Эмиль Гатауллин
Оказалось, непросто выбрать одну любимую фотографию. Их слишком много, к тому же «любимая-нелюбимая» мне кажется неподходящим критерием для оценки собственных фотографий. Ведь далеко не лучшая фотография может оказаться любимой, по причинам известным только автору. При отборе отснятого материала и оценке своих снимков я стараюсь абстрагироваться как от личного отношения, так и от впечатлений связанных с процессом съемки. Пытаюсь смотреть не со стороны автора, а - зрителя, как будто снимок не мною сделан. Это сложно, но помогает увидеть содержание в самом изображении.>>>
Эмиль Гатауллин
Поначалу я решил выбрать два-три снимка из лучших, о которых мог бы что-то рассказать. Но потом вспомнил об одной довольно заурядной "карточке на память", любимой мною как раз по чисто субъективным причинам. И этот выбор оказался исключением из правил.
Дело в том, что это моя первая фотография. Правда, моей ее назвать можно довольно условно, потому, что мне лишь дали в руки фотоаппарат, заранее сфокусировавшись и выставив нужные параметры съемки, но смотрел в видоискатель и нажимал на кнопку спуска все же я.
Мне было тогда лет девять, это самое начало 1980-х. На снимке мой младший брат и дядя, а происходит все во дворе дома моей бабушки в поселке Юрино, что на Волге. У дяди с детства был церебральный паралич, ходил он на костылях, и было у него два больших увлечения - музыка, он был лучшим баянистом в поселке, и фотография.
Именно благодаря ему я и стал значительно позднее, лет в 16, фотографировать.
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
Эмиль Гатауллин
– художник, чье увлечение фотографией уже давно переросло в нечто большее, «дело всей жизни». Окончив Казанское художественное училище, Эмиль поступил в МГАХИ им. В.И. Сурикова, где получил высшее художественное образование. После окончания института в 1999 году увлекся фотографией. В 2003-2004 годах занимался у А.И. Лапина, с 2005 года стал членом Союза фотохудожников России. Обладатель множества наград и лауреат престижных национальных фотопремий, Эмиль упорно продолжает называть себя не профессиональным фотографом, относясь к фотографии очень увлеченно и снимая только то, что его глубоко волнует. В парке, где у нас проходила беседа, было безлюдно и свежо после дождя. Посредине разговора Эмиль кивает на проплывающую мимо бело-желтую гусеницу из воздушных шаров, которую несут женщина и ребенок. «Вот, сюжет», — неожиданно говорит он и продолжает отвечать на вопрос, не переставая искать взглядом свои «совершенные моменты».
Эмиль, возможно, вы помните, что три года назад российское представительство компании Leica выступило генеральным партнером выставки учеников школы А.И. Лапина (куратор Ирина Меглинская), где были представлены и ваши работы. Расскажите, пожалуйста, что изменилось с тех времен в вашей творческой жизни?
Прошло не так много времени, поэтому никаких особенных перемен не случилось и, наверное, не могло. Сейчас, как мне кажется, я продолжаю двигаться в том же направлении, меня волнуют те же темы, что и тогда. К тому же я не профессиональный фотограф и все, что делал раньше и продолжаю в настоящее время – это моя личная инициатива.
Можете сказать, какое влияние оказало на вас обучение в школе А.И. Лапина?
Когда я серьезно увлекся фотографией, и она стала занимать все большее место в жизни, появилось довольно много вопросов: как снимать, в каком направлении двигаться дальше, какие выбрать ориентиры в фотографии. Долгое время я искал ответы самостоятельно, что-то получалось, что-то – нет. Я не всегда мог понять, почему вот этот кадр удачный, а другие, казалось бы, соседние дубли того же сюжета – нет. И вот однажды я попал на лекцию Александра Иосифовича. Это случилось на фестивале «Интерфото», где многие фотографы, как российские, так и зарубежные, давали открытые лекции. В общем, тогда я понял, что этот человек смог бы ответить на некоторые мои вопросы. Таким образом, я стал посещать его курсы по фотографии. Занятия проходили раз в неделю в течение года и в основном были посвящены композиции. Я думаю, что общение с Лапиным оказало довольно сильное влияние на меня. По образованию я художник, а в Суриковском институте композиции тоже уделялось серьезное внимание, поэтому я несколько сомневался в том, сможет ли Лапин дать что-то новое. Но оказалось так, что он сумел сформулировать для меня некоторые важные вещи, сумел облечь в ясную и понятную форму то, что я, может быть, и чувствовал внутренне, но не мог выразить. Александр Иосифович учит видеть , понимать язык изображения, чем хорошая фотография отличается от средней или неудачной.
По образованию вы – художник. Помогает это или мешает в фотографии?
Я бы сказал и то, и другое. С одной стороны, художественное образование дает определенный уровень визуальной культуры, так называемую «насмотренность», когда на протяжении нескольких лет изучаешь историю искусства, впитываешь лучшие его образцы. И, несомненно, это оказало влияние на меня и как художника, и как фотографа. С другой стороны, ценность фотографии для меня – как раз в ее отличии от живописи. Когда художник создает произведение, то это, как правило, происходит на протяжении какого-то длительного отрезка времени. Вспомним того же А. А. Иванова, который писал свою картину «Явление Христа народу» в течение 20 лет. Конечно, этюды с натуры или наброски требуют меньшего времени, но все равно это не те доли секунды, в которые делается снимок. В фотографии велика ценность момента. Я говорю сейчас о том самом «решающем моменте», о котором в свое время писал Картье-Брессон.
Кроме того, фотография все же более непосредственна или, лучше сказать, достоверна. Она связана с окружающей действительностью, с жизнью. Художник же волен как угодно видоизменять натуру или даже полностью от нее отказаться.
И, наконец, в фотографии велика роль случайности. И фотограф, в отличие от художника, не всегда может предугадать, что у него получится на снимке.
Относите ли вы сами себя к какому-либо направлению в фотографии?
Я не причисляю себя к какому-либо направлению. Мне кажется, что в хорошей фотографии сочетается все, именно поэтому лучшие работы некоторых известных фотографов можно причислить сразу к нескольким жанрам. Возьмем тех же Себастьяна Сальгадо или Йозефа Куделку. Помимо того, что их фотографии являются документальными, они еще и художественные, потому что в них найдена такая форма, которая передает содержание наиболее удачно и точно. Они говорят со зрителем языком изображения.
В связи с этим вопрос – что в фотографии для вас имеет первостепенное значение? Содержание или форма? То, что снято или то, как это снято?
Этот вопрос присутствует во многих дискуссиях и многих, видимо, волнует. Например, А. И. Лапин утверждает, что форма это и есть содержание. Если говорить более подробно, то форму и содержание нельзя разделить, они взаимодействуют между собой. Не может быть так, чтобы содержание снимка – это одно, а форма – это другое, потому что форма, все те средства, которыми фотограф передает реальность на снимке, на плоском изображении, ограниченном четырьмя сторонами, непосредственным образом влияют на содержание. Часто простые вещи, которые сами по себе не представляют большого интереса, становятся интересными на фотографии именно благодаря тому, как они сняты. Для меня форма и содержание – неразрывны, и в некоторых случаях даже идентичны. Думаю, у меня есть некоторые фотографии, в которых форма – она и есть содержание.
Можно ли научиться визуальному мышлению?
Это непростой вопрос. Можно ли научиться искусству вообще? Я думаю, что многое зависит от меры таланта, от способностей. Без них, конечно, можно стать средним профессионалом, который будет грамотно снимать, но для которого всегда будут существовать рамки уже наработанных кем-то шаблонов. В фотографии, так же как и в любом другом виде искусства, если у человека есть способности, то обучение, действительно, их разовьет и подтолкнет идти дальше.
А если, скажем, начать снимать все подряд? Может ли прийти техника и умение видеть кадр с таким опытом?
Возможно, для кого-то такой подход и мог бы оказаться полезным. Особенно для тех, кто снимает на цифру. Здесь, действительно, можно ходить и снимать практически все подряд. Многие так и делают, и потом из этого огромного количества фотографий отбирают что-то стоящее, то, что они считают удачным. При таком стиле работы, конечно, могут возникать интересные кадры. Но, откровенно говоря, это совершенно не мой стиль. Бывает, что я хожу с камерой целый день и прихожу домой без единого кадра. Кроме того, я редко фотографирую, просто по пути, например, на работу, в магазин или куда-то еще. Камера у меня не всегда с собой. Мне нужно выделить время, настроиться и только потом я могу взять в руки камеру и начать снимать какое-то определенное место или событие. И бывает так, что за весь день ничего не зацепило, а бывает наоборот, идешь без всякой цели, что называется «куда глаза глядят» и вдруг неожиданно сталкиваешься с совершенно поразительным сюжетом, который полностью захватывает. Я снимаю только то, что вызывает внутренний отклик. Это сложно сформулировать, но каждый кадр идет изнутри. И порой тяжело объяснить, почему ты сделал тот или иной кадр, особенно в таких ситуациях, когда нужна моментальная реакция. А, как правило, такие ситуации возникают именно с людьми, потому что все постоянно меняется, все находится в движении. И главная задача – успеть поймать свой кадр.
Сколько по времени могут занимать ваши прогулки с фотоаппаратом?
Все зависит от обстоятельств. Когда я еду в провинцию, где мне снимается гораздо лучше, чем в Москве, это может занимать от двух дней до двух недель. Во время таких поездок я снимаю каждый день пока свет и чувствительность пленки позволяют это делать. Все очень просто: просыпаюсь, беру фотоаппарат и выхожу на улицу. И нахожусь там до вечера с небольшим перерывом на обед (смеется). Но вовсе необязательно, что я снимаю все это время. Лучше сказать – я ищу. Большая часть времени в моем случае – это поиск. И даже, если случится, что вот оно, что-то стоящее наконец-то проскользнуло, то совсем необязательно, что потом, после проявки пленок, сделанный кадр окажется чем-то интересным. То, что зацепило в реальности, в плоском изображении будет выглядеть совсем по-другому. Так всегда и происходит. То, что ты видишь в жизни, совершенно меняется, когда становится изображением, и в связи с этим у фотографа должно выработаться довольно специфичное умение видеть трехмерное пространство так, как оно будет выглядеть в плоском изображении. Если этот момент не учитывать, то могут возникать элементарные ошибки. Самый простой пример – соотношение переднего и заднего планов. При концентрации на снимаемом объекте довольно легко выпустить из вида то, что происходит на заднем плане, потерять над ним контроль, и это в конечном итоге может испортить даже, казалось бы, неплохой снимок. В общем, нужно учиться контролировать все объекты, попадающие в рамки кадра.
Скажите, пожалуйста, как происходит выбор будущего места съемок и темы?
Бывает, что мои знакомые подсказывают интересные места, бывает, что я сам нахожу что-то по интернету. Просто смотрю любительские фотографии из разных мест. Это помогает определиться с местом будущей поездки. В первую очередь, конечно же, меня привлекают люди. По большому счету, можно ехать куда угодно и везде найти что-то интересное для себя. Да и вообще, если говорить откровенно, то все зависит только от фотографа. Можно всю жизнь снимать, буквально не выходя из дома как, например, Йозеф Судек или, наоборот, ездить по всему миру в поисках интересных тем. В этом и заключается суть. Что ты ищешь? Кто-то ищет в первую очередь актуальные темы. Но мне важно, чтобы то, что я снимаю, волновало меня самого. Я заранее не планирую то, что буду снимать, тем более, если приезжаю куда-то в первый раз. И те серии фотографий , которые у меня есть, они складывались чаще всего уже после съемки и это даже и не серии в обычном понимании. Это просто те темы, которые мне интересны на протяжении долгого времени.
Ваш главный и любимый герой для съемок – «человек из провинции» . Почему?
Мне кажется, что в провинции люди более непосредственные, открытые и настоящие. Мне с ними легче общаться и находить общий язык. Находясь в таких местах, я чувствую какой-то резонанс между тем, что меня окружает и своим внутренним состоянием. Это как оказаться наконец-то в своей тарелке. Возможно, такое восприятие как-то связано с моими детскими впечатлениями. Удивительно, но я до сих пор внутренне подпитываюсь воспоминаниями из моего детства и юности, когда каждое лето мы проводили у бабушки в небольшом поселке на берегу Волги. И там же я впервые взял в руки фотоаппарат, доставшийся мне от дяди, который был увлеченным фотолюбителем. Иногда в провинции какие-то запахи или звуки оживляют воспоминания и помогают настроиться на определенный лад.
Расскажите, пожалуйста, как появилась идея создать серию о паломниках «Грешный человече…»?
Как и любой человек, я долго пытался ответить сам для себя на внутренние вопросы, связанные с верой и религией. Мне казалось, что, фотографируя и общаясь с паломниками, я смогу что-то понять лучше, найти ответы.
Серия «Грешный человече…» начала складываться после моей первой поездки на самый известный и большой Великорецкий крестный ход, который проходит ежегодно в Кировской области. Меня захватила эта тема, и на протяжении нескольких лет я ходил на многие крестные ходы в Кировской, Ярославской и Вологодской областях. Каждое лето попадал на два-три крестных хода. Мне интересны как сами верующие люди, так и само событие, которое очень насыщенно в визуальном отношении. Находясь там, я не выпускаю камеру из рук.
Повлиял ли паломнический опыт на ваше отношение к жизни?
Да, некоторые вещи относительно религии, церкви и веры я стал видеть более ясно. По крайней мере, получил опыт, находясь внутри самого события и общаясь с людьми.
Скажите, пожалуйста, как часто вы снимаете?
Довольно редко. По крайней мере, гораздо реже, чем я бы хотел. Снимать хочется практически всегда, но не всегда для этого есть соответствующие возможности (смеется). Есть обстоятельства, которые не позволяют все время посвящать только фотографии. Если я начну сравнивать себя с другими моими знакомыми фотографами, то в общем зачете я снимаю гораздо реже них.
Для вас фотография – это работа, отдых или что-то другое?
Совершенно точно – не работа, но и нечто большее, чем просто увлечение. Скорее всего, это дело жизни. Когда я учился в институте, то видел себя в будущем только художником. Но жизнь сложилась так, что живопись со временем превратилась в ремесло. С каждым годом все меньше писал для себя, все больше выполнял работу на заказ. Но внутренняя потребность в творческом самовыражении, в том, чтобы делать что-то просто для себя, осталась. Я думаю, что фотография как раз заняла эту нишу.
Эмиль, какими камерами вы снимаете?
В самом начале был Зенит, на который я снимал время от времени, потом приобрел автофокусную «зеркалку» и долгое время снимал ей. Лет пять назад я перешел на дальномерные камеры, которыми сейчас и снимаю. В настоящий момент у меня есть Leica M7 и Bessa. Этот переход был отчасти связан и с причинами личного характера, а точнее с проблемами со зрением — когда подолгу смотрел в видоискатель, глаза быстро уставали и начинали болеть. В видоискателе «зеркалки» изображение формируется на матовом стекле, и фотограф видит проекцию, а не саму натуру. В дальномерных камерах этого всего нет. Грубо говоря, все видишь просто через прозрачное стекло. Собственно, когда я попробовал снимать дальномеркой, то понял, что глаза совсем не устают. Кроме того, достоинством дальномерок является их компактность и неприметность, и, главное, возможность видеть еще и то, что происходит за рамками кадра. Ну и, если говорить непосредственно о Лейке, то это конечно, тишайший затвор.
Как вы находите контакт с людьми, которых снимаете? Ведь это довольно сложно – приехать в незнакомый небольшой город, начать снимать прохожих…
Так как я начинал с пейзажей и натюрмортов, то перейти к фотографированию людей было не совсем просто. Для меня люди – это все-таки самое интересное, что может найти фотограф. Но поначалу было психологически сложно снимать незнакомых людей на улице. Иногда я пытался это делать незаметно, но это не всегда получалось и, кроме того, чем ближе ты подходишь, тем заметнее становишься. Приходилось бороться со своей нерешительностью, но чем больше я снимал, тем становился увереннее. Кстати сказать, реакция большинства людей, как правило, благожелательная. Кроме того, со временем приходит опыт поведения в различных ситуациях, нарабатываются определенные методы и подходы к людям. Начинаешь понимать, когда можно действовать быстро и решительно, а когда лучше не спешить и понять, как на тебя реагируют, когда можно снимать без разрешения, а когда лучше сначала спросить у человека и потом уже действовать. Теперь, когда я снимаю, то сначала стараюсь установить визуальный контакт с человеком. В провинции, в небольших городках или селах невозможно остаться незаметным и снимать «скрытой камерой», поэтому, прежде всего, оцениваешь реакцию на тебя людей, если она не агрессивная, то начинаешь снимать и смотришь за развитием ситуации; если у человека возникают вопросы, вступаешь в диалог, рассказываешь кто ты, зачем снимаешь; если не получается и человек категорически против, то лучше просто уйти.
Можете сказать, хотя бы примерно, сколько фотографий в вашем архиве?
Сколько у меня отснятых пленок? Это сложный вопрос! Думаю, общее количество негативов у меня меньше, чем у активно снимающего на цифру фотографа выходит за год. Надо, наверное, как-нибудь посчитать все свои пленки. Хотя, конечно, количество мало о чем говорит, потому что смысл в удачных кадрах. C одной пленки бывает один удачный кадр, бывает ни одного, но случается и так, правда, очень редко, что подряд идут три хороших кадра.
В какие регионы вы бы еще хотели съездить, и над какими проектами работа уже завершена?
Совсем недавно ездил в Австралию в рамках проекта РИА Новости «XXI. Мой Тихий океан» , который посвящен саммиту АТЭС. В этом году он будет проходить во Владивостоке. Весной прошла моя первая персональная выставка в галерее «Промграфика». Сейчас в ГМИИ имени Пушкина проходит выставка , для которой я сделал несколько фотографий в залах музея.
Что касается планов, то я бы хотел продолжить свои поездки в Архангельскую область на реку Пинегу, где был уже дважды. Там есть несколько так называемых кустов деревень, часть из которых уже заброшены. Места и люди там очень интересные. На протяжении нескольких лет я думаю также и о том, что нужно поехать в то место, где прошло мое детство. Уже лет двадцать там не был.
Кто для вас – главный критик?
В первую очередь Александр Иосифович (Лапин – прим. реактора ), конечно. Мы до сих пор периодически встречаемся, я показываю ему свои новые работы, мы их обсуждаем. Затем, мои друзья-фотографы, мнению которых я доверяю. Конечно, мой брат — Ренат Гатаулин, который тоже занимается фотографией. В общем, я всегда прислушиваюсь к людям, чье мнение мне не безразлично.
Кем вы мечтали стать в детстве?
Я достаточно рано, лет в двенадцать, начал заниматься в художественной школе, поэтому с тех пор у меня как-то не возникало никаких других вариантов. Хотя параллельно занимался еще в музыкальной школе, но после трех лет обучения ушел. Ну, а если вспоминать, кем я хотел стать, когда был совсем маленьким, то, помню, хотел быть барабанщиком (улыбается).
Спасибо, Эмиль!
Наверняка каждый хоть раз встречал в своей новостной ленте картины, очень похожие на фотографии. С первого взгляда довольно сложно понять, выполнена такая работа с помощью современной цифровой техники или создана кистью и красками. Как правило, это рисунки художников, избравших для себя стиль гиперреализм. Картины с виду очень напоминают фотографии, но при этом зачастую несут в себе нечто большее.
Что такое гиперреализм
Этот стиль появился сравнительно недавно и уже завоевал немало поклонников и столкнулся с ненавистью тех, кто не понимает смысла в копировании реальности. Немногие художественные стили в живописи вызывают столько же споров, сколько их породил гиперреализм.
Первые подобные работы мир увидел в 70-х годах XX века. Удивительно точное копирование реальности настолько поражало умы, что стиль довольно быстро стал очень популярным. В настоящее время еще больше внимания к нему привлекают бесконечные споры между поклонниками и противниками
Предметом столкновения мнений, как правило, становится один вопрос о том, зачем рисовать то, что можно сфотографировать. Суть гиперреализма в том, что он обращает пристальное внимание зрителя на самые обыденные вещи. Происходит это за счет многократного увеличения масштаба, отказа от сложного фона и удивительной четкости изображения. Художник, выбравший для себя стиль гиперреализм, не навязывает зрителю свое мнение - все его работы просты и удивительно реалистичны.
Что рисуют гиперреалисты?
Объектом творчества художника, работающего в стиле гиперреализм, может стать практический любой предмет, который попался ему на глаза. Фрукты, полиэтиленовые пакеты, стекло, металл, вода - все что угодно может воплотиться в следующей картине. Как правило, гиперреалисты показывают зрителю выбранный предмет как будто под микроскопом, увеличивая его размер в несколько раз и позволяя человеку окунуться в совершенно другой мир.
Зачастую художник старается привлечь внимание зрителя к определенной детали, делая ее более контрастной и плавно растворяя все остальное. С первого взгляда можно даже не понять, что внимание приковано именно к этой части картины только потому, что так захотел художник. Это тонкая психология гиперреалистов, позволяющая манипулировать эмоциями. Но далеко не все художники используют эту технику - некоторые предпочитают создавать работы, полностью копирующие реальность.
Гиперреалистичные портреты
Но среди многих работ особое внимание поклонники стиля уделяют портретам. Нарисовать лимон, который падает в стакан с водой, сложно, но передать эмоции, настроение и характер человека еще сложнее. Многие современные художники усложняют себе работу еще и тем, что поливают модель краской, водой или маслом для придания большей оригинальности картине.
Но в целом гиперреалисты не ограничивают себя в выборе темы для рисования. Как и многие другие художественные стили в живописи, этот вид искусства может представить на суд зрителя практически все что угодно.
Чем рисуют
Материалы, с которыми работают гиперреалисты, могут быть совершенно разными. Большой популярностью пользуются работы, выполненные маслом или акрилом. Сочность красок позволяет художнику создавать контрастные, яркие и действительно привлекательные картины.
Но есть и другие материалы, которыми настоящие таланты создают работы в стиле гиперреализм. Карандашом, например, чаще всего выполняют портреты. Он позволяет четко прорисовать морщинки на лице, мельчайшие элементы волосы и так далее. художники-гиперреалисты создают невероятно солнечные и яркие портреты.
Акварель больше подходит для рисования пейзажей в стиле гиперреализм. Картины получаются легкими и воздушными - полупрозрачная краска позволяет лучше передать пространство. Несмотря на то, что художники нередко рисуют леса, озера и бурные реки, они нечасто выходят для творчества из дома. Практически все картины срисовываются гиперреалистами с фотографий, которые они сами же зачастую и делают.
Известные художники
Многие видели картины художников, рисующих в этом стиле, но мало кто слышал их имена. Одним из наиболее известных гиперриалистов является Уилл Коттон. Его «сладкие» картины не могут не привлечь внимание. Как правило, на них изображены девушки на облаках, напоминающих или различные десерты - торты, печенья, и т. д.
Нельзя не отметить пейзажи Рафаэллы Спенс, выполненные в стиле гиперреализм. Картины этой художницы поражают своей живостью, что делает их практически неотличимыми от фотографий.
Создавший немало работ в стиле абстракционизм, является одним из наиболее известных гиперреалистов. Люди и предметы на его картинах выглядят немного размытыми, как будто свет проходит прямо через них. Благодаря этому необычному эффекту картины Рихтера легко можно узнать среди многих других.
Стоит отдать должное художникам, рисующим в стиле гиперреализм. Картины, созданные ими, являются примерами высочайшего мастерства.
Если говорить непосредственно о возникновении самого термина, то появился он в семидесятых годах прошлого века на выставке фоторабот того времени. Спустя же почти 30 лет этим термином назвали потрясающее направление в художественной деятельности.
Кроме того, стоит отметить о наличии так называемого современного гиперреализма , который, в отличие от своего родоначальника, не стремится слишком точно передавать действительно на уровне фотоснимка. Все сцены и объекты в живописи по гиперреализму некоторым образом детализированы, чтобы создать в результате некоторую иллюзию реальности. Считается, что своими корнями современный гиперреализм и вовсе уходит в философию Жана Бодриийяра, в которой можно встретить такую фразу «симуляция того, чего на самом деле никогда не существовало». Стоит отметить, что в этом направлении также работают и другие деятели искусства – кинорежиссеры, скульпторы и даже те же самые фотографы, которые не видят в этом течении прямого конкурента.
Как рисует художник гиперреалист
В основном применяются самые простые материалы: кто-то рисует карандашами, фломастерами, шариковыми ручками, углем, кто-то всевозможными красками. Самое интересное, что большинство мастеров этого направления- самоучки.
Процесс работы Диего фацио- гиперреалиста-самоучки представлен на фото снизу. Мастер работает как струйный принтер, начиная с левого верхнего угла, используемые материалы: уголь и карандаш. На одну работу уходит более двухсот часов:
Гиперреализм карандашом
Отличное видео! 4 часа 23 минуты- и картина на готова! Посмотрите,как создается чудо(ускоренный вариант)):
Художники гиперреализма
Наиболее выдающиеся и известные художники этого жанра – Жак Боден, Чак Клоуз, Педро Кампус, Эрик Кристенсен и другие.
Интересно заметить, что все современные мастера этого направления очень забавляются тем фактом, что почитатели их таланта и те, кто впервые видит их картины, долго находится в раздумьях – настоящее ли это творение кисти или же фотография.
К современным мастерам стоит отнести таких специалистов:
Милана Марчелло Бареньи справляется за 4-6 часов воссоздать привычные нам предметы на бумаге.
Джереми Геддес. Глядя на его работы, порой кажется, что перед нами фотоколлаж, сделанный в фотошопе. Разумеется, это не так, а лишь грамотное и в то же время уникальное использование пропорций, характерное только для этого мастера.
Стоит обратить внимание, что художник не гнушается выходом за пределы холста и совершенно не собирается следовать привычным канонам и законам живописи. При этом он как бы заставляет стороннего наблюдателя интересоваться тем, что же произошло, намеренно вовлекая его в процесс.
Хуан Франциско Каса. При первом взгляде на фото этого художника, может показаться, что перед нами фото, пропущенные через простецкий фильтр фотошопа. Однако это мнение ошибочно, ведь перед нами – самое настоящее творение художника. Самый интересный факт – свои работы Хуан создает посредством простой шариковой ручки, причем на одну работу ему требуется в среднем шесть таких пишущих изделий.
Природная стихия, как она есть, также всегда интересовала художников этого направления. К примеру, маринисты-гиперреалисты считают основным направлением своей деятельности – возможность изображения моря и водной глади.
Ран Ортнер. Американский художник.
Жанр гиперреализм имеет богатую историю. Еще художники в XVI веке рисовали обманки прямо на стенах или дверях, подобные гиперреалистичные изображения было нелегко отличить от настоящих предметов.
Необходимые инструменты и материалы
Для рисования в жанре гиперреализм вам потребуется плотная бумага, карандаши разной твердости (можно использовать цветные карандаши), салфетки, ластик, линейка, гелевая черная ручка, а также растушевки. Все это вы можете приобрести в специальных магазинах для художников или в обычных магазинах канцтоваров. Также необходимо будет понравившуюся фотографию в черно-белых тонах.
Гипперреализм: техника
Существуют специальные приемы, помогающие добиться столь впечатляющего эффекта. Для начала подготовьте фотографию. На нее необходимо нанести при помощи карандаша и линейки сетку из квадратов произвольной величины.
Таким же способом расчертите лист плотной бумаги. Работайте легкими штрихами, ведь позже придется стирать все линии. Далее вручную скопируйте все формы, которые вы видите в клетках снимка.
Поэтапно переходите от одной ячейки к другой. Так вы постепенно создадите эскиз будущего рисунка в жанре гиперреализм. Когда работа будет закончена, сотрите все вспомогательные линии, затем приступите к проработке форм.
Начинайте рисовать с самых темных элементов изображения. Отвлекитесь от нацеленности нарисовать именно то, что находится на фотоснимке. Наш мозг порою может обобщать картины. Просто повторяйте все формы и линии, которые видите. Используйте растушевку для смягчения линий и плавного перехода между тонами.
Поработайте над пропорциями. К примеру, лицо или фигура строятся по определенным принципам. Убедитесь, что рисунок выглядит гармонично и красиво. Если на фотографии присутствуют волосы, то рисуйте их отдельными локонами с проработкой теней и бликов. При создании гиперреалистичного рисунка желательно использовать гелевые ручки.
Далее следует нарисовать тени. Делайте это с большой аккуратностью, работайте постепенно. Если что-то не получилось изобразить с первого раза, сотрите и повторите заново. Именно тени делают рисунок реалистичным. Поэтому уделите данному этапу работы больше внимания. Самые темные места можно подчеркнуть специальным угольным карандашом.
Возьмите в руки ластик и подчеркните высветленные места. Ластик – это важный инструмент для редактирования и создания бликов. Делайте все постепенно. По завершении работы растушуйте все четкие линии. Ваш рисунок в жанре гиперреализм готов!
Обучение любому мастерству начинается с основ и рисование не является исключением. Для того чтобы научиться хорошо и правильно рисовать, необходимо усвоить правила рисования базовых форм и предметов, без которых нельзя представить себе живопись и графику.
Инструкция
В рисовании важно уметь правильно строить округлые и цилиндрические формы, и поэтому вы должны знать, какие ошибки нельзя совершать, округлые объекты, и изображать овалы и цилиндры.От правильного рисования овальных объектов зависит, сможете ли вы правильно , вазу, и любую другую подобную форму. Начинайте построение контуров предмета с нанесения направляющих линий. Помните о том, что овал должен быть симметричным и аккуратным, не должны быть параллельны, а края не должны быть острыми.
Определите, где именно на листе будет располагаться ваш предмет. Проведите тонкую карандашную линию, соответствующую центральной вертикали предмета, например, кувшина. Затем определите места осевых линий будущих овалов, стараясь соответствовать