.

2-я пол. XIX века

Вот и настал черед реализма. В фокусе художника — социальная характеристика модели и ее психология.

В последней трети XIX века все больше художников отходят от заветов своих наставников, создавая свои собственные законы живописи. Новое «вольнодумное» и даже по тем временам «наглое» направления получает название импрессионизма. В нем момент — это всё. Художник отрекается от стремления к фотографическому правдоподобию и вместо этого сосредотачивается на изменчивости облика человека и его поведении в изменчивой среде.

Целям и образам портрета импрессионизма было полностью противоположно творчество их современника — Поля Сезанна. Хотя на первый взгляд они могут показаться родственными душами, Сезанн, в отличие от импрессионистов, стремился выразить в монументальном образе некие устойчивые свойства модели.

На иной аспект обращает внимание Винсент ван Гог, поглощенный жгучими проблемами нравственной и духовной жизни своего современника.

В конце XIX— начале XX века на первый план выходит модерн с его лаконичной заостренностью, порой — чертами гротеска. Всё это можно наблюдать в работах Тулуза-Лотрека, Альфонса Мухи, Густава Климта.

Портрет в XX веке

В XX веке после головокружительного взлета портрет вновь переживает упадок. Чтобы с новыми силами оттолкнуться от земли и взмыть к небывалым высотам. На почве модернизма возникают другие художественные направления (экспрессионизм, кубизм, фовизм, супрематизм и т.д.), и вместе с ними — произведения, номинально называемые портретом, но напрочь лишенные его специфики — с демонстративным и бунтарским уходом от реального облика человека, который превращается в некую отвлеченную, условную схему — из углов. фигур, граней или же цветовых пятен. Портрет становится скорее отражением состояния души художника, чем модели.

К середине XX века кризисные черты наполняют портрет до краев, превращая его в сплошной черный квадрат. Все очевиднее становится нарочитая деформация, искажение человека, а интерес к абстрактному и нефигуративному искусству растет бешеными темпами нового века.

Перемены привносят Энди Уорхол, Алекс Катц, Чак Клоуз, которые вновь фокусируют свои произведения на человеке. Теперь иконой века становится «Мерлин Монро» Уорхола. К слову сказать, поп-арт является одним из немногих направлений искусства XX века, использующим человеческое лицо без больших пропорциональных искажений.

Юсуф Карш - легенда портретной фотографии. Именно ему принадлежат всемирно известные фотографии Хеменгуэя, Черчилля, Хрущева, Эйнштейна и многих других. Талант фотографа был настолько велик, что в газете The Sunday Times о нем написали: "Когда известные люди начинают задумываться о бессмертии, они зовут Карша из города Оттава ."

Юсуф Карш (Yousuf Karsh) родился в Турции в армянской семье, однако позже в юности он переселился в канадский Квебек к своему дяде. Именно дядя заметил в молодом Карше фотографический талант и помог мальчику научиться тонкостям профессии, отослав его учиться на 4 года в США. По возвращении Юсуф основал собственную фотостудию, которая со временем станла очень популярна среди знаменитостей. Из списка 100 наиболее примечательных людей XX века в книге "International Who’s Who "(2000) Карш сфотографировал 51.

Одна из отличительных черт фотографий Юсуфа Карша - его феноменальное умение управлять студийным светом. С помощью освещения он создавал необходимый фон, идеально гармонирующий с одеждой и даже с эмоциями фотографируемого. Юсуф обходился минимумом декораций, а чаще всего и вовсе без них, делая акцент на лицах, на характере, на том, что есть особенного в человеке. "Величайшим наслаждением для меня является фотографирование великих сердцем, великих умом или духом, вне зависимости от того, известны они или нет. "

Широко известна история создания великолепного портрета Черчилля для журнала Life . Благородный гнев премьер-министра, его решительность, неустрашимость во взгляде - трудно представить себе более подходящий портрет для политика, вынужденного решать серьезные проблемы во время Второй Мировой войны. Однако Юсуфу Каршу не пришлось просить премьера изображать все это - эмоции были самыми искренними и настоящими. Во время своего визита в Канаду у Уинстона Черчилля была очень насыщенная программа, и потому для фотографа он нехотя нашел лишь несколько минут. Прибыв в фотостудию, Черчилль уже был не в духе и, стоя перед камерой, закурил сигару, что совершенно не устраивало фотографа. Тогда Карш подошел к премьеру и резко вырвал сигару из его губ. Портрет британского лидера, лучащийся неистовством и гневом, получился с первого кадра.

Особенности портретной живописи в творчестве К.А. Коровина на примере двух произведений "Дама с лампой" и "Две дамы на террасе"

1.2 Особенности русского портрета начала XX века. Художники - портретисты

В истории русской художественной культуры начала ХХ столетия было одним из блестящих периодов - плодотворным, разноликим, стремительным в своем развитии. Вначале ХХ века еще работали живописцы старшего поколения. Но важно не только, сколько блестящих талантов было, важно их невероятное многообразие, характеризующее в целом картину того времени.

Художники искали иных способов осмысления мира. Одни верили, что могут обрести непосредственный, ничем не осложненный взгляд на натуру. Пренебрегая анализом общественных отношений и сложностью человеческой психики, они открывали тихую поэзию повседневности. Другие, желая дать нечто вроде «художественной формулы» современности, напрягали образ, концентрируя в нем накал чувств людей нового века.

Новое время -- время больших надежд и свершений -- рождало потребность в монументальном стиле, в синтезе искусств. Художники мечтали о таком искусстве, которое вошло бы в жизнь, в быт людей, было бы способно формировать представление о мире и характер человека.

Интерес к синтезу, к «хоровому» искусству нашел яркое воплощение в театральной декорации, переживавшей в начале XX века небывалый расцвет. Тяготение к монументализму не означало отказа от станковых форм живописи. Оно реализовалось в первую очередь именно в станковых произведениях, так как возможности развития монументальной живописи как таковой были слишком ограничены. Характер станковой живописи сильно изменился, и это в свою очередь оказало влияние на характер развития декоративного, прикладного и монументального искусств. Сложные, противоречивые взаимоотношения различных форм художественного творчества стали специфической чертой искусства первых десятилетий XX века.

На рубеже столетия стоят три крупнейших художника В. Серов, М. Врубель, К. Коровин.

Портретная живопись Михаила Врубеля отличается от портретов, Серова и Коровина, писавших в стиле реализма. Он пытается разрабатывать свою оригинальную художественную манеру.

Врубель, при написание портрета оперирует символами.

В начале 20 столетия он был первым кто, обратился к символизму.

Художник блестяще владел даром сообщать мгновенному характер вечного.

Врубель мыслил не бытовыми категориями окружающей жизни, в своих портретах он оперирует “вечными” понятиями, мечтает поисках истины и красоты. В его творчестве фантазия соединена с реальностью, природа наделена способностью, чувствовать и думать, а человеческие чувства усилены.

В своих портретах художник показал светлое и темное начало человеческой души, возможность их одновременного существования и перетекания друг в друга. Это тема хорошо раскрыта в работе “Девочка на фоне персидского ковра ” и других полотнах последующего периода (Илл.1). Стремясь наиболее точно передать внутреннее состояние натурщика, Врубель совершал подлинные открытия в сфере художественной формы. Он “гранил” фигуры и лица их плоскостями, конструируя их форму. Постигал самоценность цветного пятна и добивался того, что бы краски на его полотнах сияли внутренним светом.

Врубель выводил образ человека из-под власти бытовой конкретности, обобщая его ради создания символа, вбирающего в себя большие человеческие страсти, страдания и надежды. Трудный переход к искусству у Врубеля произошел стремительно и бесповоротно.

Другой крупнейший живописец рубежа столетия - Валентин Серов. Начиная 80х годов 19 века и до конца жизни, Серов шел впереди и вел за собой других русских мастеров.

В работе над портретом Серов видел высшею цель художника. Он переводил свои образы в широкий общечеловеческий план, выражал в них понятия юности, красоты, счастья.

Его живопись словно улыбалась, радовала солнцем и воздухом, горела чистыми красками. Серов учился в малом выражать нечто большое.

Валентину Серову принадлежат наиболее известные портреты того времени. Один из них “Девочка с персиками” (Илл.2). “По мери постепенного углубления в содержание картину зритель понимает это не просто портрет это выхваченный из жизни момент. Образ созданный художником наполнен жизнью, умиротворением и спокойствием” Сарабьянов Д. Русские живописцы начала 20века. - Л.: Аврора, 1973, С.17..

Другой пример это “Девушка, освещенная солнцем” (Илл.3.). В нем художник представляет мастерство света. С помощью кистей и красок он смог отобразить красоту и гармонию мира в общественном потоки будней. Серов очень серьезно подходит к работе над портретом, его волновало не внешнее сходство, а внутренний мир модели. Со временем взгляд художника на модель становился все сильнее и зорче. Серов дает острую почти гротескную характеристику модели. Вмести с тем он создает формы героически, прекрасного. Художник очень часто пишет портреты художников, писателей, артистов. Само смотрение выразит представление о красоте человека в свидетельских его творческих возможностей показательно для мастера.

Позднее работы Серова вводят нас в проблематику “большого стиля”. По мысли Серова, это единственный стиль должен быть ощутим и в карандашном наброске и в портрете. Так это новая тенденция развития искусства 20 века получила ворожение в портретной живописи Валентина Серова.

Третьим художником был Константин Коровин. Своим творчеством он быстро повлиял на развитие русской живописи.

Его творческий путь был последователен. С самого начала художник шел к импрессионизму. Добиваясь, как и Серов непосредственности воспроизведения натуры и чистоты цвета. На протяжении своего творческого пути художник развивал принципы своего раннего творчества. Коровин писал пейзажи и портреты. Но чаще он обращался к жанру тематического портрета. Примером может служить полотно Коровина «У открытого окна. Портрет дочерей Ф. И. Шаляпина» (Илл.4.).

В работе над портретом Коровин предпочитал этюд как одну из форм станковой живописи, что совпадало с его импрессионистическим выделением натуры. Французы, становившиеся учителями Коровина, помоги ему понять все богатые возможности цвета”.

Природа наделила художника редким колористическим даром, и художник высоко развил его. Безукоризненно владея искусством живописи, всегда подчиняя гармонию, многокрасочную палитру мира, он создавал жизнеутверждающие образы, прославляя жизнь и ее краски. Уже в училище за Коровиным закреплялась репутация колориста.

Те мотивы, которых выбирал Коровин, давали ему повод для декоративного решения многих своих партнеров.

Почти в каждом холсте художника есть своя, пусть маленькая, цветовая “находка”, свое открытие. Он писал быстро и реалистично, легко и свободно. В его портретах ощущается смелость, вдохновение, обожание натуры, точное “ попадание”, которое еще при жизни художника заставляло критиков говорить об “абсолютном глазе” Константина Коровина.

Творчество Коровина являло собой лучший пример национального выражения импрессионистического портретного письма, которое стало достоянием в живописи начала 20 века.

Именно эти три художника В. Серов, М. Врубель, К. Коровин наиболее сильно повлияли на развитие портрета как жанра. Живя, на рубеже веков каждый из этих живописцев принес в портретную живопись, свой новый стиль. Продолжателями, которого стали последователи.

Так Михаил Врубель был первым художником, рисовавшим в стиле символизма. Творческий метод Врубеля отличался - он гранил фигуры плоскостями и добивался нового звучания цветового пятна.

Валентин Серов в своих портретах дает четкую характеристику внутреннего мира человека. На полотнах, но запечатлеет момент из жизни.

Константин Коровин принес в русский портрет импрессионизм и этюдное письмо в работах художника особо точно и ярко выражен цвет.

Все три художника оказали огромное влияние на формирование творческого метода друг друга. Так благодаря дружбе с Коровиным в ранних портретах Серова виден легкий намек на импрессионизм, а Врубель занимается лепкой фигуры при помощи мазка и поисками колористического решения.

Так при творческом симбиозе М.Врубеля, В.Серова К.Коровина появляется новый, отличающийся от раннего, портрет, характерный для начала искусства 20 века. Триумвират этих художников стоящих на рубеже веков, определил наиболее существенные успехи в искусстве Сарабьянов Д. Русские живописцы начала 20века. - Л.: Аврора, 1973, С.17..

"Серебряный век" российской культуры

1.1 Поэзия Начало ХХ века было расцветом русской поэзии, временем появления ярких творческих индивидуальностей, таких как К. Бальмонт, А. Блок, С. Есенин, И. Северянин, Н. Гумилев, А. Ахматова, М. Волошин, А. Белый и другие поэты...

Вклады культуры и искусства XX века в мировую цивилизацию

Культура Руси X века

Первым общегосударственным мероприятием, превосходящим по своей масштабности все внутриплеменные дела местных князей, было полюдье. Недаром это русское слово вошло и в язык греческого цесаря, и в язык скандинавских саг...

Культурная и духовная жизнь русского общества в XIX веке

Начало 19 века -- время культурного и духовного подъема в России, которому (особенно вначале) способствовала политика Александра I -- политика «просвещенного абсолютизма». Главными историческими событиями его эпохи...

Культурологический аспект развития Западной Европы начала ХIХ века

В ХIХ веке происходит формирование индустриального общества. Оно зародилось в XVIII веке и просуществовало еще до середины ХХ столетия. Европейская культура не могла не реагировать на экономические и социальные изменения в обществе...

Необычайный взлет отечественной культуры в первой половине 19 в. позволил назвать это время «золотым веком». Если в экономическом и социально-политическом развитии Россия отставала от передовых европейских государств...

Русская культура конца ХХ века. Архитектура постмодернизма

Культура постсоветской России (с 90-х гг. 20 в. - нач. 21 вв.) сложна и противоречива. При частичной ослабенности влияния государственного аппарата, при политической и идеологической многопартийности...

Русская портретная живопись ХIХ века

Русский портрет XVIII века

С середины XVII по середину XVIII века портрет был достоянием в основном придворных кругов -- будь то царская мемориальная «парсуна», парадный императорский портрет или изображения людей, так или иначе близких к верховной власти...

Творчество А.К. Саврасова

Творчество И.И. Шишкина

Искусство всегда чутко отзывается на все волнующие общество вопросы. Оно точно фиксирует подъем народного духа, национального сознания, революционной борьбы...

Творчество импрессионистов как проявление противоречивости исторической эпохи

Второй очаровательный женский портрет работы французского художника Франсуа Фламенга (Francois Flameng, 1856 – 1923).

Это уже 1911 год, и наряд дамы уже чётко соответствует всем особенностям моды . «Летящий» силуэт платья, узкая юбка, сильно открытые плечи, использование нескольких тканей: цветастый шёлк и шифон, как мне кажется. Причёска тоже своеобразная, не очень похожая на причёски самого начала 20 века.

Ещё мне бросилось в глаза обручальное кольцо на безымянном пальце левой руки дамы. Почему-то в Европе всегда носили (и вроде бы носят сейчас) обручальные кольца на левых руках, а не на правых. Вообще-то, на мой взгляд, это правильно, потому что более практично: ведь правой рукой мы чаще пользуемся, чем левой, и кольцо можно повредить, например, как-то поцарапать.

Francois Flameng. Portrait De Mme D, 1911 год

Наткнулась на сайт с фотографиями интерьеров, оформленных в серых и жёлтых тонах. Посетители сайта дружно раскритиковали работы. Была высказана мысль, что серое с жёлтым категорически не сочетается, а стало быть, и нечего мудрить.

И действительно, по фотографиям напрашивался такой вывод. Но мне сразу вспомнилась картина художника эпохи модерн Эмиля Вернона, где сочетание серого с жёлтым в костюме дамы выглядит необычайно эффектным. А ещё вспомнились слова одного модельера о том, что нет такого понятия, как «не сочетающиеся цвета», есть понятие «не сочетающиеся оттенки». То есть всё дело в выбранных оттенках, а также в том, какой оттенок превалирует, а какой идёт к нему довеском. Но именно довесок может сделать тот или иной интерьер или костюм. Например, если убрать с костюма дамы на картине жёлтую розу, он потеряет весь свой шик, хотя и останется элегантным.