Анри Эмиль Бенуа Матисс (Henri Matisse) . Родился в 1869 г. 31 декабря в Ле Като - умер в 1954 г. 3 ноября близ Ниццы в Симье. Будучи очень известным художником, произвёл настоящую революцию в истории , его зарождении и становлении как важного стиля изобразительного искусства. Французский художник изображал мир в очень понятных, выразительных и чистых композициях. В этих картинах нет ничего лишнего, только то, что Анри Матисс хотел донести до своего зрителя. В этом заключается весь фовизм и весь Матисс.
В 1892 году Матисс поступил в Парижскую Академию Жюлиана, где учился у самого А.В.Бугро. После обучения, с 1893 по 98 годы занимался живописью в мастерской школы Изящных Искусств Г.Моро. Моро разглядел в творчестве этого художника настоящий талант и предрекал ему большое будущее, в чём и оказался прав. В это время Анри копирует картины мастеров мировой живописи в Лувре, интересуется творчеством Делакруа, и др. С 1896 г. он начинает выставлять свои работы в салонах.
1901 год можно назвать годом становления художника. Он постепенно перестаёт копировать других художников и находит свое видение мира через картины. В частности, его палитра сильно светлеет, появляется своеобразная техника импрессионистского мазка. В 1904 году Анри Матисс пробует себя в дивизионизме и пуантилизме. Создаёт несколько отличных картин, где модерн, импрессионизм сочетался с точечной манерой письма. Таким образом, в конце концов, он приходит к фовизму. Первой картиной, в этом стиле, которую увидели зрители, стала “Женщина в зелёной шляпе”. Это произвело настоящий фурор во всей среде живописцев, ценителей и критиков и послужило налом становления нового жанра. В искусстве фовизма ему помогли не только европейские формы живописи, но и скульптура Африки (которая, кстати, послужил и началом становления кубизма), японская ксилография, арабское декоративное искусство.
Наверное, одна из самых знаменитых его картин является Танец . В настоящее время существует в двух версиях. Одна картина висит в Эрмитаже в Санкт-Петербурге (самая известная) вторая в Нью-Йорке в Музее современного искусства. Танец была создана в 1910 г. Это полотно было создано Анри Матиссом для Московского особняка С.И.Щукина. Перед тем, как отправить картину заказчику, он выставил её в Осеннем Салоне в Париже. Картину не поняли и высмеяли, называли художника создающим декадентствующий хлам ит.д. Пять обнажённых людей на вершине холма был нарисован всего тремя красками - зелёным, синим и красным. По прошествии времени, монументальное полотно Танец стало одним из самых ярких и значительных во всём творчестве Матисса.
Необходима качественная перевозка антиквариата или реликвий? В этом вам поможет перевозка культурных ценностей от компании «Юлэкс». Работа специалистов, использование специальных упаковочных материалов, аккуратная перевозка без риска повреждения ценных вещей.
Автопортрет
Итальянка
Женщина в шляпе
Красная комната
Красные рыбки
Мастерская художника
Одалиска в красных шароварах
Площадь в Сен-Тропе
Поднятое колено
Портрет Делекторской
Анри Матисс (фр. Henri Matisse; 31 декабря 1869, Ле-Като-Камбрези, Нор, Франция (Вторая французская империя) - 3 ноября 1954, Ницца, Франция) - французский художник и скульптор, лидер течения фовистов. Известен своими изысканиями в передаче эмоций через цвет и форму.
Биография Антри Матисса
Анри Эмиль Бенуа Матисс (фр. Henri Émile Benoît Matisse) родился 31 декабря 1869 года в городке Ле-Като-Камбрези, в Пикардии на севере Франции. Он был старшим сыном в семье Эмиля Ипполита Матисса и Элоизы Анны Жерар. Его детские годы прошли в соседнем городке Боэн-ан-Вермандуа, где отец, преуспевающий торговец зерном, держал лавку. Мать помогала отцу в лавке и занималась росписью керамики.
Анри, проучившись с 1882 по 1887 год в средней школе и лицее Анри Мартен в городке Сен-Кантен, уехал в Париж изучать юриспруденцию в Школе юридических наук.
В августе 1888 года, после окончания учёбы, молодой Анри получил право работать по специальности. Он возвратился в Сен-Кантен и устроился на работу клерком у присяжного поверенного.
В 1889 году у Анри случился приступ аппендицита. Когда он поправлялся после операции, мать купила ему принадлежности для рисования.
Анри впервые начал рисовать, копируя цветные открытки во время двухмесячного пребывания в больнице.
Это его так увлекло, что он, преодолев сопротивление отца, решил стать художником и записался в школу рисунка Кантен де ля Тур (фр. Ecole Quentin de la Tour), где обучались чертёжники для текстильной промышленности.
В 1891 году он оставил юридическую практику и снова приехал в Париж, где поступил в Академию Жюлиана. Анри учился у известного мастера салонного искусства, Виллиама Адольфа Бугро, готовясь к вступительным экзаменам в Школу изящных искусств (фр. École nationale supérieure des beaux-arts de Paris), куда, однако, не поступил.
В 1893 году он перешёл в Школу декоративных искусств (англ.)русск. (фр. École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris), где познакомился с юным Альбером Марке. В 1895 году оба выдержали вступительные экзамены в Школу изящных искусств и были приняты в мастерскую Гюстава Моро, у которого с 1893 года они обучались в качестве приглашенных студентов. Здесь Анри познакомился с Жоржем Руо, Шарлем Камуэном, Шарлем Мангеном и Анри Эвенепулом.
В 1894 году в личной жизни художника произошло знаменательное событие. Его модель Каролина Жобло (фр. Caroline Joblau) родила дочь Маргариту (1894-1982).
Лето 1896 года он провёл на острове Бель-Иль у побережья Бретани, вместе с Эмилем Бери, соседом по лестничной площадке в Париже.
10 января 1898 года Анри Матисс женился на Амели Парейр (фр. Amélie Noellie Parayre), которая родила ему сыновей Жана-Жерара (1899-1976) и Пьера (1900-1989). Его незаконнорожденная дочь, Маргарита также была взята в семью. Жена и дочь были любимыми моделями художника.
Испытывая серьезные денежные затруднения, он поступил на работу в качестве художника-декоратора. Вместе с Альбером Марке занимался декорированием объектов для Всемирной выставки в Гран-Палэ, в Париже в 1900 году. Работа была изнурительной, и Анри заболел бронхитом. В 1901 году, после недолгого лечения в Швейцарии, где он продолжал много работать, некоторое время Анри провел вместе с семьей у родителей в Боэн-ан-Вермандуа. В те дни художник был настолько расстроен, что даже думал отказаться от занятия живописью.
Творчество Матисса
Поиск самого себя, личностного авторского стиля является необходимым условием развития для любого талантливого мастера кисти. Рано или поздно каждый из великих художников находил свои уникальные методы и приемы, свойственные его индивидуальной манере, руководствуясь при этом сформировавшимся личностным пониманием роли живописи и собственным видением окружающего мира. Но из всякого правила обязательно должны быть исключения, лишь подтверждающие это правило. Одним из таких исключений был знаменитый художник Анри Матисс.
Творчество этого человека невозможно охарактеризовать в рамках какого-либо отдельного направления, поскольку он постоянно выходил за любые ограничивающие его рамки, снова и снова устремляясь туда, где до него никто еще не бывал.
Всю свою жизнь Анри Матисс находился в безостановочном поиске. В стремлении к максимально эффектной и одновременно гармоничной выразительности он менял свои художественные инструменты и менялся сам.
Parade, Platanes
Polynesia, La Mer
Red Interior. Still Life on a Blue Table
Музей в Ницце, посвященный жизни и творчеству мастера, открывает взглядам удивленных посетителей живопись и рисунок, оконные витражи и керамику, скульптуру и бумажные коллажи. В каждом из этих направлений и в целом ряде других Анри Матисс сумел сказать свое особое слово, оставившее яркий след в искусстве.
Влияние импрессионизма и дивизионизма, собственные эксперименты с цветовыми контрастами очень сильно сказались на ранних произведениях художника. Его картины и картины его товарищей Вламинка, Дерена, Руо и Марке, выставленные в Осеннем Салоне 1905 года, критики назвали «дикими», отсюда и произошло название нового направления – «фовизма».
Впоследствии Анри Матисс под влиянием различных впечатлений неоднократно менял стиль, манеру и технику, осваивал новые средства творческого самовыражения. Ряд удачных знакомств, в том числе с Пикассо и с русским коллекционером Щукиным, помогли ему улучшить материальное положение, и художник совершил несколько путешествий.
В Марокко он увлекся восточными декоративными узорами и орнаментами, в Мюнхене испытал сильные чувства на выставке произведений исламского искусства, в России был потрясен иконами, на Таити восхищался цветочными композициями.
Однако всякий раз, подчиняясь на время новому сильному впечатлению, Матисс впитывал его, как губка, а затем творчески перерабатывал в соответствии с собственным мироощущением.
Анри Матисс всегда чувствовал в цвете силу, способную подчеркнуть ощущение. В своих произведениях он заставил цвет излучать свечение и ритмическую танцевальную пульсацию. Стремясь к максимальному выражению целого, художник удалял все несущественные детали и предельно упрощал формы, считая вредным и ненужным все, что не влияло напрямую на эмоционально-энергетический импульс.
Многие его композиции кажутся обманчиво простыми, но за каждой из них стоит титанический творческий труд, создающий поразительное напряжение этой «кричащей» простоты.
В последние годы жизни при помощи обыкновенной цветной бумаги и ножниц Анри Матисс создавал аппликации, производившие потрясающий эффект симфонического цветового звучания, ритмической музыкальности линий и абсолютной композиционной гармонии.
После смерти художника Пабло Пикассо коротко и емко охарактеризовал его творчество одной фразой «Матисс всегда был единственным и неповторимым».
Одна из картин Матисса - «Les coucous, tapis bleu et rose» - в феврале 2009 года была приобретена частным коллекционером во время торгов в аукционном доме Кристис за 32 миллиона евро. Натюрморт был создан художником в 1911 году.
Часовню Розер (Ванс, Франция) часто называют часовней Матисса (Chapelle Matisse). Дело в том, что она построена в 1949-1951 годах по проекту Анри Матисса. Художника об этом попросила бывшая натурщица Моник, а затем сестра Жак-Мари, постригшаяся в монахини. Матисс изготовил витражи, украсил зал часовни, сделал эскизы церковной одежды.
Колльюр (Франция) — родина фовизма. Именно здесь были нарисованы первые картины нового направления живописи. Здесь бывали Пабло Пикассо, Альбер Марке, Рауль Дюфи, а также Марк Шагал и другие знаменитые художники. Колльюр они выбирали из-за света и цвета. «Нет неба синее, чем в Колльюре», — говорил Анри Матисс.
Отель «Золотая голубка» в Сен-Поль-де-Вансе дышит невероятными рассказами и легендами о знаменитостях. По слухам, что однажды Анри Матисс приехал в «Голубку» очень усталым, и ему подали чашку чая прямо в автомобиль. Известная работа Анри Матисса «Чай в саду» (Tea in the Garden).
Матисс Анри Эмиль Бенуа (1869- 1954), французский живописец, график и скульптор.
Учился в Париже, в академии Жюлиана (с 1891 г.) у А. В. Бугро, в Школе декоративных искусств (с 1893 г.) и в Школе изящных искусств (1895- 1899 гг.) у Г. Моро.
Как и большинство учеников живописца того времени, копировал произведения старых французских и голландских мастеров.
Испытал влияние неоимпрессионизма (главным образом П. Синьяка), П. Гогена, искусства Арабского Востока, в известной мере - древнерусской иконописи (одним из первых на Западе оценил её художественные достоинства; в 1911 г. посетил Москву).
В 1905-1907 гг. Матисс становится лидером нового художественного направления - фовизма. Начиная со второй половины 1900-х гг. он находит свой стиль, который характеризуется лаконичным рисунком, контрастным сочетанием немногих цветовых зон (панно «Танец» и «Музыка» для особняка С. И. Щукина в Москве, оба 1910 г.) или богат оттенками одного основного тона, полупрозрачными и не скрывающими фактуру холста («Мастерская художника», 1911 г.).
В работах Матисса второй половины 10-х гг. заметно воздействие кубизма («Урок музыки», 1916- 1917 гг.); произведения 20-х гг., напротив, отличаются непосредственностью, колористическим многообразием, мягкостью письма (серия «Одалиски»).
В 30-40-х гг. художник сочетает открытия предыдущих периодов, декоративность фовизма с аналитически чётким построением композиции (фриз «Танец» в Музее Барнеса, 1931-1932 гг.) и с тонко нюансированным цветовым строем («Ветка сливового дерева», 1948 г.).
Постоянные мотивы в его творчестве - танец, идиллические сцены, узоры ковров и тканей, плоды, вазы и статуэтки («Красные рыбы», 1911г.; «Натюрморт с раковиной», 1940 г., и др.). Матисс предпочитает оперировать линией - тонкой, иногда прерывистой, иногда долгой и круглящейся, прорезающей белый или чёрный фон (серия «Темы и вариации», 1941 г.; иллюстрации к «Стихам» С. Малларме, к «Пасифае» де Монтерлана, к «Стихам о любви» П. де Ронсара).
В 40-х гг. художник часто прибегает к технике аппликаций из цветной бумаги (серия «Джаз», 1944- 1947 гг.). К скульптуре Матисс обращался с начала 1900-х гг., но особенно часто в 20- 30-х гг. (рельеф «Обнажённая женская фигура со спины», 1930 г.).
Его последняя работа - оформление интерьера (в том числе витражи) «Капеллы чёток» в городке Ване близ Ниццы (1953 г.).
Биография
Анри Эмиль Бенуа Матисс родился в пос ледний день 1869 года в городке Ле Ка то-Камбрези на северо-востоке Франции в семье торговца зерном и красками. Детство Матисса было счастливым. Наверняка не последнюю роль сыграла в судьбе мальчика его мать — обладая артистической натурой, она, помимо работы в семейной лавке, занималась изготовлением шляпок и расписывала фарфор.
После окончания школы Анри учился в Париже на юриста. Получив диплом, он работал помощником адвоката в Сен-Квентине. Работа казалась Матиссу бесконечно скучной. Поворотным моментом в его жизни стала болезнь. Чтобы как-то «развеять» сына, когда он выздоравливал после операции, сделанной по поводу аппендицита, мать подарила ему коробку красок. «Когда я начал писать, — вспоминал позже Матисс, — я почувствовал себя в раю...»
Добившись разрешения отца, он отправился учиться на художника в столицу, где в октябре 1891 года поступил в Академию Жюлиана. Отношения с Адольфом Бугро, в чью мастерскую он попал, у Матисса не сложились, и вскоре он перешел в Школу изящных искусств к Поставу Моро. Это была судьба. Во-первых, Моро оказался прекрасным педагогом; во-вторых, здесь, в его студии, начинающий художник подружился с Альбе-ром Марке и Жоржем Руо, своими будущими соратниками по фовизму.
01 - Обеденный стол, 1897
02 - Голубой горшок и лимон, 1897
03 - Фрукты и кофейник, 1899
По совету Моро, он прилежно копировал работы старых мастеров в Лувре. Идеи мастера, считавшего, что главное в живописце — его умение выразить в красках свое отношение к миру, нашли живой отклик в душе молодого Матисса. Что касается его тогдашней манеры письма, то она была близка к импрессионистической. Но цвет, поначалу приглушенный, постепенно набирал силу и уже тогда начинал приобретать самостоятельное значение в работах художника, увидевшего в нем «силу, способную подчеркнуть ощущение».
04 - Посуда на столе, 1900
05 - Посуда и фрукты, 1901
06 - Очертания Нотр-Дам ночью, 1902
07 - Мастерская на чердаке, 1903
Жил Матисс в это время трудно. У него была внебрачная дочь, требовавшая заботы. В 1898 году художник женился на Амели Перейр. Свой медовый месяц молодожены провели в Лондоне, где Матисс увлекся творчеством великого мастера цвета Тернера. По возвращении во Францию супруги уехали на Корсику (удивительные краски Средиземноморья после этого ворвались на полотна живописца). У Анри и Амели один за другим родились два сына. Матисс, испытывавший недостаток в средствах, оформлял театральные спектакли, а Амели открыла шляпную мастерскую. Около этого времени Матисс познакомился с виднейшим последователем Сера Полем Синьяком и увлекся дивизионизмом, смысл которого заключался в письме отдельными точками чистого основного цвета. Это увлечение дало о себе знать в ряде его работ.
08 - Мадам Матисс, 1905
Образ мадам Матисс выглядит монументальным, хотя на самом деле полотно невелико по размеру. Это впечатление провоцируют цветовые контрасты, заставляющие лицо героини доминировать на полотне. Вооб ще, в цветовом отношении это почти гениальное произведение. Знаменитая зеленая полоса, обозначающая нос, перекликается по тону с тенями, а те, в свою очередь, контрастируют с розовыми телесными тонами.
Фона в привычном понимании в этой работе нет. Пространство позади фигуры заполнено тремя цветовыми плоскостями, написанными так же смело, как и лицо мадам Матисс. Эти плоскости играют в картине важную роль — в том числе и композиционную. Лицо героини написано более мелкими мазками, чем ее платье и фон картины. Художник углубил черты лица с помощью тонкой штриховки и наложения телесных тонов. Волосы жены художника написаны синей и черной краской с вкраплениями красного. Прическа мадам Матисс могла бы перегрузить композицию, но ее уравновешивает яркий бирюзовый фон. Матисс всегда стремился изображать не сам предмет, а свое отношение к увиденному. Темные глаза и изгиб бровей выдают в мадам Матисс сильную натуру. Такой, наверное, воспринимал художник свою жену.
Лето 1905 года Матисс провел на южном побережье Франции. Там начался его отход от техники дивизио-низма. Художник с головой ушел в эксперименты с цветом, пробуя создавать на полотне немыслимые до той поры цветовые контрасты. В Осеннем Салоне 1905 года он выступил совместно с Вламинком, Дереном и Марке. Их картины критики нашли «еретическими». Самих авторов Л. Воксель назвал «дикими» — от этого французского слова и родилось название нового художественного направления («фовизм»), не без гордости принятое молодыми революционерами от живописи.
09 - Площадь в Сен-Тропе, 1904
Поклонники этой группы нашлись сразу. Лео Стайн и его сестра, Гертруда (знаменитая писательница), приобрели нашумевшую картину Матисса «Женщина в шляпе», а Поль Синьяк купил его работу «Роскошь, покой и наслаждение». Стайны подружились с художником. Эта дружба в его судьбе значила многое. Новые приятели познакомили Матисса с юным тогда Пикассо, рядом влиятельных критиков и русским коллекционером С. Щукиным. Все это заметно улучшило материальное положение живописца. Он переехал в новый дом в Исси-де-Мулино и предпринял несколько больших путешествий, посетив Северную Африку, Испанию, Германию и Россию.
10 - Женщина в шляпе, 1905
11 - Роскошь, покой и наслаждение, 1904
Как в некоторых сценах купания у Сезанна, герой картины (считается, что это автопортрет автора) одет, в то время как находящиеся рядом с ним женщины обнажены. Дерево обрамляет сцену справа, перекликаясь с мачтой стоящей у берега яхты. Черная тень , отбрасываемая вытирающей волосы женщиной, придает ее фигуре обтьем и плотность. Здесь уже наблюдается отход Матисса от аксиом дивизионизма. Он отказывается писать тень разноцветными «точками», которые в глазах зрителя должны смешиваться, давая «в сумме» черный цвет.
Когда Матисс писал эту картину, ему было 34 года и он находился под очевидным влиянием пуантилизма (это, что называется, лежит на поверхности), которым его «заразил» Поль Синьяк. Работа, выставленная в Салоне независимых 1905 года, произвела большое впечатление на зрителей. Чуть позже ее купил Синьяк для своего дома в Сен-Тропезе.
Стилистика тут дивизионистская, но композиция об наруживает влияние Сезанна - прежде всего, его знаменитых «Трех купальщиц», приобретенных, кстати, восхищенным Матиссом у Амбруаза Воллара в 1899 году. Еще один композиционный источник - легендарный «Завтрак на траве» Мане. Полувеком ранее Мане представил публике свою скандально известную картину, где на переднем плане мы видим такую же, как у Матисса, расстеленную на земле белую скатерть. Все остальное здесь придумал сам Матисс. Среди его находок отметим искусно подобранные контрастные оттенки пурпурного и зеленого цвета. Неплохим смотрится и название этого произведения, заимствованное у Бодлера.
В 1909 году С. Щукин заказал Матиссу два панно для своего московского особняка — «Танец» и «Музыка». Работая над ними, художнику удалось достичь абсолютной гармонии формы и цвета. «Мы стремимся к ясности, упрощая идеи и смыслы, — позже объяснял он. — "Танец" написан мной всего тремя красками. Синий цвет передает небо, розовый — тела танцоров, а зеленым цветом изображен холм». «Русский» след в жизни художника становился все явственнее. И. Стравинский и С. Дягилев предложили ему оформить балет «Песнь соловья». Матисс согласился — впрочем, премьера спектакля состоялась только в 1920 году, после окончания Первой мировой войны.
12 - Танец, 1909
13 - Музыка, 1910
В военные годы Матисс (не попавший в армию по возрасту) активно осваивал новые художественные области — гравюру и скульптуру. Он подолгу жил в Ницце, где мог спокойно писать. С женой Матисс виделся все реже и реже. Это было своеобразное отшельничество, очарованное служение искусству, которому он теперь посвятил всего себя. Признание художника, между тем, давно перешагнуло границы Франции.
14 - Марокканский пейзаж, 1911-1913
15 - Красные рыбки, 1911
16 - Портрет жены художника, 1912-13
Его картины выставлялись в Лондоне, Нью-Йорке и Копенгагене. С 1927 года активно участвовал в организации выставок отца его сын, Пьер. Тем временем Матисс продолжал пробовать себя в новых жанрах. Он иллюстрировал книги Малларме, Джойса, Ронсара, Бодлера, создавал костюмы и декорации к постановкам Русского балета. Не забывал художник и о путешествиях, объехав Соединенные Штаты и проведя три месяца на Таити.
17 - Ивонна Ландсберг, 1914
18 - Три сестры. Триптих, 1917
19 - Лауретт с чашкой кофе, 1917
20 - Обнаженная спина, 1918
21 - Мавританская ширма, 1917-1921
22 - Монтальбан, 1918
23 - Интерьер с футляром от скрипки, 1918-1919
24 - Чёрный стол, 1919
25 - Женщина перед аквариумом, 1921
26 - Открытое окно, 1921
27 - Поднятое колено, 1922
В 1930 году он получил заказ от Альберта Барнса на настенную роспись, которая должна была украсить здание барнсовского собрания живописи в Мерионе, пригороде Филадельфии. Темой росписи Матисс вновь выбрал танец (как и 20 лет назад, когда работал для Щукина). Он вырезал огромные фигуры танцоров из цветной бумаги и пришпиливал их к огромному холсту, пытаясь найти максимально выразительную и динамичную композицию.
Во время этих предварительных штудий пришло сообщение, что ошиблись с размерами росписи, и художник принялся все переделывать, исходя из нового «техзадания». Принципы расположения фигур при этом не изменились. В результате на свет появились две фрески, написанные на один и тот же сюжет. Первый вариант выставлен сейчас в парижском Музее современного искусства, а второй, исправленный, находится в Фонде Барнса, для которого он и предназначался.
28 - Танец, 1932-1933
С началом Второй мировой войны Матисс чуть не уехал в Бразилию (была уже готова виза), но в конце концов передумал. В несколько последующих лет ему пришлось многое пережить. В 1940 году он официально оформил развод с Амели, а чуть позже у него обнаружили рак желудка. Художнику сделали две очень сложные операции. На долгое время Матисс оказался прикованным к постели.
29 - Розовая обнажённая, 1935
30 - Портрет Делекторской, 1947
Одной из сиделок, ухаживавших за больным Матиссом, была Моника Буржуа. Когда спустя годы они встретились вновь, Матисс узнал, что его знакомая переболела туберкулезом, после чего приняла постриг под именем Жак-Мари в доминиканском монастыре в Вансе. Жак-Мари попросила художника исправить ее эскизы витражей для монастырской Капеллы Четок. Матисс, по собственному признанию, увидел в этой просьбе «поистине небесное предначертание и некое Божественное знамение». Оформлением Капеллы он занялся сам.
31 - Интерьер Капеллы чёток в Вансе. Слева: дерево жизни, цветное стекло. Справа: св. Доминик, керамическая плитка, 1950
На протяжении нескольких лет художник самозабвенно работал с цветной бумагой и ножницами, не упуская из виду ни одной детали убранства Капеллы — вплоть до подсвечников и священнических облачений. Старый приятель Матисса, Пикассо, иронизировал по поводу его нового увлечения: «Не думаю, что ты имеешь на это моральное право», — писал он ему. Но того ничто не могло остановить. Освящение капеллы состоялось в июне 1951 года.
32 - Полинезия, море, 1946. Вырезка из бумаги, гуашь
33 - Ню, голубая IV, 1952. Вырезка из бумаги
Матисс, по болезни не сумевший присутствовать при этом, отправил письмо архиепископу Ниццы: «Работа над Капеллой потребовала от меня четырех лет исключительно усидчивого труда, и она, — характеризовал художник свой труд, — результат всей моей сознательной жизни. Несмотря на все ее недостатки, я считаю ее своим лучшим произведением». Жизнь его была на исходе. Он скончался 3 ноября 1954 года, в возрасте 84 лет. Пикассо оценил его роль в современном искусстве коротко и просто: «Матисс всегда был единственным и неповторимым».
Другие направления
Одалиски
Интересом Матисса к Востоку продиктовано и создание серии картин, изображающих одалисок (обитательниц гаремов). Подобные сюжеты издавна пользовались популярностью среди французских художников. Одалисок писали Энгр, Делакруа и Ренуар. Наверное, не без влияния творчества этих живописцев Матисс захотел поехать в Марокко и своими глазами увидеть восточный гарем.
34 - Одалиска в красных шароварах, 1917
35 - Одалиска с турецким стулом, 1928
На его картинах «Одалиска в красных шальварах» и «Одалиска с турецким стулом», обитательницы гарема изображены на декоративном фоне, в характерных восточных нарядах. Эти картины как нельзя лучше отражают влечение художника, с одной стороны, к простой форме, а с другой - к затейливому восточному орнаменту.
36 - Одалиски в прозрачной юбке. Чёрно-белая литография, 1929
Узорчатая ткань
Декоративные свойства и красота узорчатой ткани завораживали многих живописцев. Случалось, что именно такая ткань становилась центром всей композиции.
Матисс любил узорчатые ткани. Стены его мастер-ской были обиты яркой тканью, вдохновлявшей художника на соз-дание декоратив-ного фона, столь часто встречаю-щегося на его кар-тинах. При этом совершенно оче-видно, что среди узоров Матисс отдавал предпоч-тение цветочным орнаментам.
В истории жи-вописи можно найти немало та-ких же любите-лей всего этого. Так, на картине Гогена «Две таитянки на берегу моря» (1891) узор, присутствующий на одежде одной из деву-шек, становится органичной частью цветового решения всей композиции. В произведениях Климта яркие ткани часто сливаются с декора-тивным фоном, образуя фантастический узор, сосуществующий с реальными элементами ком-позиции.
Гоген "Две таитянки на берегу", 1891
Энгр "Портрет мадам Муатессье", 1856
Нередко писал ткань и Энгр. На его знаменитом «Портрете мадам Муатессье» (1856) героиня изображена в роскошном платье из узорчатой ткани. Некоторые критики, кстати, обвиняли автора в том, что великолепно выпи-санная ткань здесь отвлекает внимание от самой мадам Муатессье. Именно эта картина Энгра вдохновила Матисса на создание «Дамы в голу-бом» (1937).
37 - Дама в голубом, 1937
Скульптура
Заниматься скульптурой Матисс начал в двадцатилетнем возрасте и на протяжении последующих трех десятилетий не оставлял этих занятий, которые были для него и своеобразным «отдыхом» от живописи, и лабораторным исследованием, помогающим решить некоторые проблемы «построения» формы и объема. В основе его взгляда на скульптуру лежали, в общем-то, «живописные» идеи (искусство есть не копирование реальности, а выражение художнического мирочувствия), подтверждением чему служит, например, «Лежащая обнаженная», 1906.
38 - Лежащая обнаженная, 1906
Художник и в скульптуре продолжал поиски простой формы - вспомним хотя бы скульптурные изображения головы Жанетты, созданные Матиссом в 1910-13 годах. «Жанетта I» выполнена в реалистической манере, но в дальнейшем та же голова претерпевает характерные превращения, стремясь принять более абстрактную форму.
39 - Жанетта
Джаз
В 1947 году Матисс получил предложение собрать альбом «импровизаций в цвете и ритме» под названием «Джаз», который бы явился визуальным аналогом композиций знаменитых джазовых музыкантов Луи Армстронга и Чарли Паркера. Работая над ним, художник вырезал фигуры из листов окрашенной гуашью бумаги, «лепя скульптуры живым цветом» и «оживляя» свои детские воспоминания о катании на санках, цирковых клоунах, гимнастах и ковбоях.
Пара ножниц стала инструментом, позволившим ему решить актуальные проблемы цвета, формы и пространства. «Бумажные силуэты, - цитируем Матисса, - дают мне возможность писать чистым цветом, и эта простота гарантирует точность. Это не возвращение к истокам, это конечный пункт поисков».
40 - Икар, 1947
41 - Цирк, 1947
42 - Лошадь, всадник и клоун, 1947
43 - Санки, 1947
Ницца
Впервые Матисс приехал в Ниццу в 1917 году и сразу же влюбился в этот город. Художника абсолютно очаровал здешний свет - «мягкий и тонкий, несмотря на свой блеск». Матисс как-то признался одному из своих друзей: «Когда я понял, что могу каждое утро просыпаться среди этого света, я готов был умереть от счастья. Только в Ницце, вдали от Парижа, я забываю обо всем, спокойно живу и свободно дышу».
Пребыванием в Ницце обусловлен целый период в творчестве Матисса - из самых плодотворных. Здесь он написал свыше пятидесяти своих одалисок, а также ряд домашних сцен и серию видов из окна - таких, как «Женщина у окна» .
44- Женщина у окна, 1924
45 - Интерьер, Ницца, 1919
Бумажные женщины
В последние годы своей жизни Матисс не прекращал экспериментировать (он, впрочем, не уставал это делать никогда). Очередным его увлечением стала «живопись» посредством вырезанных из бумаги фигур.
46 - Цумла, 1950. Вырезка из бумаги
К 1952 году матиссовская простота еще более «упростилась»; характернейшая работа этого ряда — «Купальщица в тростниках». В том же году Матисс создал не менее дюжины своих «голубых обнаженных», изображенных в расслабленных позах. Они вырезаны из цветной бумаги и размещены на белом фоне. Как и во многих других случаях, эти композиции кажутся обманчиво простыми. На самом же деле их «кричащая» простота маскирует тут поистине титанический труд мастера.
Создание картины
Процесс создания некоторых своих картин Матисс запечатлел на фотографиях, позволяющих проследить за его кропотливым поиском «последней» композиции. Работая над «Румынской блузой» (и другими полотнами), художник стремился к упрощению формы и приданию ей большей монументальности. Существует 15 фотографий «Румынской блузы» на разных этапах ее «рождения». Из них мы выбрали наиболее показательные.
На первой стадии работы Матисс изобразил свою героиню сидящей на стуле. Богато расшитая румынская блуза «играет» с красочным фоном, в качестве которого написаны обои, украшенные цветочным орнаментом.
На второй стадии фигура сохранила свое положение — по диагонали холста, — но теперь художника больше занимает «рифмовка» пышного рукава блузы и изогнутой спинки стула. Рисунок обоев здесь становится проще и крупнее (чтобы впоследствии вообще исчезнуть).
На третьей стадии меняется форма локтя и сложенных ладоней девушки, опять же упрощаясь и как бы устремляясь к форме круга. Стул и обои еще присутствуют здесь, но уже на четвертой стадии Матисс совершает резкую композиционную модернизацию картины. Исчезают стул и обои. Четкий узор вышивки на блузе сохраняется, но фигура героини, слегка выпрямляясь и на глазах «вырастая», заполняет собой почти все пространство картины и в целом принимает отчетливую форму сердечка. Голова девушки оказывается частично срезана верхним краем полотна.
«Румынская» блуза» — очень показательное для Матисса произведение. Стоит вдуматься, что происходило в 1940 году когда оно создавалась, в мире и что изображено на картине. Кажется, что Матисс вовсе не замечает страшных «разломов», исказивших современный ему мир.
Да так, наверное, и было, по большому счету. Матисс — последовательный утопист. Он жил как бы на «другой» планете. И призывал всех нас последовать его примеру. Потому что тогда бы «другая» планета Матисса стала «нашей». Стала реальностью.
Мы посчитали возможным привести здесь некоторые мысли художника об искусстве. Нам кажется, что лучшего комментария к представленному шедевру не найти. Итак.
"Выразительность, с моей точки зрения, не заключается в страстях, пылающих на человеческом лице или выражаемых в неистовых движениях. Вся композиция моей картины экспрессивна: занимаемые фигурами места, пустые пространства вокруг, пропорции — все играет свою роль. Композиция есть искусство расположения в том или ином декоративном порядке различных компонентов целого с целью выразить чувства художника. В картине каждая часть заметна, и каждая играет предназначенную ей роль, будь то роль ключевая или второстепенная. Отсюда следует, что все то, что не играет полезной роли в картине, является вредным. "
"Я не могу рабски копировать натуру. Я вынужден интерпретировать натуру и подчинять ее духу моей картины. Отношения, найденные между тонами, должны привести к живой гармонии тонов, к гармонии, аналогичной музыкальной композиции."
"Что меня более всего интересует, так это не натюрморт и не пейзаж, а человеческая фигура. Она более всего дает мне возможность выразить мое почти религиозное преклонение перед жизнью. Я не стараюсь запечатлевать все детали лица, и мне не обязательно передавать их с анатомической достоверностью. О чем я мечтаю, так это об искусстве равновесия, чистоты и безмятежности, в котором не было бы ничего угнетающего или внушающего заботу."
Поясним некоторые моменты финальной версии:
Красное и розовое
Матисс располагает свою героиню на густом красном фоне, который контрастирует с ее ярко-розовым лицом. Толстыми черными линиями художник намечает прическу; а краску на самих волосах соскабливает так, что сквозь нее начинает проступать белая грунтовка холста.
Контурная линия
Может показаться, что Матисс наносит краску совершенно спонтанно, но на самом деле художник тщательно продумывает каждый свой штрих. Краска на горле девушки нанесена грубыми мазками — так, что на холсте остаются заметными отдельные штрихи. Часть шеи обведена черной контурной линией, в то время как граница между шеей и одеждой образуется лишь путем контрастного сопоставления розового и белого цветов.
Красное и синее
Четкую линию, отделяющую написанную холодным синим цветом юбку от раскаленного красного фона, можно считать предвестницей будущих композиций Матисса, которые он вырезал из цветной бумаги.
Лицо
Лицо девушки принимает овальную форму и дополняется стилизованными, слегка смещенными от центра, чертами. Так, подбородок явно сдвинут влево (по направлению взгляда зрителя). Черные миндалевидные глаза девушки смотрят на нас с отрешенным спокойствием.
Вышивка
Изображенная здесь румынская блуза встречается еще в нескольких работах Матисса. В данном случае удлиненные «ветви с листьями» ее вышивки служат композиционными осями. Одна ветвь образует главную диагональ композиции, а вторая направлена перпендикулярно нижнему краю картины.
Сложенные руки
девушки фиксируют нижнюю точку «сердечка», сторонами которого являются пышные рукава белой блузы. Контуры рук девушки написаны легкими мазками черной краски, а сами руки закрашены розовой краской. Просвечивающая белая фунтовка оживляет их, позволяя художнику «ухватить» световые блики.
Ориентализм
Впервые Матисс посетил Северную Африку в 1906 году - по его собственному признанию, чтобы «увидеть своими глазами пустыню». В 1912 году он еще дважды ездил туда. За несколько лет до первой поездки в Марокко на художника произвели глубокое впечатление выставленные в Париже африканские скульптуры. В 1910 году он посетил в Мюнхене выставку исламского искусства, а позже исколесил Испанию в поисках «мавританского следа» в культуре этой страны.
Во время своего длительного пребывания в Марокко (он жил в Танжере) Матисс очаровался природой и красками Северной Африки. Здесь он написал знаменитые картины «Окно в Танжере» и «Вход в каз-ба».
47 - Окно в Танжере
48 - Вход в каз-ба
Исповедание веры, которому Матисс отдался в это время: цвет не должен имитировать свет, но сам должен превращаться в источник света. Он стремился найти такие контрасты цвета, которые излучали бы свет сами по себе. Период увлечения фовизмом (который, по большом) счету, Матисс и придумал) зафиксировал отход Матисса от «сладкого» неоимпрессионистского цвета. Жизни этому увлечению было отпущено около двух лет. Когда живописец создавал свою «Женщину в шляпе» (1905), он хотел лишь показать потенциальные возможности чистого цвета. Его картина полыхает яркими красками, столь рассердившими парижских критиков и ценителей искусства. Сердить, между тем, Матисс никого не собирался.
В своих «Заметках художника», опубликованных в 1908 году, он писал: «Я мечтаю достигнуть в своей живописи гармонии, чистоты и прозрачности. Я мечтаю о картинах, которые станут успокаивать, а не будоражить зрителя; о картинах, уютных, как кожаное кресло, в котором можно отдохнуть от груза забот» .
Не все работы Матисса удовлетворяют этому идеалу, но в лучших из них он приближается к решению поставленной самому себе задачи. За распахнутыми окнами художника открываются прекрасные пейзажи, а глубокое небо его морских пейзажей написано таким цветом, от которого перехватывает дыхание и начинает кружиться голова. Его одалиски — это носительницы божественной гармонии, а не сексуального чувства (оно ведь, поопределению, беспокойно). Матиссу пришлось «хлебнуть» страшного XX века, но жестокости и страданий в его творчестве нет и в помине.
Он — психолог, «врачеватель» ран; его картины представляют собой островок тишины и мира — то есть как раз того, чего так не времен, теперь его цвет усложнился; «контролировать» его стало гораздо труднее. Художник постоянно испытывал два противоположных стремления. С одной стороны, его увлекали чистый цвет и простая форма, с другой — пышный орнамент. Он запросто «разбирал» картину на простейшие цветные формы (как в случае с вырезанными из цветной бумаги силуэтами), но следом мог вернуться к искусным узорам, спиралям, зигзагам, из которых складывался декоративный орнамент, напоминающий ковер, обои или яркую ткань. И это было отражением каких-то борений, происходивших в душе художника.
Он стремился к тому, чтобы его искусство оказалось «бальзамом для души», но при этом порой не справлялся с влечением к красочному, пышному узору. Матисс очень любил персидскую миниатюру — с ее волнующими воображение спиралями, золотыми листьями, плоскими пятнами чистого цвета, но не менее сильно притягивали его и примитивные африканские скульптуры. Работы Матисса из серии «одалисок» со всей очевидностью обнаруживают это противоречие. Женщины, написанные лишь несколькими тщательно продуманными линиями, напоминают упрощенные скульптуры, в тохватало обитателям XX века.
По Матиссу, искусство принадлежит к идеальной сфере, где нет места политическим страстям, экономическим потрясениям и бесчеловечным войнам. Однажды он сказал Пикассо: «Писать можно только тогда, когда ты находишься в молитвенном настроении» . Позже художник уточнил свою мысль: «Нас с тобой роднит то, что мы оба стараемся воспроизвести на полотне атмосферу первого причастия» .
И это религиозное отношение к живописи — характерная черта живописи Матисса. Поворотный пункт в его творчестве — создание двух панно по заказу С. Щукина. Выполняя этот заказ, художник резко ограничил свою палитру. В «Музыке» и «Танце» цвет пульсирует и излучает свет, становясь главным формообразующим фактором.
Увлекшись на склоне лет вырезанными из цветной бумаги фигурами, Матисс наверняка вспоминал свои постижения времен «Танца». Но, в отличие от тех время как фон, на котором они изображены, полыхает живым цветом и поражает разнообразием фигур и узоров.
Вырезанные из бумаги композиции Матисса последних лет его жизни показывают нам финал его творческой одиссеи. Все они суть показательные примеры виртуозного использования чистого цвета в целях сведения формы к основным элементам. Когда-то Постав Моро сказал Матиссу: «Вам предстоит упростить живопись».
В сущности, учитель напророчил ученику его жизнь, результатом которой стало рождение уникального художественного мира.
Императив - Донести непосредственное переживание жизни
«Значительность художника измеряется количеством новых знаков, которые он введет в пластический язык», - писал Матисс. Когда художник, знающий про себя, что он есть не пустая величина в искусстве, изрекает подобные максимы, то он говорит, прежде всего, о своем творчестве. Вопрос: какие новые знаки в пластический язык ввел сам Матисс? А многие. За внешней простотой его картин иногда этого не углядишь - кажется, что «так смог бы каждый».
Разумеется, это иллюзия. Эта простота (и совсем уж «детскость» в конце жизни - чего стоят его аппликации!) является результатом точнейшего расчета, кропотливого изучения естественных форм и их смелого упрощения. Зачем? Затем, чтобы, произведя искуснейший синтез «природы» и «культуры», выразить непосредственное ощущение жизни в строжайшей художественной форме. Вот откуда этот потрясающий эффект симфонического звучания интенсивных цветов, музыкальность линейных ритмов, завидная композиционная гармония. Другое дело, что за ощущение жизни было у художника. Но об этом уже сказано в других разделах.
49 - Красная студия, 1911
Яркий пример стремления к созданию красочных созвучии и упрощению форм. Матисс с успехом пытается «сочинить» тут симфонию цвета. Конечному варианту картины, как всегда, предшествовала кропотливая работа. Основная гамма была поначалу другой - светло-голубой с контурами, прописанными желтой охрой. В финале работы все неузнаваемо изменилось - единственно точное выражение того, что художник называл «ощущением», оказалось именно таковым.
50 - Гармония в карсных тонах, 1908-1909
Другое название этой работы - «Десерт». Эта картина была написана, когда собственно фовизм как некая единая группа художников, исповедующих одни и те же художественные принципы, уже не существовал, но, конечно же, она является последовательно фовистской. Матисс вспоминал те времена: «Мы напоминали детей, стоящих лицом к лицу с природой, и дали полную волю нашему темпераменту Я из принципа отбросил все, что было раньше, и работал только с цветом, повинуясь движениям чувств». И еще из него же: «Если в картинах стало много изысканности, если там топкие оттенки, переливы цвета без настоящей энергии - тогда время призывать на помощь великолепные голубые, красные и желтые тона, которые способны воззвать к глубинам человеческой чувственности».
51 - Алжирская женщина, 1909
«Восточный» след в творчестве Матисса необыкновенно ярок. Под впечатлением поездки в тот же Алжиру совершенной в 1906 году, художник увлекся линейными орнаментами мусульманского Востока; это - наряду с некими теоретическими постижениями - едва ли не основной источник его тотальной декоративности и монументальности. Есть отзвук этих поездок и в представленном экспрессивном портрете, построенном на контрасте - форм, цвета, контуров, фона и пр.
52 - Морской пейзаж, 1905
53 - Окно, 1905
54 - Интерьер с девушкой, 1905-1906
55 - Портрет Андре Дерена, 1905
56 - Счастье существования (Радость жизни), 1905-1906
57 - Море в Коллиуре, 1906
58 - Лежащая обнаженная, 1906
59 - Цыганка, 1906
60 - Восточные ковры, 1906
61 - Матрос II, 1906-1907
62 - Роскошь I, 1907
63 - Голубая обнаженная, 1907
64 - Музыка (эскиз), 1907
65 - Берег, 1907
66 - Мадам Матисс в красном платье в полоску, 1907
67 - Натюрморт в голубых тонах, 1907
68 - Грета Молл, 1908
69 - Игра в шары, 1908
70 - Голубая скатерть, 1909
71 - Обнажённая на солнечном пейзаже, 1909
72 - Натюрморт с "Танцем", 1909
73 - Разговор, 1909
74 - Девушка с чёрной кошкой, 1910
75 - Красные рыбки, 1911
76 - Цветы и керамическая тарелка, 1911
77 - Испанский натюрморт (Севилья II), 1911
78 - Семейный портрет, 1911
79 - Манильская шаль, 1911
80 - Интерьер в баклажанах, 1911-1912
81 - Красные рыбки в интерьере, 1912
82 - Танец с настурциями, 1912
83 - Голубое окно, 1912
84 - Сидящий Риффиан, 1912-1913
85 - Арабский дом кофе, 1912-1913
86 - Натюрморт с апельсинами, 1913
87 - Вид Нотр-Дама, 1914
88 - Интерьер с тазом и с красной рыбкой, 1914
89 - Жёлтая штора, 1914-1915
90 - Студия на набережной Сент-Мишель, 1916
91 - Лауретт в зелёном на чёрном фоне, 1916
92 - Лауретт в белом тюрбане, 1916
93 - Окно, 1916
94 - Натюрморт с головой, 1916
95 - Марокканцы, 1916
96 - Урок музыки, 1917
97 - Лотарингский стул, 1919
98 - Урок живописи, 1919
99 - Ставни, 1919
100 - Обнажённая, испанский ковёр, 1919
101 - Сидящая женщина, 1919
102 - Женщина на диване, 1920-1922
103 - Ню на голубой подушке, 1924
104 - Интерьер с фотографией, 1924
105 - Ню лёжа, 1924
107 - Обнажённая в кресле, 1926
108 - Одалиска, гармония в красном, 1926
109 - Балерина, гармония в зелёном, 1927
110 - Танец, 1932-1933
111 - Музыка, 1939
112 - Интерьер с этрусской вазой, 1940
113 - Леда и лебедь, 1944-1946
114 - Интерьер в красном цвете. Натюрморт на синем столе, 1947
115 - Египеская занавесь, 1948
Матисс (Matisse) Анри Эмиль Бенуа (31.12.1869, Ле-Като, Пикардия, - 3.11.1954, Симьез, близ Ниццы), французский живописец, график и скульптор.
Цветовое воздействие картин Матисса крайне сильно; реакция бывает, впрочем, и отрицательной, но всегда очень интенсивной. Его картины -- звучные, громогласные фанфары, порой оглушительные. Они вызывают уже не спокойное любование, а зрительные пароксизмы, это не “праздник глаза”, а необузданная оргия.
Какими средствами достигает Матисс столь сильного цветового воздействия? Прежде всего, крайне подчеркнутыми цветовыми контрастами. Предоставим слово самому художнику: “В моей картине “Музыка” небо написано прекрасным синим цветом, самым синим из синих, плоскость окрашена цветом настолько насыщенным, что полностью проявляется синева, идея абсолютной синевы; для деревьев взята чистая зелень, для тел -- звонкая киноварь. Особенный признак: форма видоизменялась соответственно воздействию соседних цветовых плоскостей, ибо экспрессия зависит от цветовой поверхности, охватываемой зрителем в ее целом”.
Получив диплом юриста, работал адвокатом (1889-1891).Учился в Париже - в академии Жюлиана (с 1891) у А. В. Бугро, в Школе декоративных искусств (с 1893) и в Школе изящных искусств (1895-99) у Г. Моро; копировал произведения старых французских и голландских мастеров. Испытал влияние неоимпрессионизма (главным образом П. Синьяка), П. Гогена, искусства арабского Востока, в известной мере - древнерусской иконописи (одним из первых на Западе оценил её художественные достоинства; в 1911 посетил Москву). После знакомства с творчеством импрессионистов, постимпрессионистов и английского живописца Дж. Тёрнера А. Матисс начинает использовать более насыщенные краски, отдавая предпочтение светлым цветам («Булонский лес», ок. 1902, ГМИИ, Москва; «Люксембургский сад», ок. 1902, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Большое влияние на него оказало искусство П. Сезанна («Обнаженная натура. Слуга», 1900, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Посуда на столе», 1900, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
В 1905-07 лидер фовизма. В знаменитом парижском осеннем Салоне 1905, вместе со своими новыми друзьями он выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму. В это время Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством. К 1906 завершает работу над композицией «Радость жизни», сюжет которой навеян поэмой «Послеобеденный отдых фавна» С. Малларме: в сюжете сочетаются мотивы пасторали и вакханалии. Появляются первые литографии, гравюры на дереве, керамика; продолжает совершенствоваться рисунок, выполненный преимущественно пером, карандашом и углем. В графике Матисса арабеск сочетается с тонкой передачей чувственного обаяния натуры.
Начиная со 2-й половины 1900-х годов Матисс утверждает новый тип художественной выразительности, используя лаконичный, резкий и в то же время гибкий рисунок, остро ритмизованную композицию, контрастное сочетание немногих цветовых зон, но интенсивно ярких и локальных (панно для особняка С. И. Щукина в Москве "Танец" и "Музыка", оба - 1910, Эрмитаж, Ленинград), то богатых оттенками одного основного тона, полупрозрачных и не скрывающих фактуры холста ("Мастерская художника", 1911, Музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва).
В 1908--1912 годах Матисс, пользуясь почти исключительно чистым цветом (в редких вещах он пользуется переходами, смешанными тонами), строит свои картины на трех основных тонах. “Сатир и нимфа” -- созвучие зеленого, розового и голубого, “Танец” -- синего, зеленого и красного, натюрморты построены на созвучиях лилового, желтого и красного или синего, фиолетового и розового. Затем, около 1912 года, он переходит к четырехзвучиям красок, причем одному из четырех тонов на картине отводится очень небольшое место: “Танжер” -- синий, оранжевый, розовый, красный, “На террасе” -- лиловый, зеленый, розовый, синий. “Вход в Казбу” -- малиновый, голубой, зеленый, бледно-розовый. В позднейшие годы он прибегает к более сложным сочетаниям и значительно расширяет свою палитру, внося большее разнообразие оттенков.
Здесь важно раскрыть значение слов Матисса о взаимодействии чистых тонов. Говоря об оттенках, Матисс, конечно, имеет в виду не градации насыщенности тона -- разбелы, которые также возможны при пользовании чистым цветом (у итальянских и русских примитивов). Он, по-видимому, не имеет также в виду мнимые оттенки, которые должен воспринимать зритель при столкновении насыщенных цветовых плоскостей, своего рода отзвук неоимпрессионистской теории оптического смешения цветов. Эта вибрация слишком незначительна, и ощущение промежуточных оттенков преходяще. Здесь речь идет, очевидно, о необходимости ввести переходные тона, к чему Матисс пришел впоследствии.
Работая чистым цветом, Матисс хочет, как и всякий живописец, избегнуть однообразия -- антитезы живописности, но не всегда это ему удастся, и некоторым его вещам свойственна монотонность (панно “Музыка”). С другой стороны, в 10-х годах он хочет непременно сохранить чистоту цвета. Избегая смешения красок, он прибегает к приему, аналогичному лессировкам старых мастеров, прокладке на темной краске более светлой, например на розовой -- белой, на синей -- лиловой и т.д. Затем, чтобы заставить вибрировать краску, он энергично втирает ее в холст, вместо того, чтобы пользоваться белилами, заставляет его просвечивать.
Непрестанная работа над рисунком позволила Матиссу стать виртуозом кисти. Контуры на его картинах уверенно начерчены одним взмахом. Картины его часто похожи (особенно в репродукции) на рисунки кистью. Эффект их часто держится на мастерском, смелом штрихе.
Иногда он пользуется слоями различной плотности (например, в “Девушке с тюльпанами”), выдвигая вперед один цвет в ущерб другому. Впрочем, ряд вещей 1912 года написан гладкой, однообразной фактурой. Если поверхность иных матиссовских картин может показаться сухой и однообразной, то это свидетельствует не о пренебрежении к материалу живописи, немыслимому у большого художника, но о своеобразной боязни насилия над материалом. Для Матисса, как декоративиста, особенно важна слитность картины с ее основой, холстом, белизна и строение которого учитываются им настолько же, насколько монументалист учитывает поверхность стены. Но, помня об основе, Матисс иногда забывает о самой краске, о специфических особенностях и возможностях масляной живописи.
Особое значение имеет прием незаконченности деталей, особенно хорошо заметный в “Марокканце”, “Игре в мяч” и других вещах; цвет в тех местах, которые художник хотел заглушить, не берется более тусклым, но оставляется чистый холст (что иногда делается для выявления света), или деталь остается недорисованной (по большей части руки, ноги и др.). Матисс ограничивается матовой, жидкой живописью и не уделяет особого внимания вопросам фактуры. Это несомненный пробел в его творчестве, особенно если сопоставить его долголетнюю упорную работу над цветовыми контрастами, своего рода научную работу по исследованию психофизической реакции на тот или иной контраст цвета. Матисса не удовлетворяет система дополнительных тонов, открытая Делакруа, сведенная в систему импрессионистами. Он ищет диссонансов, кричащих, резких созвучий; здесь возможна параллель с современной музыкой Стравинского, Штрауса и др. У него, как и у этих композиторов, сказывается тревога, психологическая неустойчивость, чрезмерная обостренность чувств современного буржуа.
В сдержанно-суровой манере работ Матисса 2-й половины 10-х годов заметно воздействие кубизма ("Урок музыки", 1916-17, Музей современного искусства, Нью-Йорк); произведения 20-х годов, напротив, отличаются жизненной непосредственностью мотивов, колористическим многообразием, мягкостью письма (серия "Одалиски"). В 30-40-е годы Матисс как бы суммирует открытия предыдущих периодов, сочетая поиски свободной декоративности времени фовизма с аналитически-чётким построением композиции (фриз в Музее Барнеса "Танец", 1931-32, Мерион, штат Филадельфия, США), с тонко нюансированным цветовым строем ("Ветка сливового дерева", 1948, частное собрание, Нью-Йорк).
Творчеству Матисса в целом присущ ряд общих черт. Стремясь противопоставить бурной напряжённости жизни 20 века вечные ценности бытия, он воссоздаёт его праздничную сторону - мир бесконечного танца, безмятежного покоя идиллических сцен, узорочья ковров и тканей, сверкания плодов, ваз, бронз, сосудов и статуэток. Цель Матисса - увлечь зрителя в эту сферу идеальных образов и грёз, сообщить ему чувство умиротворения или смутной, но завораживающей тревоги. Эмоциональное воздействие его живописи достигается прежде всего предельной насыщенностью цветовой гаммы, музыкальностью линейных ритмов, создающих эффект внутреннего движения форм, наконец, полной соподчинённостью всех компонентов картины, ради чего предмет порою превращается в своего рода арабеск, сгусток чистого цвета ("Красные рыбы", 1911; "Натюрморт с раковиной", 1940; обе работы - в Музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина).
Цельности и вместе с тем живописного разнообразия Матисс достигает, прежде всего, осуществляя подлинную и органическую связь между цветом и формой -- линеарно-плоскостной. Цвет настолько преобладает у него над формой, что его можно считать подлинным содержанием его картин, а все остальное лишь функцией ослепительного, мощного цвета. Рисунок как таковой у Матисса всегда был соподчинен качеству его цвета, развитие линии шло у него параллельно развитию живописных качеств. В период первых исканий несколько вялый и приблизительный (“Обеденный стол”), его рисунок становится постепенно все более острым и выразительным. Матисс очень много и неустанно рисует с натуры, рисунки его насчитываются сотнями, он подлинный виртуоз рисунка. Его мастерство ясно проявляется в любом из его живых, порывистых набросков с натурщиц. Замечательна прежде всего та меткость, с которой он размещает фигуру на листе, находя сразу соответствие ее пропорций плоскости бумаги. Даже его наброски композиционны; они укладываются обычно в выразительную арабеску, разрезающую плоскость по диагонали. Кусок натуры восприимчивым художником как будто сразу претворяется в игру декоративных пятен и штрихов; при этом, однако, вовсе не умаляется жизненность, скорее остро подчеркивается. Не думая о деталях, Матисс схватывает самую ось движения, остроумно обобщает изгибы тела, дает цельность и закономерность членению форм. Рисунки Матисса, настолько остры, динамичны, упрощенны и лаконичны, пластичность их столь своеобразна, что их невозможно смешать ни с какими работами других прославленных рисовальщиков его времени. По живости и непосредственности они не уступают японским, по декоративности -- персидской миниатюре, по выразительности линий -- рисункам Делакруа. Притом в основе их лежит вовсе не “виртуозничанье”, не пристрастие к эффектным росчеркам -- они конструктивны в подлинном смысле, ибо с полной убедительностью выявляют пластическую форму.
Как график, работая пером, карандашом, углем, в технике офорта, линогравюры и литографии, Матисс оперирует главным образом линией, тонкой, иногда прерывистой, иногда долгой и круглящейся, прорезающей белый или чёрный фон [серия "Темы и вариации", уголь, перо, 1941; иллюстрации: к "Стихам" Малларме, к "Пасифае" де Монтерлана, к "Стихам о любви" Ронсара]. В 40-е годы Матисс часто прибегает к технике аппликаций из цветной бумаги (серия "Джаз", 1944-47). К скульптуре Матисс обращался с начала 1900-х годов, но особенно часто в 20-30-е годы (рельеф "Обнажённая женская фигура со спины", бронза, 1930, Художественный музей, Цюрих). Последняя работа Матисса - оформление интерьера (в том числе витражи) "Капеллы чёток" в Вансе, близ Ниццы (1953). Умер Матисс в Симье близ Ниццы 3 ноября 1954.
Прекрасный рисовальщик, Матисс был по преимуществу колористом, добивавшимся эффекта согласованного звучания в композиции многих интенсивных цветов. Наряду с живописными произведениями известны его блистательные рисунки, гравюры, скульптуры, рисунки для тканей. Одной из крупных работ художника стали оформление и витражи доминиканской Капеллы Четок в Вансе (1951).
Французские художники конца XIX - начала XX столетия были весьма неравнодушны к танцу. Изящные балерины Дега и лихие примы кабаре Тулуз-Лотрека - всего лишь различные ипостаси модной танцевальной темы. Великий Анри Матисс не был исключением. "Я очень люблю танец. Удивительная вещь танец: жизнь и ритм. Мне легко жить с танцем", - признавался мастер. И хотя образам Матисса чужда реалистичность, а его декоративные полотна имеют мало общего с бронзовыми девочками в пачках, тема танца неизменно возникала во всех поворотные моменты его творческого пути.
Первый хоровод появился в раннем полотне художника "Радости жизни". Эта тема нашла свое развитие 4 года спустя, когда Матисс приступил к работе над гигантскими панно "Танец" и "Музыка", заказанными известным русским коллекционером и меценатом С. И. Щукиным. Но еще до того, в 1907 г. мастер исполнил деревянный рельеф с пляшущими нимфами и несколько авторских ваз на тот же мотив. После этого Матисс приступил к созданию монументального полотна для московского особняка Щукина.
"Когда мне нужно было сделать танец для Москвы, я просто отправился в воскресенье в Мулен де ла Галетт. Я смотрел, как танцуют. В особенности мне понравилась фарандола... Вернувшись к себе, я сочинил мой танец четырехметровой длины, напевая тот же мотив". Ярко-красные фигуры, кружащиеся в безумном хороводе, не только привели в восторг заказчика, но и принесли заслуженную славу создателю картины. Не случайно почти четверть века спустя Матисс вновь возвращается к теме танца.
Заказ, поступивший в 1930 г. от известного американского коллекционера Альберта Барнса, и в самом деле был непростым: декоративное полотно следовало разместить в арочных сводах над окнами. Выбор темы и технику исполнения именитый клиент мудро оставил на усмотрение художника. Но, обратившись к своему излюбленному сюжету, Матисс создал произведение, ничуть не похожее на динамичное и эффектное "щукинское" панно.
Парижский танец" был задуман Матиссом на седьмом десятке лет. Тем не менее, он считается одной из самых смелых и новаторских работ художника. А все потому, что специально для этого заказа автор придумал и разработал оригинальную технику декупажа (что в переводе с французского означает "вырезать"). Подобно гигантскому пазлу, картина собиралась из отдельных фрагментов. Из листов, предварительно окрашенных гуашью, маэстро собственноручно вырезал ножницами фигуры или куски фона, которые затем (по рисунку, обозначенному углем) прикреплялись к основе булавками. Технология эта предполагала быструю замену одного куска на другой. Последний этап - нанесение краски на холст - проходил с помощью маляра, действовавшего по указанию художника.
Произведения, исполненные в технике декупажа, считаются шедеврами позднего и очень позднего Матисса. Будучи уже больным старичком, прикованным к постели, он не выпускал из рук ножниц и постоянно требовал цветной бумаги.
Вообще-то панно "Парижский танец" существует в трех вариантах. Самая ранняя, но не оконченная версия, по сути является подготовительным этюдом. Со второй, уже практически завершенной полноценной работой, вышла обидная промашечка: Матисс ошибся в размерах помещения, и весь холст пришлось переписывать заново. Окончательный вариант был одобрен клиентом и успешно отбыл за океан. А предыдущий, "бракованный", художник довел до ума и в 1936 г. уступил за скромное вознаграждение Музею современного искусства города Парижа.
Сегодня "Парижский танец" справедливо считается жемчужиной коллекции этого музея - недаром для экспонирования гигантского полотна был выстроен специальный зал. Картина была намертво закреплена над тремя окнами в арочных сводах и, по честному признанию директора музея "не предполагает возможности транспортировки".
Но тут жителям Петербурга и Москвы несказанно повезло: Музей современного искусства Парижа закрылся на долгосрочную реконструкцию. Уникальное панно широким жестом отправили в Россию: сначала оно провисело три месяца в Государственном Эрмитаже, а теперь (с 6 сентября) прибывает в ГМИИ имени Пушкина. И еще одна интересная подробность: в процессе работы над "Парижским танцем" Анри Матисс познакомился с простой русской женщиной, Лидией Николаевной Делекторской, которая сделалась сначала секретарем, затем незаменимой помощницей и сиделкой, а после - ближайшим другом и последней музой художника. В октябре 1933 г. Лидия Делекторская переехала в дом Матисса и "задержалась" в нем почти на 22 года, вплоть до самой смерти великого мастера.
Матиссовские панно "Танец" и "Музыка", которые на выставке парижского Осеннего салона в 1910 году произвели скандальную сенсацию, были заказаны тогда уже известному во Франции художнику русским промышленником и коллекционером С. Щукиным, который пригласил Матисса в Москву, познакомил с В. Брюсовым, В. Серовым, Н. Андреевым, дал возможность увидеть старинные русские иконы, от которых французский художник пришел в восторг.
Вот как представлялась Матиссу идея этих двух полотен: "Я представляю себе входящего посетителя. Перед ним раскрывается первый этаж. Ему предстоит идти дальше, сделать усилие, ему надо внушить чувство бодрости. Мое первое панно изображает танец, хоровод на вершине холма. Во втором этаже находишься уже внутри дома, здесь царит дух тишины, и я вижу сцену музыки с внимательными слушателями..." Виделась Матиссу и третья сцена, воплощавшая полный покой.
Главной задачей для него было добиться целостности этих станковых картин, мало связанных с архитектурно-декоративным ансамблем. В обоих композициях чувствуется эхо фовистских композиций Матисса, сделанных под непосредственным впечатлением от народных французских танцев, виденных им на юге Франции.
Те, кто хорошо знал художника, говорили, что даже если бы Щукин не заказал ему второй композиции, она все равно появилась бы на свет. В динамичном, неистовом "Танце" можно разглядеть сложные ракурсы, необычное сплетение рук и тел, а в противоположной по ритму "Музыке" основой композиционного решения делается не динамика, не движение, а абсолютная неподвижность обособленных, фронтально расположенных фигур. Два полотна, одно - с пятью танцующими, другое - с пятью сидящими огненными фигурками, аналогичны по красочной гамме, по плоскостному прочтению формы, по отвлеченности темы, но противоположны по ритму. Матисс, как он сам писал, окрасил свои картины "до насыщенности, так, что... полностью раскрывается синева, как идея абсолютного синего".
После того как на Осеннем салоне "Танец" и "Музыка" вызвали скандал, С. Щукин отказался их забрать и объяснил это нескромностью в проработке некоторых фигур. У него в доме как раз поселились молоденькие девушки, и он не хотел их смущать. Однако через некоторое время он все же передумал. Матиссу, правда, пришлось положить немного красной краски на фигуру мальчика-флейтиста, чтобы скрыть признаки пола. Сейчас панно Матисса "Танец" и "Музыка" экспонируются в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге.
Анри Матисс увлекался импрессионистами и неоимпрессионистами, Гогеном, искусством арабского Востока, в 35 лет стал лидером фовистов. Цветовая гамма у него нарядна и изысканна, а очень музыкальные линейные ритмы создают эффект внутреннего движения. Никому из последователей Матисса так и не удалось добиться такой, как у него, полной композиционной и декоративной соподчиненности всех элементов картины, он остается непревзойденным мастером декоративной живописи. Он сам сотворил свой, неповторимый мир музыки, стремительного танца, мир сверкающих статуэток, ваз и плодов, мир безмятежного покоя и радостного забвения.
Анри Матисс родился 31 декабря 1869 года на севере Франции, в Като-Камбрези, а детские годы провел в Боэн-ан-Вермандуа. Отец его был хлеботорговцем и мечтал, чтобы сын стал юристом. Матисс после лицея Сен-Квентин изучал право в Париже, работал у адвоката в Боэн-ан-Вермандуа. Впервые он попробовал заниматься живописью после того, как попал в больницу и ему сделали операцию - удалили аппендицит. В 20 лет он начал заниматься рисованием в Школе Вентин де ла Тур, а в 1891 году отправился в Париж, где Бугро и Феррье подготовили его к поступлению в Школу изящных искусств. На вечерних курсах в Школе декоративных искусств он познакомился с Альбером Марке, поступил в мастерскую Гюстава Моро в Школе изящных искусств. Он много копировал в Лувре, ездил в Бретань, а в 1897 году выставил в Салоне Национального общества изящных искусств одну из самых значительных своих импрессионистических работ - картину "Десерт".
Матисса часто называли сыном и мужем модистки. В 1898 году он женился на великолепной высокой южанке Амелии-Ноэ-ми-Александрин Прэйер. И они вместе отправились в Лондон, где Матисс впервые увидел произведения "провозвестника солнца", романтика, которого боготворили импрессионисты,- Тернера. Один из друзей Матисса вспоминал, что Матисс говорил, что любит Лондон, потому что "впервые познакомился с ним в свой медовый месяц".
После Лондона художник поехал на Корсику, в Тулузу. Когда умер Моро, Матисс оставил Школу изящных искусств и в том же 1899 году начал посещать академию Каррьера, занялся скульптурой (на вечерних курсах). Среди его друзей были Писсарро, Дерен, Пюи, Марке, с которым он расписывал декоративный фриз, Миньяк, Кросс, Майоль и другие известные художники того времени.
В 1901 года Матисс начал выставлять свои работы в Салоне независимых, в галерее Берты Вейль, Осеннем салоне. Работая в 1904 году с Синьяком и Кроссом, Матисс был увлечен дивизионизмом - живописной системой, которая основывалась на методичном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, зафиксированные на полотне отдельными мазками в расчете на их оптическое смешение при зрительном восприятии.
А в 1905 году Матисс стал лидером нового направления - фовизма. На Осеннем салоне вместе с ним выставлялись Манген, Пюи, Марке, Дерен, Вламинк, Вальта, которые разделяли его взгляды на живопись, как и он, стремились основное внимание уделять цветовому решению своих композиций, строили их на соотношении ярких локальных цветовых пятен.
В 1906 году в Салоне независимых Матисс экспонировал одну из самых больших своих композиций "Радость жизни", которая потом послужила основой для панно "Танец". В это время он делал гравюры на дереве и литографии. На некоторое время поехал в Алжир, а потом в Италию.
В 1907 году группа фовистов распалась, а Матисс открыл свою мастерскую. Его картины экспонируются в Нью-Йорке, Москве, Берлине. Он публикует "Заметки живописца" и поселяется в пригороде Парижа Исси-ле-Мулино.
В 1910 году в Осеннем салоне разгорелся скандал из-за его панно "Танец" и "Музыка". В 1911 году Матисс посетил Москву, в 1912 - Марокко, начал выставлять скульптуру. С этого времени его персональные выставки проходили во многих городах мира, а галерея Бернхейм-Жен регулярно организовывала его персональные экспозиции.
В 1920 году Анри Матисс по просьбе С. Дягилева сделал макеты декораций и эскизы костюмов для русских балетов.
В 1921 году он переселился в Ниццу, начал работать над книжными иллюстрациями и по заказу американца Барнса сделал монументальную роспись-панно "Танец", которая была установлена в городе Мерионе в 1933 году.
Сын художника Пьер открыл в Нью-Йорке свою галерею, где выставил работы отца. Перенеся в 1941 году тяжелую операцию, в последние годы Матисс больше работал как художник книги, увлекся коллажами.
Матисс больше всего любил рисовать цветы, деревья и женщин. Вот как сам он писал о своей работе: "Я целиком завишу от своей модели, которую я изучаю, когда она свободна от позирования, и лишь затем я решаюсь выбрать для нее позу, более всего соответствующую ее существу. Когда я беру новую модель, я вижу подходящую для нее позу тогда, когда она находится в состоянии расслабленности и покоя, и я становлюсь рабом этой позы. Я работаю с этими девушками иногда по многу лет, пока не иссякнет интерес. Мои пластические знаки, возможно, выражают их душевное состояние... интересующее меня безотчетно..."
Именно поэтому его женщины подобны цветам, а цветы - живым людям...
Матисс дал новое видение мира. Если великий Леонардо да Винчи утверждал, что главное чудо живописи - в умении передать объемность вещи, то Матисс все перевел в плоскость. Яблоко из шара превратилось в круг. Матисс отнял у живописи глубину и начал изменять натуру, делать ее созвучной своим мыслям. Он мог подчинить человеческую фигуру линии орнамента, как это происходит в его "Красной комнате", мог сместить фигуру относительно опоры - это он проделал в "Стоящей Зоре". Даже пол у него вдруг делался покатым, а цвета давали физическое ощущение струившегося знойного воздуха ("Вход в Козба") или прохладной прозрачной воды в аквариуме ("Красные рыбы").
С каким восторгом выписывал Матисс узоры восточных ковров, как тщательно добивался точных, гармоничных цветовых соотношений! Великолепны, полны таинственного внутреннего света и его натюрморты, портреты, ню.
Искусствоведы говорят, что, если бы Матисс не был живописцем, он вошел бы в десятку лучших французских скульпторов. Он первым применил деформацию ради экспрессии, и, как сам признавался, если Майоль, как мастера античности, работал объемами, он, подобно мастерам Возрождения, был увлечен арабесками, добивался изысканной линии силуэта. Одна из самых известных бронзовых статуй Матисса "Большая сидящая обнаженная" была создана в 20-е годы - в то же время, что и его полотна "Одалиска" и "Обнаженная, сидящая на голубой подушке".
Современники рассказывали, что, когда Матисс лепил, он слишком часто смачивал глину, и от этого при повороте станка фигуры часто падали, разрушались. Тогда Матисс брал в руки кисть и переносил свое пластическое видение на полотно.
Одной из последних больших работ Анри Матисса было оформление "Капеллы четок" в Вансе близ Ниццы, где он с 1948 по 1951 год работал и как архитектор, и как живописец, и как скульптор, и как декоратор.
Рисунок, необычный, легкий, пластичный, всегда занимал в творчестве Матисса одно из главных мест. В 20-е годы его рисунки были хорошо разработаны и конкретны, позже он увлекся рисунками кистью, которые получались у него удивительно колористичными. В 1919 году среди его рисунков появляется "тема шляпы со страусовыми перьями", в 1935 - "тема зеркал", в 1940 - "тема женщины в кресле", а в 1944 - "тема персиков". В технике рисунка - монументального, образно-пластичного - выполнена и его последняя роспись в "Капелле четок".
Луи Арагон в своем не совсем обычном романе "Анри Матисс" писал:
Всю жизнь
Рисовать ему слово, звучащее в нем...
В 1952 году в Като-Камбрези был открыт музей Анри Матисса. Открыт при жизни художника.
В статье, которая называлась "Нужно смотреть на мир глазами ребенка", Анри Матисс приоткрыл тайну свежести и обаяния своих произведений: "Я полагаю, что для художника нет ничего труднее, чем писать розу; но создать свою розу он может, лишь забыв обо всех розах, написанных до него... Первый шаг к творчеству состоит в том, чтобы увидеть истинный облик каждого предмета... Творить - значит выражать то, что есть в тебе".